四、艺术修养：品味生活的艺术

1.艺术修养来自对美的欣赏

艺术修养是一种发自内心的气质和修养，它需要一种深厚的文化底蕴，而这些都是长期培养出来的，人们创造美的同时欣赏美的结果。

有一句流行语说得好：“情人眼里出西施。”美的欣赏极似“柏拉图式的恋爱”。你有初尝恋爱的滋味时，本来也是寻常血肉做的女子却变成你的仙子。你所理想的女子的美点她都应有尽有。在这个时候，你眼中的她也不复是她自己原身而是经你理想化过的变形。你在理想中先酝酿成一个尽善尽美的女子，然后把她外射到你的爱人身上去，所以你的爱人其实不过是寄托精灵的躯骸。你只见到精灵，所以觉得无瑕可指；旁人冷眼旁观，只见到躯骸，所以往往诧异道：“他爱上她，真是有些奇怪。”一言以蔽之，恋爱中的对象是已经艺术化过的自然。

美的欣赏也是如此，也是把自然加以艺术化。所谓艺术化，就是人情化和理想化。不过美的的欣赏和寻常恋爱有一个重要的异点。寻常恋爱都带有强烈的占有欲，你既然恋爱一个女子，就有意无意地存有“欲得之而甘心”的态度。美感的态度则丝毫不带占有欲。一朵花无论是生在邻家的园子里或是插在你自己的瓶子里，你只要能欣赏，它都是一样的美。

艺术修养也正是来自于这种对美的欣赏。确切地说，是来自于对艺术的美的欣赏。艺术美具有鲜明的个性特征，在现实生活中，通过对艺术美的欣赏，受艺术美的熏陶，能极大地提高你的艺术修养。

（1）对艺术美的欣赏可提高人们的审美能

力、培养人们高雅的审美情趣艺术是人们认识与掌握世界的基本方式，其目的在于认识生活，反映生活，并创造生活。要实现艺术的这种目的，就必须能够欣赏艺术，而艺术美在培养与提高人们的审美能力方面，具有现实美不可比拟的作用，因为艺术美比现实美更集中、更强烈、更动人，因而更富感染力。“消费对于对象所感到的需要，是对于对象的知觉所创造的，艺术对象创造出懂得艺术和能够欣赏美的大众，一任何其它产品也都是这样。因此，生产不仅为主体生产对象，而且也为对象生产主体。”艺术美与欣赏大众之间的关系也是这样：艺术美使人们的审美能力不断提高，对美的要求不断变化，而审美能力的提高和审美需求的变化又促使艺术美的创造与欣赏向更高级的阶段发展，正是在这种互为主客体的交互作用与发展中，艺术的目的才得以实现。

（2）对艺术美的欣赏可培养、丰富、完善人

的高尚情操，净化人的灵魂高尚的、健康的感情是人的精神完美的重要条件和标志。而艺术美对于培养和丰富人的高尚情感具有独特的作用。美的艺术品无不渗透着艺术家的感情，寄托着他的爱憎。汤显祖创作《牡丹亭》时，当写到“赏春香还是你旧罗裙”，不觉伤心落泪。梁斌在创作《红旗谱》时，也“无数次流下眼泪，是流着泪写完这本书的”。艺术家的这种充沛而丰富的情感，通过艺术形象传达给欣赏者，必然引起强烈的感情共鸣，产生或悲、或喜、或怒、或愤的情绪，进而使感情得到净化、丰富和升华。艺术美的情感内容，对于培养人的精神之美是不可缺少的条件。

（3）美的欣赏还可激发人的审美想像力和创造力

艺术与科学不同，科学诉诸理智，它对事物的认识不增不减；而艺术诉诸感觉，引起人们对美的感受和丰富的想像。在对艺术美的感受中，人们就会发挥想像的力量，完善、补充、丰富，甚至改变对象在心目中的性质，重新创造出新的完美意象来。例如，尽管我们许多人没有到过大草原，但读过北朝乐府民歌《敕勒歌》：“敕勒川、阴山下。天似穹庐，笼盖四野。天苍苍，野茫茫，风吹草地见牛羊”，头脑中就会浮现出一幅草原牧区的辽阔壮美的图景。当然，这种想像力、创造力所引起的结果是因人而异的。无数事实说明，一个人的审美经验越丰富，文化水平越高，相应地他的思考和理解的能力也就越强，从而他对美的感受、领悟和情感体验也就越敏锐、越强烈。

2.聆听音乐：感受心灵的语言

音乐是人类相通的心灵语言，不管天南地北，海角天涯，音乐都能陶冶着人的情操，丰富着人的内涵。感悟音乐吧，它会提升你的艺术品味。

你是否常听音乐？你从音乐中可曾体会出什么？是否会觉得，它有时像天籁，有时像深谷里的泉水，有时又像海涛澎湃，是那样的使人陶醉和忘我！若说精神的最高境界是“无我”，那么，音乐的终极该是“忘我”！

也许有人把音乐看做是一门神秘莫测、不可捉摸的艺术。也许有人会说：“我喜欢音乐，但对音乐一窍不通。”“我缺乏音乐细胞，理解不了音乐。”“听听歌曲还可以，欣赏不了乐曲”，等等。这些人认为，只有具备欣赏音乐才能的人才能理解音乐。关于才能，我们常听有人说：某人看了一场演出，回家后就能在钢琴上弹出所有的曲调；某人在听完一首乐曲后能马上毫无错误地模仿出来。还有人以是否具有绝对音高的听觉能力作为衡量一个人是否具有音乐才能的标志。其实这些与对音乐的真正理解关系不大。当然，音乐是声音的艺术，对不同旋律的辨认能力是应该具备的，而这种能力也是一般人都能够具备的，所以你如果对自己的音乐反应能力抱有自卑感的话，最好把它丢掉。

人人都生有能接受外界音响的耳朵，也都生有能把音响传到大脑去的听觉神经，更有一个对音响能感知、能思考、能识辨、能记忆、能联想、能想像、能推理的大脑。有了这些条件，应该说人人都能听音乐，并能从音乐中得到感受，获得精神上的营养，使自己生活得更愉快，精神上更丰富多彩。例如：当你听到一首乐曲时，你会说出爱听或不爱听；你也能辨别出那是一首抒情曲、舞曲或是进行曲；你也能从风格上说出它是悲哀的还是欢快的；你还能从题材上区别出儿童乐曲和成年人的乐曲。这说明你已具备了初步的欣赏能力。在生活中，当你看一场电影，听了一支歌曲，看了一场舞蹈，听了一次戏曲或欣赏一首配乐诗朗诵后，你都能得到一定程度的满足，增添生活情趣，这实际上就欣赏了音乐，理解了音乐，因为所有这些艺术表现形式，都必须在音乐形象衬托下才能体现其感人的完美性。这些无意识获得的音乐享受，进一步说明你已具备了初步的音乐欣赏能力。通过以上这些被绝大多数人所能接受的事实说明，初步的音乐欣赏能力的获得可以是人们长时间无意识地欣赏音乐的结果。当然，这些无意识的欣赏能力，远远不能满足对乐曲欣赏的需要。要想提高自己的欣赏水平，就必须进一步了解音乐。

（1）感受音乐的能力

音乐是一种“世界语”，它的“非语义性”使它不受时间、地域、国家和民族的限制，因为它是“心灵的语言”。惟其如此，欣赏音乐首先要具备的是感受能力。感受能力包括节奏感、旋律感以及对音乐作品整体的感觉。而节奏感和旋律感是整体感觉的基础。节奏是音乐情绪的基调，决定着音乐形象的感情和色彩；而旋律是节奏在音响上的扩大和延伸，它的起伏变化已能构成音乐形象的轮廓和细部。通俗地说，音乐作品的整体就是无数旋律的总和。所谓感受能力就是对节奏和旋律产生共鸣的能力，受音乐作品感染的能力。我们常说，被音乐陶醉了，就是指和音乐取得了完全的共鸣：它的欢乐变成了你的欢乐，它的悲哀引起了你的悲哀。

《高山流水》今天仍使我们心神荡漾，《英雄交响乐》今天仍使我们意气振奋，就是这个道理。因而从客观上讲，能使我们产生强烈共鸣、感受至深的音乐作品，就是艺术价值高的；反之，艺术价值就低，也经不住时间的考验。

（2）分析音乐的能力

必须承认，有许多音乐作品是不需要分析的——在欣赏中，你只要感受它就够了，但更多的作品，尤其是大型作品，如交响乐、歌剧等，如果不具备起码的音乐分析能力，就很难欣赏。

对音乐作品的分析包括两个方面。首先是对音乐作品本身的分析，这是对作品的创作技法、配器方法、演出时的指挥或演出水平的判断。例如对贝多芬第五交响乐的分析：乐曲对命运主题的处理，它是怎样表现战胜沉重的命运的（这部交响乐又名《胜利交响乐》），诙谐曲乐章末尾是怎样引出突然空前强烈的末乐章，表现胜利的欢呼的；另外，对整个作品的音乐结构、调式组合、配器手法等的创新等也应有所分析。再如，对比才的《卡门·序曲》，应该分析它是如何高度概括全剧的。其次是对音乐作品所要表现的内容和它是如何表现的进行比较分析。例如根据莎士比亚的悲剧《罗米欧与朱丽叶》，柏辽兹写了戏剧交响乐，古诺写了歌剧，柴科夫斯基写了交响幻想序曲，普罗科菲耶夫写了芭蕾音乐。对于这些音乐，我们都要根据自己对莎士比亚原作的认识与了解，分析它们的成功之处或失败之处，分析作曲家们是如何用音乐手段再现或发展原作的主题，等等。

对音乐的分析能力是需要一定文学的或历史的修养的。否则你就无法掌握音乐作品的背景材料，更无从进行分析。

（3）对音乐的记忆能力

音乐是时间的艺术，音乐在时间的进程中流动、展现，而且转瞬即逝。没有记忆能力就把握不住音乐作品的全貌，那么感受就会十分肤浅，分析也就失去了根据。记忆能力包括对乐句、乐段、乐章乃至整个作品的记忆。对陌生的音乐作品要求有临场记忆能力，它可使你感受、分析、理解音乐；对熟悉的音乐作品要求有重复记忆的能力，它使你产生比较：同一演奏家、指挥家和乐队在不同场合下的演出有哪些微妙的区别，不同的演奏家、指挥家和乐队的演出又有哪些明显的差异。

（4）听音乐和“看”音乐

在科学技术高度发展的今天，我们能通过许多渠道来欣赏音乐：唱片、录音、广播、电视等等。但是为什么一些重大音乐演出——尤其是交响乐和歌剧——人们总是争先恐后地买票去现场听呢？是听音乐还是看音乐呢？这里有许多原因，例如人们想亲眼一睹歌唱家、指挥、演奏家的风采，或是去享受音乐会特有的气氛等等。但是从专业角度来讲，根本原因有两个。第一，无论多么先进的设备录下来的音乐，也没有现场（尤其是现代化音乐厅）聆听的效果好；第二，歌唱家、演奏家和指挥家演出时的感情、表情、动作、姿态等无一不在强调对音乐的分析和理解，因此，只有听加上看，才能更深地体会和感受音乐的巨大力量。

3.欣赏舞蹈：形体的艺术语言

舞蹈运用形体艺术的语言，表达着富有魅力的形体之声。无论你是投身其中还是品味欣赏，都能得到精神上的享受与快乐。

今天，到处都能看到人们载歌载舞的场面：在城市的街心公园，锣鼓声的伴奏中的老年人在扭秧歌；在彩灯闪烁的舞厅里，朝气蓬勃的男女在劲爆热舞；在优雅的影剧院中，在演出浪漫温馨的芭蕾……舞蹈，是人类最古老的艺术形式之一。它的历史几乎和人类的历史同样悠久。根据现代考古学掌握的材料来看，古代先民们在狩猎捕鱼、播种收获、祭祀神灵祖先、出征打仗以至于婚丧生殖的时候，都要舞蹈。然而这些古老的原始舞蹈，功利目的远远大于娱乐和审美目的。只是到了奴隶社会晚期（例如中国的商周时期），它的娱乐和审美作用才变得重要起来。在现代社会中，舞蹈已经发展成为一种高级的综合性艺术。舞蹈欣赏，已经成为一种复杂的精神活动和审美过程，需要一定的文化基础和艺术修养。观众通过舞蹈作品中的舞蹈形象，去认识创作者所要反映的生活、思想和感情，同时得到演员身体的形体美、舞姿的造型美、动作的韵律美等多方面美的享受。在这种审美过程中还能得到启发、感染和教育。

在舞蹈欣赏过程中，想像力的作用十分重要。任何舞蹈，其动作、造型都不是生活动作的重复，而是经过选择、提炼和改造，具有相当的夸张性和虚拟性。演员根据想像中的环境、地点、气氛舞蹈，观众必须能根据他（或她）们的舞姿去想像这些环境、地点、气氛（当然，这在一定程度上还要取决于演员的表演水平）。另外，对音乐的理解也是舞蹈欣赏中的重要条件。就我们所能接触到的舞蹈来说，没有无音乐伴奏的舞蹈。而且在芭蕾舞、现代舞中有很多是先有音乐，然后才来编舞，那么舞蹈就成了音乐的解释手段。在完整的舞蹈演出中，舞蹈和音乐水乳交融，密不可分。因此，对音乐的理解，直接影响着舞蹈欣赏的水平。

（1）古典舞蹈

古典舞蹈是各个国家或民族中具有传统风格和典范意义的代表性舞蹈，它是在专业舞蹈艺术家不断的提炼、加工和创造过程中形成的。古曲舞蹈共同的特征是：规范化的舞蹈技艺、程式化的表演手法、严格的训练体系和相对稳定的审美法则。例如欧洲的古典舞蹈，一般即指芭蕾；印度的古典舞蹈有六大派系：婆罗多、卡达克、卡塔卡利、曼尼普利、奥迪西和库吉普迪；日本的古典舞蹈有歌舞伎、神乐等。

中国古典舞蹈，由于年代久远、朝代更迭，大抵散佚失传。20世纪50年代以来，专业舞蹈工作者参考了保留在戏曲中的舞蹈身段和舞姿（如水袖等），结合大量的石窟艺术、古代壁画、画像石、出土文物中静止的舞蹈造型，复原创造，整理出一套韵律舒展雍容、动作明丽清新、造型典雅生动的古典舞蹈体系。用它创作的舞蹈如《春江花月夜》，舞剧《宝莲灯》、《小刀会》、《丝路花雨》等，在世界上都享有较高声誉。

（2）民间舞蹈

顾名思义，民间舞蹈是来自民间、流传于民间的舞蹈。它以生动活泼、简便精干的形式反映广大人民群众的劳动生活、喜怒哀乐。不同民族和地区有不同的民间舞蹈，它们不同程度地受本民族和地区的生活方式、风俗习惯、宗教信仰、自然条件的影响，风格特色上有着显著差异。例如中国汉族民间舞《龙舞》、《狮舞》、《秧歌》、《高跷》等和新疆维吾尔族民间舞在韵律上、动作上、舞姿造型上就有很大差异；中非黑人舞蹈和北非阿拉伯舞蹈在节奏上、动作上也有天壤之别；欧洲的马祖卡（波兰）和美洲的踢踏舞也是毫无相似之处。一般说来，产生和流传于民间的舞蹈大多是集体舞，有时甚至可以形成成千上万人的大型集体舞，如景颇族的木瑙纵歌。我们平时在舞台上看到的单人、双人的民间舞蹈，常常是加工后的表演性节目。尽管民间舞蹈千差万别，但它们还是有共同的特点：自娱性——它在产生和流传过程中大多是为了自我娱乐；即兴性——民间舞蹈的动作规范性较弱，可以根据舞蹈者的能力自由发挥，有时还产生竞技性的舞蹈比赛，看谁的动作难度大、水平高；稳定性——由于总是在一定范围内流传，受外界影响较小，其风格特点基本保持不变。

（3）芭蕾

芭蕾也许是目前观众最多、影响最大的一种舞蹈形式。芭蕾（ballet，法语）一词源于古拉丁字ballo，原意就是跳舞。但现在它的意义仅指这种有特定规范技巧、特定结构形式的舞蹈或舞剧。芭蕾最早出现在文艺复兴时期的意大利，作为盛大庆祝活动的演出节目之一。17世纪在法国宫廷，由于路易十四的支持而发展起来，它基本上从属于歌剧或话剧，是戏剧中的插舞或幕间的舞蹈表演。当时的表演者从国王到大臣都参加，女角也由男子扮演，演出地点只限王宫。所以这一阶段人们把芭蕾称为歌剧芭蕾或宫廷芭蕾。1669年，路易十四下令成立巴黎歌剧院，使歌剧、芭蕾等进入公共剧场。这是使芭蕾成为独立艺术的重要一步。法国作为芭蕾艺术的中心长达200年之久，直到19世纪下半叶，俄罗斯芭蕾舞派产生，芭蕾艺术中心才移到彼得堡。今天，苏联仍然是芭蕾艺术水平最高、技术力量最雄厚的国家。此外，法国、英国、意大利、丹麦、德国和美国都拥有享誉世界的舞团或艺术家。80年代以来，中国芭蕾艺术有了长足的发展，在国际重大芭蕾舞比赛中已成为一支不可轻视的力量。

在几百年的历史发展中，芭蕾形成了一整套十分严格的规范化基本技术。这些基本技术是1661年巴黎皇家舞蹈研究院成立之后，由著名宫廷舞师彼埃尔·博尚等13位院士首创的。它们是建立在伸展、外开、直线的审美观点之上的，包括5个脚的基本立姿和3个基本造型舞姿。19世纪发展起来的女子脚尖舞蹈技巧和双人舞的托举并未脱离当年确立的基本技术范畴。

芭蕾演出还具有规定的结构形式。不论是独幕还是多幕（多场）芭蕾，每一幕基本按照“出场——慢板——变奏——结尾”这一规定程序。其中“慢板”和“变奏”是舞蹈的核心部分。慢板一般是双人舞，由男女演员用扶持或托举技巧合作演出抒情舞段；“变奏”是由男女主要演员先分别表演独舞，用高技巧高难度的舞蹈表现人物的情绪、性格和思想，最后两人合作表演双人舞。“变奏”常常被选作国际芭蕾比赛的指定节目。

芭蕾演出中还有很多群舞场面，大多采用芭蕾化了的民间舞蹈。芭蕾艺术家把这种舞蹈叫做性格舞。例如《堂吉诃德》中的西班牙舞，《天鹅湖》中的拿波里舞、马祖卡舞等。

芭蕾欣赏中对音乐理解能力的要求较高。现在的芭蕾都有庞大的交响乐队伴奏，演出成功与否，音乐占很大比重。音乐中许多乐段实际上是在展开剧情、介绍环境，对音乐的理解影响着对剧情的理解。另外，演员的表情、动作的力度、韵律等都必须与音乐丝丝入扣，因此，对音乐的把握还能使你准确地评价演员的技术水平和表演能力。

（4）现代舞

这是一种第一次世界大战前后在西方兴起的舞蹈流派，是芭蕾（古典舞蹈）的反动。它反对程式化和规范化的舞蹈，强调发挥个人性格特征，表现社会与个性、物与人的矛盾。现代舞又称现代派舞蹈，它的创始人是邓肯、达尔克罗兹和拉班。它的活动中心在纳粹政权统治德国以前在德国，30年代以后移到美国。现在现代派舞蹈已遍及全世界，但仍以美国的流派最多、水平最高。当今现代派舞蹈的分支很多，互相之间的观点差异很大。例如美国现代舞大师格雷厄姆，她强调“舞蹈应剥开那些掩盖着人类行为的外衣”，“揭露出一个内在的人”，因此，她力图通过人的下意识的、原始的动作，去挖掘人的潜意识或是心灵深处的阴暗角落。她的学生坎宁汉却主张舞蹈动作应完全无含义。他说：“我从来不要一个演员去想某个动作意味着什么，这正是我不喜欢和格雷厄姆一起工作的原因。”他的舞蹈被称为“偶得舞蹈”，也就是对动作不做预先设计，只要演员偶然想到一个动作，就让他根据“个人的特点无所畏惧、无所隐晦地表现出来。”还有的现代派舞蹈认为人体是舞蹈情绪的障碍，就用一个弹性尼龙袋把人裹起来；又有的人认为任何服装都会妨碍人的自然动作的表情，所以出现了表现十分严肃内容的裸体舞蹈。

现在国际舞坛上出现了一种新的趋势，就是古典芭蕾和现代舞不再对立和排斥，而是相互借鉴、融合，因此产生了一种新的芭蕾：现代芭蕾。

4.感悟戏剧：冲突中的生命运动

戏剧的实质是冲突，是激变。它是一种表演，一种叙述，一种体验，一种与观众之间“间离”的介质，它是由演员当众表演故事的艺术形式。

在大型综合性艺术中，最古老的恐怕要算是戏剧了。古希腊悲剧的鼎盛时期是公元前6世纪至前5世纪左右，那时产生了世界著名的三大悲剧家：埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇德斯。稍后，又出现了伟大的喜剧之父阿里斯托芬。与古希腊差不多的时期，在中国楚国的巫舞中也出现了戏剧的因素。

（1）戏剧的特点

①综合性。一说到戏剧，人们都马上想到它是综合性艺术。它把空间艺术（舞蹈、绘画）和时间艺术（诗、小说、音乐）综合在一起，形成了一种独立的艺术。

②两次创造。戏剧不是一次完成的。它的第一次创造是剧本的产生。剧本是文学性质的，是作家、职业编剧的个性产品。它的第二次创造却是集体产品——通过导演、演员、美工、乐师、服装等一系列创作人员共同创造的。第二次创造能否表现出原作的个性成就，这完全取决于导演、演员等人对剧本的理解。

③戏剧语言。戏剧语言是文学语言中最特殊的形式，它必须是活生生的生活语言，但又必须去推动事件的发展，塑造人物形象。正如高尔基说的：“剧本（悲剧和喜剧）是文学中最困难的一种样式，其所以困难，是因为戏剧要求每个剧中人物用语言和动作表现出自己的特征，而不用作者的提示。”他又说：“剧本登场人物的产生，特别依靠而且只有依靠他们的话语，即纯粹口语，而不是用叙述的语言。”

④戏剧冲突。没有冲突，就没有戏剧。平时我们所说的戏剧性，本身就是冲突表现的程度。但是这种冲突，不能人为地编排和假造，它一定要有真实生活作为根据，也就是具备可信性。

（2）戏剧的欣赏

戏剧兼备了各种艺术样式的一切要素，它有诗和音乐的时间性、听觉性，以及绘画、雕塑、建筑的空间性和视觉性，而且同舞蹈一样，具有以人的形体做媒介的本质特征。因此戏剧是一种空间和时间的综合艺术。

作为一种综合艺术，戏剧融汇了多种艺术的表现手段，它们在综合体中表现为：诗（文学）——剧本；绘画、雕塑、建筑——布景、灯光、道具、服装、化妆；音乐——演出中的音响、插曲、配乐；舞蹈——演员的表演艺术、动作艺术。在多种艺术成分中，演员的表演艺术居于中心地位，表演艺术的手段——动作，是戏剧艺术的基本手段。其他艺术因素，在戏剧艺术的综合体中被本体所融化。

戏剧演出的综合性，使它成为一种特殊的集体艺术。一次戏剧演出，一般都需要剧作家、演员、音乐家、舞台美术家以及舞蹈家的集体合作，他们在演出中担负着不同的任务。为了使集体的创作成为一个整体，就需要有一个集体的领导者，这就是近代被定名为导演的人。他的任务一方面是组织、领导这个集体，另一方面是进行导演艺术的创造。导演艺术不同于表演、造型、舞蹈、音乐等艺术要素，它不以物化形态直接呈现在观众面前，而是在一个思想和一个创造意图的指导下，在剧本所规定的生活情境里把各种艺术要素结合在一起。

由于戏剧艺术是时间与空间的综合艺术，戏剧美的特殊性，就是过程性与直观性的高度统一。这种美的组合不是作为一种凝结物，而是作为一个生动的过程，在可以直观的、有真实感的生活图景中展现出来。

在艺术美的领域里，音乐、舞蹈、抒情诗歌也表现过程，但并不落实为直观的生活图景；绘画、雕塑能表现直观图景，却又未展开为过程；叙述性文学既表现为过程，又表现为生活图景，但它的生活图景是通过文字的媒介描述出来的，缺少通过人的形体表现的直观性。

在戏剧审美过程中，日本戏剧理论家河竹登志夫认为，观众是必不可少的因素。观众在剧场的时间、空间，即在“戏剧的场”内，创造出种种“心理的场”，产生一连串的心理活动及生理活动。在论述戏剧的“场”时，河竹登志夫认为，戏剧虽被称为一种综合艺术，但它的各个要素是作为形成戏剧“场”的要素中的一个分节而存在的。不仅是舞台，而且从观众席上的气氛到剧场建筑、照明等，一切都成了演员和观众相关的要素。戏剧“场”是一个既有个差异又大致相同的“场”，在同一时间、同一空间临时组成集团的观众，即使不丧失个人差异，由于面对同一舞台演出，必然会产生许多共同的思想感情。舞台上的演出，促使观众产生内心活动，反过来，观众席上的氛围也影响演员情绪，而演员的演出又再度影响观众。这是一种直接的感情交流，这种感情交流很快地融合为共同的生活感受。

因此，我国戏剧理论家余秋雨认为，人类之所以需要戏剧，并不仅仅为了观赏。戏剧，首先是社会成员的一种群体性活动，一场演出，既为人与人的会合、交流提供了机遇，又为他们共同的心理体验提供了一个统一的依据。观众与戏剧家，观众与观众，以一个活生生展现的故事为中介，进入一种心心相印的交融状态。戏剧家饱含情感的处理，观众饱含情感的反应，在演出中汇成了巨大的精神洪流；观众既被演出所感动，也被这种群体性的精神洪流所感动。戏剧的这种审美功能是电影和电视所不具备的，电影无法让观众与演员当场交流，电视则除此之外还缺少社会群体性。

戏剧的这种时空性，使人产生一种真实感，创造出现实的、逼真的生活环境，因而戏剧被认为最接近人生，具有直接的社会性。从这一意义上讲，与其说剧场是使人陶醉的场所，不如说是使人觉醒的场所，也可称为向着自由的解放场所。自我可以在演出中自由地驰骋，娱乐性、社会性和教育性都根植于此。戏剧对人生的意义，就在于启迪人的心灵，尤其在最为接近现实人生的境界中，来求得人性的解放。而戏剧的群体性的心理体验特征，使它比其他艺术更集中、更强烈地反映了人们的心声、社会的风貌、民族的心理历程，在娱乐的背后隐藏着严肃而深刻的社会历史意蕴。

5.观摩影视：再现时代的综合艺术

影视被称为时代的多棱镜，它折射出不同时代的社会文化现象；影视被称为社会的万花筒，它展示出一幅幅社会生活的斑斓图景。

对于一个影视艺术鉴赏者来说，应该具备什么样的条件，才能使自己进入特定的对影视艺术的审美主体状态，而不是一个旁观者呢？面对影视事业的迅猛发展和浩如烟海的影视作品，我们的鉴赏该从何处下手呢？

影视评论家认为，如果你想得到影视艺术美的享受，你自己必须是一个具有艺术修养的人。提高影视鉴赏力，不是靠观赏影视中等作品，而是要靠观赏一定量的优秀作品。只有我们对优秀影视作品及其艺术、技术构成手段进行全方位的审美鉴赏，才会有效地提升对影视艺术的综合审美能力。

具体说来，首先应具有相应的影视艺术知识。就影视本身而言，现代传媒所形成的技术手段和艺术表现力是综合的，声、光、电、色彩、造型等无一不具；传统的文学艺术样式，如小说、诗歌、散文、绘画、雕塑、建筑、摄影、音乐、舞蹈、戏剧等无一不有。影视可以说是艺术与技术的集大成者，我们对其进行审美鉴赏，非有一定的影视专业知识不可。否则，就会影响我们对影视艺术作品作全方位的艺术感受。

其次，要调整和改变过去的审美观念。我国具有古老的文化历史，传统的欣赏习惯使人们形成一种固有的艺术欣赏的审美定势，那就是注重故事情节，关注人物命运，喜欢有头有尾的叙述，追求团圆美满的结局，而往往忽略影视其他重要创作手段和艺术表现方式的信息传达。影视艺术是一种综合性最强的艺术形式，单一的对其故事与人物的欣赏，显然不能全部解释影视的表现能力，也不能尽可能多地接收影视创作者所要传递的各种艺术信息。因此，培养一种与影视艺术相适应的审美眼光，是十分必要的。

影视欣赏的对象是以影视艺术作品为中心的放射性体系。作为综合艺术，影视片是编、导、演、摄、美、录协同运作、融而为一的集中成果。因此，影视欣赏必然以作品鉴赏为核心，从作品出发，进而鉴赏编、导、演、摄、美、录各个部分，再从各个部分如摄影，进入更为具体的推、拉、摇、移、跟这五种镜头运动方式的鉴赏。在对作品各个部分的欣赏之中，导演艺术相对于影视片的整体成就而言，居于重要的统领地位，而演员的表演则更加直观和形象化，也更容易引起观众欣赏与交流。

总而言之，影视艺术是一门综合艺术，它几乎把所有的文学艺术样式的艺术表现手法都借鉴到影视艺术中来了。除影视艺术自己所具备的特质之外，在影视作品的结构上，有小说式结构、散文式结构；在蒙太奇的手法方面，有诗化的镜头组接，借以产生诗一般的意境；音乐在影视艺术中的作用，不言而喻是十分突出的；绘画和雕塑，直接参与了影视艺术的创作；建筑的局部与整体的艺术处理关系与影视作品的结构处理，有相通之处；舞蹈艺术在表达丰富、细腻和复杂的情感方面的独到之处，对影视的表演艺术也不无启迪作用。至于戏剧、摄影与影视艺术的密切关系，更勿庸多说了。上述诸多的文学艺术样式在参与影视之后，极大地丰富了影视艺术的叙事性、戏剧性、造型性和抒情性，同时也为影视艺术欣赏带来多层次、多角度、多侧面、全方位的欣赏特点。正是由于各门文学艺术有再现性和表现性的分别，使得影视艺术有这两种类型的有机结合，影视艺术也便可以再现客观现实，又可以表现主观情感。影视艺术就是在这种再现客观世界中表现着主观世界，因此，我们不能低估影视艺术这种有机综合的能力。

6.品味造型：形神兼备的视觉艺术

造型艺术包括绘画、雕塑、盆景、工艺等，是一种空间艺术或视觉艺术。与其他艺术相比，造型艺术成熟得最早——古埃及的金字塔、古希腊的众神雕像、古罗马的建筑、古代中国的工艺品和长城，今天仍使我们叹为观止。

造型艺术作品的每一块色彩、明暗、线条，都应该蕴藏着艺术家丰富的思想感情，令人思考、回味，否则就称不上是艺术品。我们在许多美术作品中看到艺术家表现人体，这表现了艺术家对大自然最美的创造物——人体的歌颂。我们看到美丽无暇的女性人体，就会想到生命的美和对生活的爱；看到健康强壮的男性人体，就会想到生命的力量和对生活的创造。不敢欣赏或不会欣赏人体美的人说明对自己对人类缺乏信心，缺乏战胜自然的力量。

那么应该怎样欣赏造型艺术呢？概而言之，应从四个方面着眼，从中细细体味。

（1）形和神

造型艺术不仅仅要求形似，更重要的是神似。大家都知道画龙点睛的故事，这里的“睛”，就是神。中国明清以来的绘画也主要是靠神韵取胜。最著名的巴尔扎克塑像（罗丹创作），完全是用神似来完成作品的。

（2）景与情

一幅美术作品，一尊雕塑，只有景（包括人物）是远远不够的，重要的是要有情。法国画家米勒的《晚钟》不仅表现了虔诚的穷苦农民对宗教的崇拜之情，而且表现画家对他们无限的同情。俄国画家列宾的《伏尔加纤夫》，表现了纤夫们的艰难困苦和不满情绪，也表现了艺术家对他们的同情和希望。

（3）节奏和韵律

在造型艺术中，线条、色彩、明暗在空间中的连续和间断、重复和变化，形成了它特有的节奏。这种节奏创造出特殊的意境——韵律。我们看到俄国风景大师施希金的画，似乎听到了白桦林的吟唱；看到法国印象派画家梵高的风景画，似乎感到空气的骚动，世界的不安。

（4）力量

许多造型艺术，给人以震撼的力量，有如一首气势宏伟、激动人心的交响乐，使人振作、向上。例如文艺复兴时期艺术巨匠米开朗基罗的《大卫》和《摩西》这样气势磅礴的雕塑，或是罗丹的《加莱义民》这种悲壮的群雕。