第三章　乐器学习训练

第一节　吹奏乐器学习

1.竽

竽，古代吹奏乐器。战国至汉代曾广泛流传。《韩非子·解老》：“竽也者，五声之长也，故竽先则钟瑟皆随，等唱则诸乐皆和”。其形状如笙而较大，在汉代乐俑和石刻画像中多有吹竽的图象。据《周礼·春官·笙师》郑玄注、许慎《说文解字》、应劭《风俗通义》等记载，竽属匏类乐器。原三十六管，后减至二十三管，通高78厘米。竽斗、竽嘴木制，髹绛色漆。设二十二根管，系用直径约0.8厘米的竹管刮制而成，最长者78厘米、最短者14厘米。分前后两排插在竽斗上，每排十一根，用四至五道蔑箍加以固定。上端系一条绛色罗绮带为饰。前排一根长竽管上端插有一个角质的“塞”。此竽管及其相邻一根长竽管下端都有两个按音孔，靠近两管内侧的竽斗上有两圆孔。后排两根长管也同此情形。参照马王堆三号汉墓出土竽，推测它们可能是为折叠管而设置的。

日本奈良正仓院收藏唐代竽三支。吴竹竽二支，分别长87、78.8厘米。斑竹竿一支，长91.8厘米。竽斗木制，髹漆，十七管，有细长的吹嘴。与当时的十七簧笙相似。《旧唐书·音乐志》：“今之竽笙，并以木代匏而漆之”。苏州民族乐器一厂曾复制一件。

2.笙

笙中国古老的簧管乐器，别称雅号“芦笙”。殷代（公元前1401—前1122年）的甲骨文中已有“和”（小笙）的名称。春秋战国时期，笙已非常流行，它与竽并存，在当时不仅是为声乐伴奏的主要乐器，而且也有合奏、独奏的形式。南北朝到隋唐时期，竽、笙仍并存应用，但竽一般只用于雅乐，逐渐失去在历史上的重经作用，而笙却在隋唐的燕乐九部乐、十部乐中的清乐、西凉乐、高丽乐、龟兹乐中均被采用。当时笙的形制主要有十九簧、十七簧、十三簧。唐代又有了十七簧的义管笙，在十七簧之外，另备两根义管，需要时，再把它临时装上去。早期的笙为竹制，后来改为铜制。明清时期，民间流传的笙有方、圆、大、小各种不同的笙的形制。

笙的构造，将铜制的簧片装在若干竹管下端，这些竹管插在一个木制或铜制的带有吹孔的笙斗上。吹时用指按着竹管下端所开的孔，使簧片与管中气柱发生共鸣而发出乐音。演奏时，除单音外、大都用二音、三音或四音配成和音。解放后，对笙进行了改造，目前，已普遍使用的有二十一簧、二十四簧、三十六簧以及小排笙、排笙（键盘笙）等多种形制。笙的吹奏技术也有较大发展，除了用于伴奏与合奏外，已发展成为独奏乐器。

笙是中国古老的吹奏乐器，它是世界上最早使用自由簧的乐器，并且对西洋乐器的发展曾经起过积极的推动作用。

笙的形成，可以追朔到3000多年前。起初，笙和排箫有点相似，既没有簧片，也没有笙斗，只是用绳子或木框把一些发音不同的竹管编排在一起。后来人们逐渐给笙增加了竹质簧片和匏质笙斗，和排箫区别开来。

关于芦笙的起源，民间流传着许多动人的传说。在重峦叠翠的苗岭山下，在清澈碧绿的清水江畔，在山明水秀的苗家山寨，很早以前住着一对老夫妻，阿爹叫篙确，阿婆叫娓袅，他们40岁才生下一个姑娘，取名榜雀。姑娘心灵手巧，长得比孔雀还美，比黄莺还会歌唱，苗家后生都很喜欢她，而榜雀暗地却爱上了青年猎手茂沙。勇敢的茂沙武艺高强，曾杀猛虎为父报仇，射鹰精为民除害。有一次，杀死白野鸡怪救了一位姑娘。姑娘得救了，茂沙也走远了，这姑娘原来就是榜雀，父母见到爱女无比高兴，热泪盈眶。榜雀因找不到茂沙而茶饭不香、容颜憔悴。多才多艺的老阿爹，采金竹、削簧片，做出一支精巧的芦笙，用它吹出优美的音调，篙确老爹又教寨子里的青年做芦笙、吹芦笙。赛芦笙那天，远近苗寨的青年都赶来参加，终于引来了头插白野鸡翎的茂沙，榜雀一眼就认出了他，篙确老爹请他到家里做客，榜雀精神焕发，与茂沙畅叙衷情，两人结为美满夫妻。

在锦绣的侗乡，传说芦笙始于三国时代。孔明出兵进犯侗家寨，以战鼓为号。当时侗族首领孟获，则令人凿竹吹音，作为纠集人马、进攻或退却的信号，后来逐渐地演变为芦笙。在一些地区的侗歌中，还记述着制作芦笙的详细过程，说是开始曾用木头削制簧片，吹不出声音来，继而改用竹子或牛角制作，虽发了音，但吹起来太费力，后来孟获的儿子从战甲上取下一些铜片，仿岩洞滴水声，将其锤得很薄，装在芦竹管上，才发出动听的声音来，从而相继制成了各种大小不同的芦笙。

笙斗用葫芦制作，吹嘴由木头制成，十几根长短不等的竹管呈马蹄形状，排列在笙斗上面。唐代以后，演奏家们把笙斗改为木制，后来经过流传，又用铜斗取代了木斗，同时簧片也从竹制改为铜制。

由于笙流传的年代久远，所以在不同的地区有不同式样的笙。新中国成立后，中国的乐器制造者和音乐工作者，对笙进行了不断的改革，先后试制出扩音笙、加键笙等多种新品种，克服了音域不宽、不能转调和快速演奏不灵便等缺点，给笙带来了新的生命力。

笙的音色明亮甜美，高音清脆透明，中音柔和丰满，低音浑厚低沉，音量较大。而且在中国传统吹管乐器中，也是唯一能够吹出和声的乐器。在和其他乐器合奏的时候，能起到调和乐队音色、丰富乐队音响的作用。在大型的民族管弦乐队里，笙有时还要用到高音、中音和低音三种笙。

笙的吹奏技巧

笙的音色清幽而明亮，吹笙时，要将笙用双手捧起，俗称捧笙。用右手手掌和小指，无名指握住笙座，左手悬空用来按住音位。切记要以笙就人，用嘴对准吹孔，让笙和身体保持45度的斜形，这样不但美观也不会妨碍看谱的视线。十七簧笙的三、四两管音孔在内侧，由右手食指负责按音，其余手指除了小指以外，并利用到手指侧面按音孔，可吹奏单音或和弦。

笙的音色清丽和雅，它吹奏技巧有：平吹，也称为缓吹。吹奏时气流由口中徐缓的吸出和吸进，气流要均匀，舌头在口中平放，吹出的声音要平稳，不可忽强忽弱，吸吐空气时，面腮两边不要鼓起或凹陷。吐音吹奏时舌尖放松，顶在上颚，靠气息的冲击，使舌尖自然伸开而发出音来。吐音多用在表现活泼，跳跃和热情奔放等快速的乐曲中。

笙的花舌和笛子的花舌技巧一样，将舌头轻靠在上颚，稍微用力向外吹，就可以发出这种效果。又因舌头的用力不同，有细花舌和粗花舌两种效果。喉舌又称为呼舌，是一种很有特色的口内技巧。

吹奏时，用鼻子呼吸，喉咙肌肉放松，舌头尽量往回缩，用舌根带动整个舌头来回迅速的悬空抽动，使在口腔内扇起均匀的气流使簧片震动，发出柔和而均匀的波状音。

颤音是用舌头快速前后伸缩，使口腔内的空气发生前来回快速的吹吸音。这种吹奏效果很美，但很难学。滑音以手指在音孔上逐渐开放或逐渐闭合动作，并配合气的控制，可以奏出二、三度的滑音，一般在高音的管上滑音效果较佳。腹颤音就是在呼吸的过程中利用腹部吸气时放松，呼气时往回收的肌肉运动，造成均匀的气流波动来震动簧片，出现一种细微波浪起伏，就是腹颤音的效果。

3.箫

箫又称洞箫。属“吹孔气鸣乐器”，以竹制作，长约80公分左右，紫竹箫约6—8个竹节。

这种单管竖吹的箫，早在汉代陶俑中已出现。其后的壁画、石刻中多有所见。汉代以前，横吹竖吹的单管乐器统称为笛或篴，所称箫者是排箫。唐宋时期的尺八、箫管和竖篴，则是明清时期以至现代箫的前身。为区别横吹之笛，明代将竖吹之篴称为箫。清《律吕正义后编》：“明时乃直曰箫，不复有竖篴。今箫长一尺八寸弱，从上口吹，有后出孔。笛横吹，无后出孔。则今之箫乃古之笛，信矣。”

箫管前面有五个按音孔，后面有一个按音孔。除靠近两端有两处凹陷外，其余皆与现代竹箫相同。清代周亮工《闽小记》载：“德化瓷箫笛，色莹白，式也精好，但累百枝无一二合调者；合则声凄朗，远在竹上”。可见烧造之不易。

现代箫用紫竹、黄枯竹或白竹制作，全长70—78厘米，管身内径1.2—1.4厘米。上端留有竹节，下端和管内去节中空。上端边沿开吹口，管身中部开六个按音孔，前面五个后面一个，后面下方开出音孔两个，用以调音，其下开助音孔两个，可美化音色、增大音量、拴系飘穗。不设膜孔。有的箫增至八个按音孔，并带有铜插口，可微调音高。

箫的音色柔和、典雅，低音区发音深沉，弱奏时很有特色；中音区音色圆润、优美。箫的演奏技巧基本上和笛子相同，但它的灵活程度远不如笛子，不宜表现快捷花哨的内容，只适合于吹奏悠长细腻、恬静抒情的曲调，多用来表现大自然的美景和抒发人物的内心情感。箫的表现力很丰富，它可以用于独奏、重奏和合奏，还用于江南丝竹、福建南音、广东音乐等民间器乐乐种里，另外它还用于一些地方戏曲的伴奏。

箫的种类很多，下面向朋友们介绍常见的几种：

排　箫

排箫是把长短不等的竹管按长短顺序排成一列，用绳子、竹篦片编起来或用木框镶起来。如果竹管长短一致，则在管中采到堵腊（深浅不同）而得到高低有别的乐音。故排箫有无底、封底两种，分别叫作“洞箫”和“底箫”。

古代，排箫同编钟、编磬一样，是非常受欢迎的乐器。它在南北朝、隋、唐各代的宫廷雅乐中，都占有重要位置。一九七八年八月，考古工作者从湖北随县曾候乙墓——我国“古代音乐文化宝库”中，首次出土了两支排箫。它们的形状独特，好象凤凰的一翼，都是由13根长短不同的细竹管依次排列，用三道剖开的细竹管缠缚而成，表面饰有色彩绚丽的漆绘。这两支排箫虽然形制相同，但相应的管长有别，是一对“雌雄箫”，雄的稍长，雌的略短，古时的雌雄排箫常作合奏，互相衬托，有如男女声二重唱。过去人们只能从魏、晋、南北朝以前的壁画、石刻中，间接地看到我国古代的排箫，而现在展示在我们面前的是2400多年前春秋时代的排箫实物，这不仅引起国内外音乐界的赞叹，而且也为研究我国古代音乐和乐器发展史，提供了珍贵的资料。

盛唐时期，我国的排箫东传日本，至今在日本古都奈良东大寺的正仓院中，仍珍藏着我国唐代的两支排箫遗器，但当时在《东大寺献物帐》上，则称作“甘竹律”。一支为12管，由椽木和革带缠合而成，高30.5厘米；另一支7管，高23.5厘米。两支都已残破，旧管内塞有纸堵，以便于调律，后经修补复原，其形甚为奇异。在北京中国音乐研究所里，珍藏着一支清乾隆时（1736—1795）制作的排箫，共16管，每管都刻有音名，工艺十分精致，造型美观，本制套架上还绘有两条腾云而起的金龙，富有民族风格。排箫是我国最古老的乐器之一。

1956年8月，全国第一届音乐周在北京举行时，经过广泛征求意见，我国文化部和中国音乐协会，确定以排箫的图案，作为中国的音乐标志——乐徽，用以代表我国悠久的文化和丰富多彩的民族音乐艺术。

玉屏箫

玉屏箫：产于黔东玉屏县，是箫中之珍品。其造型、制作和音色别具一格，在国内外享有盛名。“仙到玉屏留古调，客从海外访知音。”是对玉屏箫的高度赞誉。

相传，玉屏箫的制作始于明代万历年间（1573—1619），距今已有300余年的历史。明、清两代，玉屏箫曾作为朝廷贡品，故又有“贡箫”之称。

在1896和1913年的伦敦和巴拿马国际展赛会上，玉屏箫分别获得金奖和银奖，是我国在世界上首获荣誉的乐器。

玉屏箫采用玉屏和邻近镇远、耀山等地所产的小水竹制作，其竹节长、竹管细、竹质坚硬、纤维细密，是制箫的良材，且都在冬季采伐，经过选料、烤竹、刮皮、通节、开吹孔、音孔和校音等20多道工序而成，全长70厘米左右，管身呈扁圆形（系人工夹扁），音孔为椭圆形，孔壁向内呈25度斜面，工艺精细，声音优美动听。

玉屏箫素以雕饰精美而著称，一般是在管身外表涂以古铜色彩，然后雕刻出细腻而逼真的山水、花草和鸟兽等各种纹饰，诗、画、色谐和，工艺纤巧，有较高的艺术欣赏和收藏价值。

玉屏箫的音色圆润、柔美，古色古香，尤以“龙风箫”更为独特。这是两支雌雄为配的对箫，上面雕刻精致的龙凤图案。雄箫略粗，上刻腾龙，发音宏亮、奔放；雌箫稍细，上刻彩凤，音色柔和、含蓄。两箫合奏，宛如男女重唱，和谐而富有情趣。

玉屏箫是优良的独奏乐器，更适于合奏或伴奏。常用于江南丝竹、广东音乐等民间器乐合奏，与古琴合奏，效果更佳。在昆曲、越剧和粤剧等地方戏曲伴奏中，玉屏箫是重要的乐器之一，多用于表现幽静、娴雅等场面。

尺　八

尺八，因箫管长一尺八寸而得名，也有“箫管”和“南音洞箫”之称。管身竹制，音色圆润、柔美，可以独奏、合奏或伴奏。早在东汉时期，尺八的前身就已流传于民间。到了隋代和唐初，尺八成为宫廷中的主要乐器。

盛唐时期，尺八在当时的乐制、乐府和宫廷乐舞中，一直是重要的乐器。宋代以后，箫、笛等乐器逐渐取代了尺八的地位，以致在我国广大地区已很难见到这种古代的乐器了。它目前只流行于闽南和台湾，是演奏民间音乐——福建南音离不开的乐器。尺八的形状和箫相近，但管身较箫短而粗，取其竹子的根部制成，全长60厘米左右，吹呐径2厘米。选材和制作都十分考究。选材多采用石竹、观音竹和茉莉花竹，从齐土的地方切下，将竹节挖通无底，管体长一尺八寸，上端内径六分。

吹口最为重要，做成斜面月牙形，正面有5个按音孔，背面有1个按音孔。有的尺八设一膜孔，位置在吹口与正面音孔之间。尺八的音色和演奏方法与箫相似，但音量较箫大。发声原理也是通过管内空气柱振动而发音。由于嘴唇在吹口的角度和吹气的力度不同，以及手指按孔的变化，而使发出的音响和音高有别。尺八的音色圆润、柔美、深沉而含蓄，并略带凄凉之感。

尺八在1300多年前就已东传日本。从隋高祖开皇20年（600年）起，正值日本圣德太子之时，日本曾屡派“遣隋使”和“遣唐使”前往中国，两国间的友好往来日益频繁，尺八和许多中国乐器，随日本归国使流传东瀛。日本现在使用的尺八，已不限长短了，一般多为3节（竹节）5孔（前4后1），不设膜孔。可用于独奏、重奏或参加乐队合奏，既能吹奏古典乐曲，也能演奏现代乐曲，还经常与筝一起合奏，甚至还能与西洋管弦乐队、电子琴等合作。

二孔箫

二孔箫是佤族吹奏乐器，佤语称“蔚”、“嗯就”。流行于云南西盟佤族自治县。为佤族古老的民间乐器。竹制，竖吹。管身下端带竹节，在近竹节处开有两个按音孔，上端开三角形或方形吹口。吹奏时，下唇堵住管口，两唇并拢吹气发音。两手食指各按一孔，除筒音、按孔音外，还能吹奏泛音，也可用人声与乐器结合发音，有时人声与乐器发同音，有时乐器演奏高音（泛音），口哼低音，有合音效果。二孔箫音色低沉，情调悲切，多由女子吹奏。

三月箫

三月箫是阿昌族吹奏乐器。流行于云南德宏傣族景颇族自治州的陇川、盈江、梁河等县。阿昌语称作“泼勒咸罕”。“泼勒”是箫，“咸罕”是春天树上的嫩叶。一般是春二、三月开始吹奏，到农忙栽插之际，就不再吹了，故名“三名箫”。三月箫以竹制作，长约20厘米，两端吹口，上端四分之一处留一竹节，竹节侧开一椭圆形发音孔，发音孔正中刚好是竹节横隔处，横隔向外方向削一小口，让气流刚刚能通过。有七个按音孔（前6后1）。音域有一个半八度。用蜂蜡做成片状，贴在发音孔上方，以调整发音孔大小（调整音准），控制气流的大小和音色变化。吹奏时下唇盖住吹口大部，仅留一小空隙进入气流。多用循环换气法。音色清亮，多为男青年在野外吹奏。

四孔箫

四孔箫佤族吹奏乐器，佤语称“力西”。流行于云南西盟佤族自治县部分村寨。竹制，管长约40厘米。一端开三角形吹口，竖吹，管身开四个按音孔。吹法与汉族的箫相近，音色柔和，多在青年人的爱情生活中使用。

瑟　箫

瑟箫傣族吹奏乐器。流行于云南思茅地区孟连县。竹制，全长约25厘米，一端为吹口，竖吹。正面开五个按音孔，一、三、五孔稍大，其余两孔较大。背面距吹口9厘米处的竹节下开一按音孔。吹奏时，食指常在音孔上快速抹动，形成装饰音。发音高亢响亮，常用于独奏。

4.排萧

概　述

排萧是一种古老的乐器，在中国、南美洲、欧洲、非洲古代都有发现，用若干长短不同的木管或竹管连接起来，直接用口吹，每个管发出一个音，通过连续吹不同的管展现旋律。

古希腊神话中牧神潘经常表现为吹奏排萧的形象，因此称这种乐器为“潘笛”。中国古代的排萧共有两排，每个音有两个同样长短的管子，排列顺序为低—高—低，因此如同两个翅膀、或燕子的尾巴，所以也被称为“凤尾萧”。历代的管数和长度均不相同，自清代方按律编管。

在古代乐器八音分类中，排箫被列为竹类乐器。它是把长短不等的竹管排成一列，用绳子、竹蓖片编起来或用木框镶起来。如果竹管长短一致，则在管中采取堵腊（深浅不同）而得到高低有别的乐音。故排箫有无底、封底两种，分别叫作“洞箫”和“底箫”。从最初的3管籥起，管数有10、13、16、20、21，直到最多的24管，每管只发一音。

音　色

排萧的音色柔和、典雅，低音区发音深沉、哀郁，有很强的穿透力和震动力。特别是弱奏时的余音，袅袅不绝，给人“如怨如慕、如泣如诉”之感。中音区音色圆润、优美，柔中有刚，温婉中又含有内在的力度，适合表现明朗空阔的意境。高音区发音清越明亮，但稍嫌紧张锐利。一般说来，箫多使用中、低音区，而较少用高音区。

排箫的音色类似箫，婉转柔美，余韵深长，但比箫更为质朴，更具原始风味。其发音也比箫更清脆、圆实，更具空漠的效果，音量不很大，但其穿透力和共呜性均很强，听其吹奏，其音犹如从肺腑的底部滚沸震荡而出，特别适宜于演奏深婉、柔美的抒情乐曲。在管乐器中，排箫虽和箫同类，但仍有独具的特色和能力。在现代，有人亦用排箫来演奏通俗歌曲或轻音乐，效果亦很好。

排萧的最大魅力在于它明晰的穿透力，排萧的乐声仿佛如从远处飘至，但仍清晰可闻，舒缓而悠扬。

历　史

排箫是古老的编管乐器，在汉代鼓吹和隋唐音乐中都占有重要地位。

籥是后来排箫的前身。到了周代，箫和籥同被诗人们提及，并载入《诗经》。在古代乐器八音分类中，排箫被列为竹类乐器。

在虞舜时代，曾出现一部称为“箫韶”的乐舞，主要是用排箫演奏。古代，排箫同编钟、编磬一样，是非常受欢迎的乐器。从春秋到秦汉的近千年里，排箫在民间广泛流传，在汉代的鼓吹中更占有相当重要的地位。

排箫在南北朝、隋、唐各代的宫廷雅乐中，都占有重要位置。特别是在隋唐的九、十部乐中，就有清乐、西凉、高丽、龟兹、疏勒和安国等诸乐部使用。

排箫经过历代的流传发展，形制各异，名字更富有特色，如“底箫”、“雅箫”、“颂箫”、“舜箫”、“籥”、“籁”和“比竹”等。此外，排箫还被称为“参差”、“凤翼”、“短箫”、“云箫”和“秦箫”等。

盛唐之时，我国的排箫东传日本。至今在日本古都奈良东大寺的正仓院中，仍珍藏着我国唐代的两支排箫遗器，但当时在《东大寺献物帐》上，则称作“甘竹律”。一支为12管，由椽木和革带缠合而成，高30.5厘米；另一支7管，高23.5厘米。两支都已残破，旧管内塞有纸堵，以便于调律，后经修补复原，其形甚为奇异。

随着我国民族乐器品种的增多和西洋乐器不断传入的影响，排箫因音域较窄，难于满足民族、民间、戏曲和说唱音乐发展的需要，逐渐被笛、笙等代替，慢慢地在乐队中销声匿迹了。

1978年8月湖北随县曾侯乙墓，首次出土了两支排箫。它们的形状独特，好像凤凰的一翼，都是由13根长短不同的细竹管依次排列，用三道剖开的细竹管缠缚而成，表面饰有色彩绚丽的漆绘。这两支排箫虽然形制相同，但相应的管长有别，是一对“雌雄箫”，雄的稍长，雌的略短。古时雌雄排箫常作合奏，互相衬托，有如男女声二重唱。

从春秋至唐末的1600多年间，排箫的管数和长度均不同，经过历代的流传和乐器匠师的改进，直到清代才由依次渐短的单凤翼，改为对称的双凤翼形制，并且按律进行编管，箫管的箍子也由绳拴竹捆改成木制套架。

在北京中国音乐研究所里，珍藏着一支清乾隆时（1736～1795）制作的排箫，共16管，每管都刻有音名，包含十二律及四倍律，工艺十分精致，木制套架上还绘有两条腾云而起的金龙，颇富民族风格。

排箫是我国古老的编管乐器，形制美观，富有民族风格。1956年8月，全国第一届音乐周在北京举行时，经过广泛征求意见，文化部和中国音乐家协会，确定以排箫的图案，作为中国的音乐标志——乐徽，用以代表我国悠久的文化和丰富多彩的民族音乐艺术。此后，在我国音乐界向外国友人赠送的纪念章和礼物上，就常印有排箫的图案。

革　新

1981年，吉林省歌舞剧院石家环在原排箫造型的基础上，研制成功双排管加键排箫。原来的排箫只有一排箫管；新排箫由两排箫管组成。第一排的28支箫管，按十二平均律排列，音域由（d2～g4），上设4个转调键，通过按键封闭某些箫管即可达到转调目的，并可奏出D、G、A、F、C5个调的七声音阶。第二排有22支箫管，吹孔一半开在外面，一半开在里面，相互隔管交错排列，外侧孔的箫管构成G宫调五声音阶，音域由（d2～d4），里侧孔的箫管构成C宫调五声音阶，音域由（C2～C4）。两排和箫管固定在对称的云形木制外壳中，正面镶有两条对称的龙饰。新排箫的吹口为竖笛式的哨口，吹奏极为方便。既可演奏活泼、快速的复调音乐，也能吹奏悠扬、舒缓的抒情乐曲。

名　曲

JAMES LAST（詹姆斯·拉斯特）、曼陀凡尼、保罗莫里哀并称为世界上三大轻音乐团。你现在听到的旋律就是由詹姆斯拉·斯特乐队演绎的《天堂鸟》中“丰硕的早晨”《天堂鸟》是詹姆斯拉斯特与另一位宝丽金旗下的著名排萧演奏家扎姆菲尔合作演绎的。在这张专集中詹姆斯拉斯特放弃了拿手的小号乐队，风格发生很大的变化，全力为扎姆菲尔做绿叶，排萧技巧炉火纯青的扎姆菲尔锦上添花，令人耳目一新，因此颇受广大乐迷的拥戴。专辑中的音乐除了延续其以往温暖抒情的风格外，音乐中更加入了大自然的百鸟鸣叫，听者犹如置身大森林中，感受美妙纯净的自然气息。

5.短箫

短箫是朝鲜族竖吹乐器，外形与洞箫相似。朝鲜语称“单扫”。流行于吉林省延边朝鲜族自治州及其他朝鲜族聚居地区。

短箫外形与汉族洞箫相似，但管身细而短，全长35～37厘米。传统短箫多为竹制，也有用空心木制诈的。上端开一吹孔，管身上开有5个按音孔（前4后1），下端有一个出音孔。只能吹奏五声音阶的曲调。

建国后改革制成的加健短箫，长34.5厘米，口径1.2厘米，管身用两节竹管由铜插口（设在管身上方吹孔与按音孔之间）套接而成，并可调节音高。管身上开有10个按音孔（前9后1），其中有3个是由按键控制的闭孔。可以演奏七声音阶的乐曲，能够转两三个调。演奏时，右手控制管身上方的3个指孔和2个键孔，左手控制背孔（拇指）、管身上方的3个指孔和1个键孔。下唇抵住吹孔，口风冲击吹孔边棱，引起管内空气柱振动而发音。演奏时，头部需左右摇动，以使吹入管内的气息有所变化，而形成幅度较大的颤抖音，别具特色。

加键短箫的音域由（bb1～f3），音色柔和、明亮而清越。可以独奏，多用于民间器乐合奏惑为歌舞伴奏。也常与比它低一个八度的筒箫一起演奏。

6.筒箫

乐器简介

筒箫，又称洞箫。朝鲜族边棱气鸣乐器。流行于辽宁、吉林、黑龙江等省，尤以延边朝鲜族自治州最为盛行。

历史悠久

历史久远，早在公元7世纪时已在民间流传。史载，朝鲜高丽王朝（公元919年—1392年）之初，筒箫已用于宫廷音乐的“唐部”乐中，并一直流传至今。

形制结构

管身竹制，以选取竹子底部向上一至七节部位为宜。过去也曾多用空心木制作。全长70厘米～74厘米、上端外径3.6厘米、下端外径4.3厘米、内径2厘米，上端开有吹孔，在距上端20厘米处开一膜孔，膜孔上面设有一个可调的方形膜孔盖。膜孔以下开有五个按音孔（前四后一），下端开一个出音孔。管外各竹节处均用黑色细丝绳缠扎，以防管壁开裂（图）。

吹奏方法

演奏时，竖吹，奏者采用坐姿或立姿均可。左手拇指按背孔，食指、无名指按上两孔，右手食指、无名指按下两孔。调整膜孔盖开闭的多少可以改变音色，全部开放可使音色宽而亮，反之音色则柔和。吹奏时常头部左右摇晃，使发音产生颤动。筒箫有F调、bB调等多种，超吹音域可达两个八度。演奏技巧以颤音、滑音为主，音色富于变化。常用于独奏或齐奏，曲目多为民歌曲调，如《阿斯郎歌》等。独奏时多用杖鼓、圆鼓伴奏，音乐常由慢而快，到高潮时戛然而止，独具一格，很有特色。

7.笛子

竹笛的简介

乐器名称：笛子

别称雅号：竹笛；横笛；“横吹”

应用谱号：低音谱号，不移调记谱。

结构组成：是一根比手指略粗的长管，上面开有若干小孔。常见的六孔竹制膜孙笛由笛头、吹孔（1个）、膜孔（1个）、音孔（6个）、后出音孔（1个）、前出音孔（2个，又名筒音）和笛尾组成。

使用材质：笛身一般为竹制。笛膜（演奏时贴于膜孔处的一个小薄片）一般用嫩芦苇杆中的内膜制成。

乐器特色：属于木管乐器家族中的吹孔膜鸣乐器类。是典型的中国民族乐器。据传说，笛子已有两千年以上的历史。笛子的表现力十分丰富，可演奏出连音断音、颤音和滑音等色彩性音符；还可以表达不同的情绪；无论演奏舒缓、平和的旋律，还是演奏急促、跳跃的旋律，其独到之处都可从中领略。此外，笛子还擅长模仿大自然中的各种声音，把听众带入鸟语花香或高山流水的意境之中。

竹笛的历史

黄帝时期，即距今大约4000多年前，黄河流域生长着大量竹子，开始选竹为材料制笛，《史记》记载：“黄帝使伶伦伐竹于昆豀、斩而作笛，吹作凤鸣”，以竹为村料是笛制的一大进步，一者竹比骨振动性好，发音清脆；二者竹便于加工。秦汉时期已有了七孔竹笛，并发明了两头笛，蔡邕、荀勖、梁武帝都曾制作十二律笛，即一笛一律。

笛在古代称为“篴”。到了汉代，许慎的《说文解字》有：“笛，七孔，竹筩也”的记载。

1978年，从湖北随县曾侯乙墓出土了两支竹篪，从湖南长沙马王堆三号汉墓出土了两支竹笛，出土的篪和古籍中记载的汉篪，除长度略有出入外，其它形制完全相同；出土的笛除与记载相同外，并在墓内的竹筒上写有篪的字样，显然是古代竹笛，古代的篪和笛非常相似，历来有人篪、笛不分，说成是同一乐器，实际是有区别的。从出土篪、笛可以看出：篪，6孔，闭口，能奏五声加一变化音，全身髹（xiū）漆；笛，7孔，开口，能奏七声加两个变化音，不髹漆。战国时，篪是祭神或宴亭时演奏的主要旋律乐器之一，笛也非常流行，屈原学生宋玉的《笛赋》中也曾讲到当时南方的笛，与今日之笛已十分相像。

笛在汉代前多指竖吹笛，秦汉以来，笛已成为竖吹的箫和横吹的笛的共同名称，并延续了很长时期。汉武帝时，张骞通西域后传入横笛，亦称“横吹”。它在汉代的鼓吹乐中占有相当重要的地位。湖南长沙马王堆三号汉墓出土的两支竹笛，都属横吹类的笛乐器。

北朝时，笛子不仅极为普遍，而且有所发展，形制、长短、粗细变化较大。到了北周和隋代，开始有了“横笛”之名。隋朝后期，出现了能演奏半音阶的十孔笛。

从唐代起，笛子还有大横吹和小横吹的区别。同时，竖吹的篪才被称为箫，横吹则称之为笛。唐朝吕才，制“尺八”，竖吹，并传入日本；在古都奈良的正仓院中，珍藏着我国盛唐时期制作的4支横笛。其中有牙和雕石横笛各一支，竹质的两支，它们长短不同，但都开有7个椭圆形音孔。刘系作七星管笛，蒙膜助声，是为笛加膜的第一人。

在晋时已有竖笛，吹头加一木头，使气从缝隙中通过，射向两哨孔边陵发音。

宋笛制多样，有叉手笛、龙颈笛、十一孔的小横吹、九孔的大横笛、七孔玉笛等等。

元朝以后笛子与现在类似，由于戏曲的蓬勃发展，笛子成为很多剧种的伴奏乐器，并按伴奏剧种不同分为两类：梆笛和曲笛。

20世纪六十年代，赵松庭发明排笛，将2至4根不同调的笛子扎在一起，音域可扩大三个八度以上，音乐富于变化，易于演奏。

笛子是中国广为流传的吹奏乐器，因为是用天然竹材制成，所以也称为“竹笛”。

笛子由一根竹管做成，里面去节，在管身上开有一个吹孔、一个膜孔、六个音孔。吹孔是笛子的第一个孔，气流由此吹入，使管内空气振动而发音。膜孔是笛子的第二个孔，专用来贴笛膜，笛膜多用芦苇膜或竹膜做成，笛膜经气流振动，便发出清脆而圆润的乐音。

笛子虽然短小简单，但它却有七千年的历史。大约在四千五百多年前的时候，笛子由骨制改为竹制。在公元前1世纪末汉武帝时，笛子称为“横吹”，它在当时的鼓吹乐中占有相当重要的地位。从7世纪开始，笛子又有了改进，增加了膜孔，使它的表现力有了很大的发展，并且演奏技术也发展到相当高的水平。到了10世纪，随着宋词元曲的崛起，笛子成了伴奏吟词唱曲的主要乐器，在民间戏曲以及少数民族剧种的乐队里，笛子也是不可缺少的乐器。

笛子不但演奏技巧丰富，而且它的品种也多种多样，有曲笛、梆笛、定调笛、加键笛、玉屏笛、七孔笛、十一孔笛等，并形成了风格迥异的南北两派。

从1971年新生的“口笛”（又名俞氏笛）到1977年浙江河姆渡出土的“骨哨”、“骨笛”，人们惊奇地发现二者之间竟有如此的相似，而这个相似却走过了七千多年的历程，笛子在这七千多年历程中的沿革和发展不由令世界惊叹：中国竹笛艺术是如此地魂丽多姿，历代文人曾为它写下了无数美妙的诗篇舞幽壑之潜蛟，泣孤舟之嫠妇，促杜工部潸然肠断，使喻成龙鬓发成霜。

近年来，随着中国考古的发现：首先是浙江河姆渡出七千年前的骨哨，骨笛；美国华侨收藏的战国时期七个按孔横吹的铜笛；湖北随县出土的战国初（公元前433年）曾候乙墓中的两支横吹的笛；湖南长沙马王堆三号汉墓（公元168年）中两支横吹笛；广西贵县罗泊湾一号墓（汉初期）一支用二节竹制成的七个按音孔横吹的笛，这些文物虽是凤毛麟角，但都是中国竹笛鼻祖有力的见证，从而推翻了原史料中记载为西汉张骞出使西域时把笛子传入中国的说法。

中国竹笛的种类及名称极为丰富多彩，如以形制为名：饰龙谓：“龙头笛”，乐师在皇帝面前将双手交叉作拱手之意来演奏谓：叉手笛；以尺寸为名的如截竹一尺八寸的洞箫渭：“尺八”，唐代传入到日本仍谓“尺八”，我国福建南中常用的洞箫即为“尺八”；以典故为名如：汉代音乐家蔡邕，拆“柯亭”第十六根竹制笛，其音色优美，后人赞好笛子谓：“柯亭笛”，《史记》记载伍子胥曾吹箫乞食于吴市中，后人谓“子胥箫”。以材料为名，如：“铜笛”、“铁笛”、“玉笛”、“鹰笛”、“猿臂笛”等顾名思义，以取材而得名；以地域为名如：四川姜笛的“姜笛”、广西侗族的“侗笛”；以剧种为名的如：昆曲的“曲笛”、梆子戏的“梆笛”、雅乐中的“雅笛”、能乐的“能笛”等等。由于中国的民族，民间音乐十分丰富，在此不能一一例举。

中国笛子具有强烈的民族特色，发音动人、婉回。古人谓“荡涤之声”，故笛子原名为“涤”，日本至今还保留有“涤笛”，后演变为如今的笛。笛子是中国民族乐队中重要的旋律乐器，多用于独奏，也可参与合奏。笛子实际上是一类乐器的通称，如果从音高上分类，笛子一般分为曲笛（笛身较为粗长，音高较低，音色醇厚，多分布于中国南方）、梆笛（笛身较为细短，音高较高，音色清亮，多用于中国北方各戏种）和中笛（形状、发音特点介于曲笛和梆笛之间）。

在强盛的唐朝也是竹笛的兴旺时期，笛曲丰富，人材辈出，随着唐朝歌舞音乐和大曲的盛行，出现了许多盛名的演奏家，如李暮、孙梦秀、尤承恩、许云封等一代神笛，汉代和晋代的马融、蔡邕、桓尹、绿株等演奏家，曲目有《武溪深》、《落梅花》、《梅花三弄》、《紫云回》、《云州曲》等，遗憾的是历代众多的笛曲却没有谱子能留传下来，就现在演奏《梅花三弄》即晋代桓尹的笛曲，也只能从古琴谱的《梅花三弄》中去翻版演奏了。

滔滔江河，滚滚长江，自五十年代以来中国竹笛再次掘起，更放异彩，以北派冯子存、刘管乐，南派赵松庭、陆春龄为代表的南、北二派笛风均以深厚的民间音乐功底谱写及改编了一大批笛曲，为以后几十年的笛曲和笛艺的发展奠定了基础，在笛子的发展史上作出了不可磨灭的贡献。

长江后浪推前浪，到了六十年代、七十年代人材辈出无穷。无论从演奏技法和曲目更是脱颖、创新，使笛子艺术推向一个新的高度，并逐渐摆脱了南、北之分的概念。乐曲的内容从强调地方风格到追求意境的刻画，广泛吸取其它艺术品种及姐妹乐器的技法而融汇贯通，大大丰富了笛子本身的表现力，1991年朱践耳先生为竹笛和22件弦乐器而作的室内交响乐《第四交响曲》荣获瑞士玛丽，何塞皇后国际交响乐大赛奖，国外评赞为“具有如此奇妙的音响及不可替代的民族性”，可见中国竹笛的可容性及它的广泛性正以它那不可抗拒的能量走向世界。

笛子的种类

长期以来，对于中国竹笛是从什么时候才有的这个问题一直众说纷纭。近年来在浙江余姚河姆渡出土的文物中就有与我们今天的六孔笛十分相似的骨笛，距今已有七千年的历史，应该说这是迄今为止发现的最古老的乐器。另外还有美国华侨收藏的战国时期七个按音孔横吹的铜笛；湖北随县出土的战国初（公元前433年）曾侯乙墓中的两支横吹的笛；湖南长沙马王堆出土的三号汉墓（公元前168年）中的两支横吹的笛；广西贵县罗泊湾出土的一号墓中一支用二节竹制成的七个按音孔横吹的笛，都足已证明笛子是比其它任何乐器都早几代的、最原始的乐器。根据《吕氏春秋》、《玉海》等文献中记载的黄帝命伶伦伐昆仑之竹为笛的传说，以及从随县出土的两根竹制的横吹笛子推测，我国最迟在黄帝时代（公元前2400年）就已经有了竹制的笛子，到了汉、晋时期，根据音律学的理论制成了长短不同的笛子。晋书中载有笛子演奏家列和的一段话：“每合乐时，随声之清浊，用笛有长有短。假令声浊者用三尺二笛，因名曰此二尺九调。汉魏相传。施行皆然……”。同时期的蔡荀、梁武帝等人，都曾作十二律笛。一根笛子一个律，于是“被以八音、施以七音、莫不和”。晋时已经有了“顺笛”（竖吹、管子里塞一块有槽的木头，一吹就会发音）和“手笛”（长九寸，类似当今的高音笛）。隋朝后，为了解决十二律笛过于繁琐的弊病，就出现了能演奏半音阶的笛子。唐朝的吕才，制成“尺八”竖吹，在当时很流行。它随着唐朝的雅乐，流传到日本。与此同时，刘系制作了七星管，贴上笛膜以助发声，他也是最早谈论笛子贴膜的人。到了宋朝又出现了吹孔在中间，两手交叉演奏的“叉手笛”。据宋史记载：此笛足以仂、十二旋相为宫，亦可通八十四调，其制如雅笛而小，长九寸与黄钟管等，其窍有六，左四右二，乐人执，挂两手相交有拱揖之状，请名曰拱辰管。“这种笛类似今天的大口笛”。在宋朝之后，竹笛的形制就和现在的六孔竹笛完全一样了。由于戏曲盛行，竹笛成了戏曲伴奏的重要乐器。

我国是一个多民族的国家，各个兄弟民族的音乐都有各自的特点和风格。单就汉族来说，也都有不同地区的不同特色。现将几种不同的笛子及演奏特点简介如下：

一、北方的笛子

北方的笛子多为梆笛（高音笛），发音高亢、嘹亮。这和北方人民所处的地区特点和生活、劳动习惯是分不开的。在演奏当地色彩的乐曲（包括各种地方戏曲）时，以“历音”、“滑音”、“吐音”、“花舌”等最为多用。气息运用上较猛。如秦腔、眉（右边加耳旁）户、蒲剧、河北梆子等，只要多吹一吹这些欢曲音乐，就可以熟悉北方笛子的一些传统演奏方法。

二、南方的笛子

江南一带普遍多使用曲笛。这种笛子的笛膜贴得较松，音色润丽、清晰。在演奏中以各种北装饰手法，如“唤音”、“迭音”、“倚音”、“颤音”等最为多用，一般忌用强吐和断奏。在气息运用上要求饱满均匀，不能过猛过急。如果多吹奏一些江南的传统乐曲，对熟悉江南笛子的特点和风格会有直接的帮助。

三、蒙古族的笛子

内蒙草原上的人民，常年多过着不定居的生活，那里的人们性格开朗、奔放。乐曲辽阔、高亢，常常出现一些多音的急速进行而又突然停留在一个延长音上，造成了非常开阔、奔放的效果，就像一匹骏马在草原上飞驰一样。这个地区的笛子，笛膜一般贴得较紧，甚至不要笛膜（有时也要松膜的效果）。在演奏技巧上多用一些装饰手法，如“迭音”、“倚音”、“唤音”等。更突出的一个特点是，多用上方三度或四度的颤音指法。

四、维吾尔族的笛子

维吾尔族人民能歌善舞，他们的音乐明快、火热。多用高音笛子，一般不用笛膜，或将笛膜贴得很紧（有时也用松膜效果）。在吹奏方法上一般运气较猛，冲力较大，强弱对比特别明显。最多的技巧是“急滑音”和一些装饰性的如“倚音”、“赠音”、“唤音”等等。此外“花舌”和“吐音”也常常使用，而且多半要求吐得断顿有力。

五、藏族的笛子

笛子在藏族过去不很流行，但也有一些民间艺人吹得很好。他们多用中音笛，在吹奏方法上，许多地方是模仿二胡奏法和人声唱腔。此外，还有如下几个特点：

1、在一拍时间内，有两个同度的八分音符连续进行时，一般都给每拍的第一个音加上一个上方三度（有时是上方二度）的装饰音（即上倚音的吹奏方法）；在第二个音上加一个下方二度的装饰音（即下倚音的吹奏方法）。

2、凡是连续四个以上的十六分音符，多是两个音符吐吹一下，很少用长连线或者吐音断奏。

3、乐句或小节开头脑第一个音，很多时候用指颤音（二度或三度）。但是这种指颤音与一般指颤音不同，它要求手指尽量低抬，动作很快，有些近似波音的效果。

六、口笛、侗笛

我国是个多民族的大国，差不多每个民族都有自己的笛子。但是，这些名为笛子的乐器其实并不都与我们这里所进述的传统六孔笛子相近。它们有的是吹孔（气鸣）乐器，有的是哨嘴，还有是簧片（簧鸣）乐器。这里就较流行的而且已在不断改进的口笛、侗笛作如下介绍：

（1）口笛

经考证，口笛要我国历史上早有记载，并有出土实物。但将它推陈出新，正式搬上舞台，登上音乐的大雅之堂，是20世纪七十年代。上海民族乐团的俞逊发把自己改进的口笛首先运用于独奏中，受到了人们的欢迎。许多青年演奏者，喜吹爱好，而且，又有不少人对口笛进行了以自己使用为主要目的的某些改进。不断丰富着它的表现力。现在的口笛五花八门，有两孔和五孔口笛，七孔口笛。有按音位的对称，以中心开吹孔的，也有的以在比二的比例开吹孔的。有的开孔为了转调方便，有的则为增加音域。

现在一般口笛，就其音域而言可达两个八度，但就其音程、音阶而言，有些音又是不易发出或者发音十分不准。由于它的制作简单，造价很低，携带方便，以及它的特有风韵受到许多人的欢迎。

（2）侗笛

侗笛在湘、黔、桂三省交界的侗族地区非常流行。它的音色优美，明朗而不浮华，甜美而不消沉，它反映了侗乡的幽幽杉林，清清流水的山川风光，其音响近似竹笛与洞箫之间。

侗笛之所以能形成那种特有的声响效果，关健就在于笛头的吹口。它不像竹笛是横吹的孔吹乐器，它是依靠吹口（吹嘴）来发声。

侗笛一般长约30厘米，内径为1.3厘米，共开六个音孔。从吹口顶端至六音孔约为14厘米。各音孔间的距离基本相等。

民间流行的侗笛都无有严格要求，一般较多用的是D调、E调和F调。每支侗笛的音域约在10—12度。

演奏侗笛时多采用一口气到底的吹法——“鼓腮换气法”，这也就是它的所难之处。其它演奏技巧是不难掌握的，只要有吹笛子的技能，运用于侗笛是足足胜任了。

现在有不少人对侗笛进行了改进。把吹口的竹片改为铜片，增开音孔，单管改为双管等，都有一定的收效，增加和丰富了它的表现力。它是一件很有前途的民间乐器。

我国还有不少民族的笛子也颇有特色，如羌笛、口哨、小闷笛、短笛……这里就不介绍了。

竹笛的构造

竹笛由一根竹管做成，里面去节中空成内膛，外呈圆柱形，在管身上开有1个吹孔、1个膜孔、6个音孔、2个基音孔和2个助音孔。笛身由一根竹管做成，里面去节中空成内膛。笛塞用软木材制成的塞子，装在吹孔上端管内一定的深度里。吹孔：是笛身左端第一个孔。笛子能发音，就是通过吹孔把气灌进笛管内，使笛膜和竹管内的竹簧产生振动。膜孔：是笛身左端第二个孔。主要用来贴笛膜。笛膜在这里起着变化音色的作用。笛子没膜孔，也能吹奏，但得不到有笛膜的那种独特的音色。笛膜：一般是用芦苇膜做成的，经揉纹后取一小方块使用。经过气流振动笛膜，便能发出清脆、明亮的声音。音孔：（按指孔）共有六个，分别开闭这些音孔，就能发出高低不同的音。基音孔可用来调音，起着划定笛子最低音范围的作用。助音孔在基音孔下端的两个孔，可用来调高音，起着美化音色、增大音量的作用，也可系飘穗之用。海底又称笛脑，是由笛塞内沿至吹孔中心的一段笛身内膛，它阻止气流向上流动，使口风向下流动，集中发音。缠丝使用丝弦，缠于笛身外面，共有21道至24道，起保护笛身以免破裂的作用。飘穗：系于助音孔上的装饰品，通常用丝带编成。镶口：通常在笛身左端（或两端）镶以牛骨、牛角、玉石或象牙，称为镶口。竹笛的品种和规格竹笛流传地域广大，品种繁多。使用最普遍的有曲笛、梆笛和定调笛。还有玉屏笛、七孔笛、短笛和顺笛等。曲笛：因伴奏昆曲而得名，又叫班笛、市笛或扎线（即缠丝）笛，因盛产于苏州，故又有“苏笛”之称。这种笛子多为C调或D调，管身粗而长，可能是大横吹的遗制。音色浑厚而柔和，清新而圆润。广泛流行在我国南方各地，最适于独奏或合奏，是江南丝竹、苏南吹打、潮州笛套锣鼓等地方音乐和昆曲等戏曲音乐中富有特色的重要乐器之一。梆笛：因伴奏梆子戏曲而得名。这种笛子通常称为：F调梆笛、G调梆笛、A调梆笛。管身较曲笛细而短，可能是小横吹的遗制。音色高亢、明亮，是吹高音用的一种笛子，主要流行在北方，多用于北方的吹歌会、评剧和梆子戏曲（秦腔、河北梆子、蒲剧等）的伴奏，也可用来独奏，富有浓郁的乡土气息和地方色彩。定调笛：每支笛子固定一个调，每套有6支、7支或12支。它适应不同调子乐曲的演奏，最适宜独奏或参加乐队演奏。它给吹奏者带来方便，可以不变指法，只用与乐曲相应的调笛吹奏即可。定调笛在笛身的吹孔与音孔之间，装置铜制插口以调节吹孔与音孔的距离。这种经过改进的定调笛，能在不同的气候条件下，可通过调节管长来控制音准。定调笛将对我国的竹笛名称统一起积极作用，因为它不再有曲笛、梆笛之分，而是以第三孔的音高定名，这既符合民间传统演奏习惯，又解决了笛子在调高问题上的混乱，并为记谱和演奏带来很大方便，它完全适用于传统的六孔笛和各种改革笛。

玉屏笛：产于贵州玉屏侗族自治县。用当地的小水竹制成。笛身呈椭圆形，外表刻有山水、花草、鸟兽、虫鱼或诗文等图饰，工艺精细。成对的雌雄笛更为著名，雄的笛管稍粗，上面刻有“腾龙”；雌的笛管略细，发音明亮，上刻“彩风”。这种龙风对笛，在工艺上颇具特色。短笛：又叫学生笛，笛身短小，一般无基音孔。分有膜孔和无膜孔两种，练习或合奏用的。低音笛：近年来随着乐器的改进，加之音乐多样的发展。笛子种类也就越来越丰富。例如：低音长管、弯管低音笛等等。第三孔的音高低于b1的称为“低音笛”，如：大A调、大G调、大F调、大调、大C调等。按指方法手指按孔的方法是：右手无名指、中指、食指的指肚，分别按第一、二、三音孔；大拇指托住笛身下方第二、三孔之间；小指轻轻贴笛身或自然放置。左手无名指、中指、食指的指肚分别按第四、五，六音孔；大拇指托住六孔偏膜孔下方；小指自然放置于三、四孔之间偏外方。正确的口形吹奏时上下唇向两边稍有咧开，像微笑时的样子。嘴唇既不要过分紧张，也不要过松。吹奏前先将嘴对准吹孔，并与吹孔形成直角。为帮助初学者掌握正确的姿势，这里引用著名笛子演奏家赵松庭先生根据多年竹笛教学经验总结出的口诀如下：风门正，笛身平，头要直，胸要挺。拇指小指相扶持，莫使笛子柳摇金。虎口之间可容蛋，关节舒畅手才灵。六指按孔要严密，指指放松成弧形。高低起落有规格，多余动作丢干净。口劲松紧随我意，口风粗细由我心。双臂张开四十五，青龙白虎全都行。演奏姿态忌做作，严肃认真见真情。

（1）风门指上下唇之间的小孔。吹低音时，风门要大，吹高音时，风门要小；吹强音时，风门要大；弱音时，风门要小。

（2）口劲指控制唇部松紧的肌肉伸缩力。通过口劲的松或紧，达到控制音量、音色、音高的目的。初学时用一般的口劲，随着练习的进度，可逐步提高控制能力。

（3）口风指吹气的强度及用气的流量。

（4）位置指风门与吹孔之间所构成的角度。吹奏各调音阶的方法正常情况与孔成直角。将笛子六个按音孔全部关闭吹奏出的音，就是这个笛子的筒音。笛子的种类很多，常有C.D、E、F、G、A、B等各调的笛子。现以筒音为A的笛子为例来讲如何吹奏音阶。如筒音A当做“5”音，就可以吹出1：D的音阶来。全按时奏音，打开第一个音孔就可发出“6”1一、二孔（也就是开二孔）是“7”音；开三孔是“1”音；开四孔是“2”音；开五孔是“3”音；开六孔便于吹响，我们可以先把六个音孔全部打开，全部打开吹出的音是“4”音。然后再按，上一孔“3”音，由此向下做“3217”的练习。呼吸与换气的方法呼吸，首先要有正确的姿势，使呼吸器官处于自然状态。目前普遍采用胸腹式呼吸法，即通过胸膜和腹部肌肉的活动来控制气息。这种呼吸方法要求腰要直，胸要挺，肩要平，深吸一口胸部周围的肌肉和胸肋骨逐渐扩张起来，并用小腹和横膈膜控制住气息，然后将气息均匀这时可以感到腰部肌肉和胸肋骨逐渐收缩。例如在日常生活中常见的两种情形：

（A）1米以外处点燃一支蜡烛，把它吹灭，通常你会下意识地深吸一口气，这时的吸气往往是很用力并且一定是胸腹式相结合的。

（B）（B）你可以试跑500米，然后突然停下来，这时你的呼气相当急促，频率加快，吸气的位置也会比平时深。这就是胸腹式结合，而不可能只是胸腔运动。这些日常生活中吸气和呼气的动作，与吹笛子时的呼吸动作很相似。所不同的足，对吸气要快，呼气要有控制。这里引用赵松庭先生总结的呼吸要领口诀如下：双肩不可上下动，胸腹同时来扩张。

缓吸平吹全身松，腹肌不必空白忙。急吸超吹劲往下，丹田鼓气力度强。口鼻兼用看需要，切忌呼吸有声响。莫到无气才吸气，均匀呼气流水长。采用急吸法，即用口鼻同时将气吸入，吸气的动作要快，呼气时气流要集中；另外一种是循环换气，开始练习时可以不拿乐器，但要保证口形的正确，吸气后利用口腔收缩将气挤出，同时用鼻子吸气使气流不断，然后再用笛子练习。

竹笛的概况与鉴别

制作笛子的材料很多，有金属的、木质的、骨头的、塑料的、玻璃的、玉石的……等等。而使用最多、最广的却是竹子的，本文所要介绍的就是由竹子制成的竹笛。

一个高水平的竹笛制作师，对于他所制作的竹笛在档次上的划分，主要是以制作笛子的原材料笛竹的优劣来作为依据的。所以，在阐述怎样挑选竹笛之前，有必要先介绍一下笛竹的概况与鉴别。

我国是世界上竹类资源最丰富、竹林面积最广阔、栽培历史最久、产量最多的国家。竹子和我国人民的生活息息相关，中国的悠久文化历史与竹子结下了不解之缘，竹笛就是其中之一。在我国南方各省，竹林蔽天，随处可见，其品种繁杂众多，五花八门。例如：广东、广西的广竹，福建的凤眼竹，湖南的湘妃竹，安徽、江西的紫竹……等等。倘若要说最佳的制笛材料，当属浙江馀杭铜岭桥的苦竹了。

我曾有幸多次去过浙江这一笛竹圣地。从杭州乘车经馀杭到铜岭桥，下车举目远眺，这美丽的小山村满山遍野长的都是竹，泥土里、石缝中生竹；山窝间、山巅处长竹，一派青葱、翠绿、秀美之景象，逶逶迤迤绵延数里。漫步走进竹林，只见枝叶婆娑，绿荫浓浓，一支支夏沐酷暑、冬浴严霜的翠竹拨地而起，亭亭玉立。高枝遮云蔽日直插天际，低枝随风拂面沙沙作响，犹如置身在笛子的洪流之中。不过，切不要以为这儿所有的竹子都可信手拈来制成优良之笛的。那些可以用来制作笛子，在当地被称作“笛竹”的竹子，名曰“苦竹”，因其笋苦不能食用而得“苦”名。苦竹的种类繁多，其中尤以“青苦”被视为上等之佳品。这种笛竹在长度、厚薄、粗细以及内径大小等规格要求上，最适宜制作高档笛，制成的笛子其声醇厚圆润而又清脆明亮。

除浙江馀杭铜岭桥外，在湖南君山也有一种可用作制笛的苦竹——斑竹，（也有人称之为湘妃竹），它是笛竹中的奇葩。流传在民间甚广的那个神奇而美妙的故事和不朽的佳句“湘妃泪痕成斑竹”，“斑竹一枝千滴泪”，说的就是它。斑竹的特点是：在生长的过程中，有一种细青苔寄生在竹竿上，这细青苔的根部含有酸性，经日积月累的长期腐蚀，竹竿上就留下了宛如天造的精美斑痕，当砍下竹子擦去青苔后，我们见到的就是斑斑“泪痕”了。用斑竹制成的笛子其声脆亮，笛身因有天然的斑痕，观之，精美亮丽。不过，若与馀杭铜岭桥的“青苦”笛竹相比，用斑竹制成的笛子，其声、其质还是略逊一筹的。

通过实践我们得知：笛竹的优劣是决定笛子音色与质量好坏的关键。而笛竹的优劣又往往与笛竹的品种、生长的年份、部位、朝向、光照、水分等因素密切相关，因此，制作师们对笛竹的观察与选择是很讲究的。

以铜岭桥的笛竹为例：制笛所用的笛竹，在生长的年份上通常选用3—5年的较好。因为，年份短的笛竹质地稚嫩，制成的笛子其声单薄、音色不明亮。年份过长的笛竹，由于日晒雨淋、长期风化、竹质干枯僵化，制成的笛子反应迟钝，其声沉闷、其音枯涩。

铜岭桥的笛竹依山而长，所以，山头、山腰、山脚这三个部位长成的笛竹在质地上是有区别的。

山头、山脊处，光照十分充足，但多砂石，蓄水能力差，加之水往低处流，笛竹吸收到的水分不多，生长的速度较为缓慢，长成的笛竹结构紧密，纤维粒子粗、颜色深，竹质极为坚硬，竹壁非常厚实，手感颇为沉重，如砍下一节竖着往水泥地上敲击的话，其声脆亮，很有金属感，是制笛的上等材料。可是，山脊处的笛竹因其身居高处，经常要受到山风的吹刮，弄得东倒西歪、晃动不止，久而久之，竹子的圆整度就较差，其内径常呈椭圆形或扁圆形。再则，由于竹壁过于厚实，制作的笛子吹奏起来往往较费劲，对于一些功力尚欠佳的笛手来说，吹高八度音时，就会略显偏低。当然，如果作为“练功笛”，用来练习基本功那是很好的。

半山腰处比较多的是泥沙混合土，营养丰富，阳光和水分也较适宜，山风刮来也没有山脊处那么强劲有力，因而竹子的生长速度适中，长成后的笛竹，竹材修长，粗细匀称，内径较多呈圆柱形，质地坚硬且有韧性，纤维粗而密、颜色深，竹壁虽比山脊处的笛竹略薄，但手掂仍感沉重，敲击声也十分脆亮，是制笛的最佳材料。

山脚处多是红黄泥土，蓄水能力强，水分十分充足，土壤非常肥沃，竹子的生长速度很快，所以，长成后的笛竹纤维疏松，竹壁薄、手感轻，若用此等笛竹制作成的竹笛，那是难以跻身于高档、精品之列的。

怎样挑选竹笛

从习惯上讲，竹笛的优劣可分为高、中、低三个档次。本文介绍的是高档笛的选择，归纳起来有以下几个步骤：

一、掂

生长情况良好、且年份较长的笛竹，结构紧密、纤维粗、管壁厚实、竹质坚硬，制成的竹笛份量一般都比较重，因而掂在手上感觉是沉甸甸的。

二、看

笛身修长、匀称。从吹孔到笛尾的两端粗细适中。从吹孔或按音孔的管壁横切面观察，笛竹的纤维粗密、色深、结构紧密、排列开整、清晰，管壁厚薄适度（常规要求：曲笛0.4cm左右，梆笛0.3cm左右），笛管壁内呈圆柱形。这里有一点要说明一下，西洋乐器的制作常采用金属为材料，而金属是可以根据人的需要随意组合成不同的合金和各种形状的，故制成的乐器十分标准化和规格化。举长笛（Flute）为例，由于是标准化的机械制作，所以，其管腔内一律都能做到纯圆柱形。中国竹笛取竹为材，竹为天然生长，人们无法使它在质料上形成标准化和统一化，对天然产生的多样性和独持性有时只能是无奈和服从。因此，与西洋长笛相比，竹笛的管腔内是难以达到纯圆柱形的，稍有点不规则而看上去不甚明显的椭圆形还是可以的。如果，管腔之园如同蛋形或扁园形，且在吹奏超高音、泛音、八度音时，误差明显的，此笛就不能归属高档之列了。

天然竹材在制作曲笛和低音笛时长度不够，需在吹孔的上方再加一段竹子作为接头。请注意看一下，接头处粘接是否牢固平整？粗细是否相等？颜色有否偏差？在刻诗、字的问题上，字体各人所爱不同，难求划一，但要求刀功熟练、字体粗深有力，不能有错句别字。至于是双节铜套笛，还要看一下，铜套的连接处是否平整、紧密？粘接牢固否？有否脱胶现象？再拔一下，看一看双节铜套的松紧是否适中。

三、吹

拿起笛子按自己的习惯先随意地吹几下，俗称；溜溜笛子；听一下音色，一支高档的竹笛（以曲笛为例）应该是低音醇厚圆润，高音清脆明亮。别小看这溜溜笛子，俗话说：行家一出手，便知有没有。就这么吹几下，在内行的面前，吹奏者的水平和此笛的优劣，也就十有八、九显露出来了。

在不便用校音器的情况下，吹段常用的或自己所熟悉的乐曲，听一下旋律进行时的感觉。试举C调曲笛为例：先用筒音作5，吹段姑苏行；再将筒音作2，吹段鹧鸪飞；筒音作6，吹段三五七，全按作1，吹段江南好；……这些都是笛子演奏中常用的精曲，广为流传，深受人们的喜爱，凡是吹笛能手都很熟悉并且也能演奏的。用几首笛子精曲这么一吹、一溜，从不同的调性中找一下感觉，听一听，旋律的进行通顺、流畅、悦耳动听否？如果以上这几个步骤的答案都是肯定的话，那么，可以说你已经挑选到一支真正高档的精品笛了。

四、有二个建议供参考

1.对于笛身粗细、内径大小、管壁厚薄等规格要求上，在制作中是有一定的数据的。当然，我们也可以根据自己的演奏水平和实际需要来进行增减。试举D调曲笛为例：如果是用作歌舞伴奏、伴唱、重奏、乐队小合奏等等，那就用竹壁偏薄或笛身稍细的，要不，就用常规数据制作的笛子也足够了。倘若多半是吹中、低音区的传统乐曲，例：浙江的婺剧、上海的江南丝竹、昆曲等等。或者你需要加强基本功的训练，增强功力所用，那就选择内径稍大、管壁较厚、笛身偏粗、掂起来份量沉重的竹笛，这类竹笛音量大、个性强、音色厚实、饱满，但吹起来费劲，需要吹奏者有效强的控制能力和较高的演奏水平才能运用自如，尤其是吹奏高音时，在口劲和气息的控制上如没有一定功力的话，往往音准容易偏低。对于高水平的演奏家来说，若是久未操练竹笛或体力疲乏时，吹奏此类竹笛同样也会有高音稍稍偏低之感觉的。因此，有不少专业的竹笛演奏家们，在使用此类竹笛演奏前，习惯将竹笛的音高定得比乐队所用的标准音略高些，这样，在演奏时就能游刃有余、轻松自如了。

我们知道：在古兵器中，一把良好的硬弓，弹性强、射得远、射得准，但它需要有臂力大、眼力好的优秀射手才能将弓拉得满、将靶瞄得准、将箭射得远，以至物尽其用。同样的道理，一支真正高质量的精品笛，也是需要有高水平的笛手或经验丰富的演奏家来挑选、鉴别以及演奏，方能产生最佳的听觉效果。

2.根据测算，温度每加减10度，在笛子上就是加减30个音分。以上海为例，炎热的酷暑最高气温可达摄氏35度以上，而寒冷的严冬最低的气温会降至零下5度，这冬、夏二季的温差是40度之多。按照平均律计算，全音是200个音分。那么，30x4=120个音分，已经超过半个音了。设想一下，你有一支笛子，夏季在与乐队的合作中是称心如意的，那么，到了冬季再与乐队合作时，就只会使你愁眉苦脸了。因此，在与乐队的合作中，为了保证音准和演奏水平的正常发挥，同调之中一年四季不能只使用一支或一套笛子。尤其是独奏所常用之笛，至少应有三支——冬、夏、春秋各一支为好。

一支刚买来的竹笛，不论制作如何精良，音准校对如何精确，对于演奏者来说，还得要有一个不断适应、不断；微调；的过程。也就是说，你还必须经常地去吹它，有条件的话最好能在乐队的合作中经常使用它。这样，你就能逐渐对自己竹笛的性能了如指掌，并在使用中得心应手了。

当你有了一支或一套称心满意的竹笛时，请记住要好好地爱护、保养它。平时笛子吹过后，要随时放进笛箱或笛袋，一则是卫生，不染灰；二则在寒冷的冬季或干燥的北方也可防止笛子开裂。

笛子的保养

（1）新买回的笛子或自己新制作的笛子，如果发现竹质不太干，可将笛子所有洞孔堵塞住，然后灌进点盐水，泡浸一至二日（根据竹质湿度而定，竹质湿者浸泡时间应长一些），然后打开洞孔将盐水倒出，稍用清水冲洗，待一小时后，再在筒内涂些熟过的植物油（最好是油汤辣椒的纯红油，用此油日久可使竹体变红，永不生虫破裂），便可使用。如果买回来的笛子本来竹质很干而又坚固，最好用酒精擦洗一下笛筒和吹孔的周围，以达消毒之目的。另外竹内的少许水分也会随酒精的挥发而排除。

（2）专业吹笛的人，都有一个笛盒，没有盒的人，可做一个布套（最好是夹层或棉的）。平日将笛子放在里面，如果套，盒都没有，可找一块干净的布来包住，以免风吹日晒，灰尘进入。

（3）每次吹完之后，一定要将笛筒内的口水倒出来。最好做一个布刷，口水倒出后，捅进去轻轻一擦，然后装入盒或袋内。这样就免得口水在笛筒内发霉发臭，以至笛筒腐烂。

（4）天气过热或过于干燥时，最好做一个“笛胆”（用相当笛筒长度的小棍，缠上几层干净的布，抹上些油），不吹的时候可将它塞入笛筒内，以防止笛身破裂。“笛胆”粗细要和笛筒的粗细相适应，粗了塞不进去，细了挨不上竹壁，起不到润笛作用。

（5）笛子吹久了，笛筒内慢慢会有许多灰尘。灰尘加之气水的浸透，久而久之结成了污垢，这不但不卫生，常常发出臭味，甚至要影响音色、音准。这时就需要洗涤。特别是没有笛盒和笛套的同志，应在一定的时期内洗涤一次笛子。洗时要注意，水温不可太热太冷。一般将手浸入在水中不冷不热为适。因水太冷，脏东西洗不干净，水太汤，笛子的浸吸水分太多，一湿又猛一干，对笛子不好，竹质易变，易破裂。另外可用软布或药绵等，捆缠在木棒上（木棒要细不可太粗太坚实），浸水（洗洁精、香皂等）擦洗。但不可用洗衣粉和肥皂，因它们刺激性大，易破坏竹质内壁。

（6）有时由于天气的变化，太冷或太热或由于竹质过嫩，竹节过少，笛身都易破裂。为防止这种破裂，或者在已破裂之后，可在两端和吹孔至膜孔之间，膜孔至第六孔之间，这两处各用丝线捆缠（有伸缩性的塑料最好不用）。或将头尾用铜（或铝）圈箍住。

少数民族音乐笛子演奏风格

中国是个多民族国家，包括汉族共有五十六个民族。每个民族都有其悠久的历史、文化和最具本民族的特色的音乐形式。尤其是少民族，大都能歌善舞，具有历史悠久的音乐文化传统。在民族器乐演奏方面，笛子占有重要的位置。

一、新疆少数民族笛子风格

新疆的少数民族有维吾乐族、哈萨克族、塔塔乐族、塔吉克族等等。各民笔的音乐是有区别的，在长期的沿革中各自形成了本民族的个性音调和节奏和节律动。比如有的民族音乐属别的，在长期的历史沿革中，各自形成了本民族的个性音调和节奏律动。比如有的民族音乐属于中调式体系；有的接近欧洲音乐体系的自然小调；有的运用多利亚、混合利底亚调式及和声小调；还有采用波斯——阿拉伯音乐体系的。有关调式方面我们暂且不做具体分析，只是在笛子方面提出一些大家须要引起注意的问题。在吹奏新疆少数民族乐曲时会遇到许多半音，如：#4、#5、#1、等音，笛子一般采用按半音指法演奏。在吹奏半音时要知道这个音与前后音的章程关系，要用耳朵帮助听，半音一定要准，否则会破坏调式风格，直接影响到民族音乐风格。素有；世界屋脊；之称的帕米尔高原上，居住着勤劳的塔吉克人民，古老的鹰笛（用鹰骨头做的笛子）就出自这里。塔吉克舞蹈常用两支鹰笛和两手鼓伴奏。由李大同编曲的笛子独奏曲（帕米尔高原），采用了塔吉克族的典型节奏7/8拍子，使乐曲欢快跳跃更具歌唱性和舞蹈性，表现了塔吉克发族热爱祖国，热爱生活，热爱劳动，载歌载舞的欢乐情绪和勇往直前，不畏艰险的精神面貌。

二、藏族民间音乐笛子风格

藏族是我国少数民族中历史悠久，文化发达的民族之一，藏族民间音乐采用中国音乐体系以五声音阶为主，其中商调式和羽调式最为常见。长期生活居住在青藏高原的藏族人民性格开朗乐情，其民间音乐较为悠扬嘹亮，演奏时多用F调，G调梆笛，笛膜贴得较紧，笛子演奏风格多为高亢，明亮。在拉依情歌的演奏中与歌者互相呼应。可能由于气压的关系，高原气压偏低，当地藏民吹笛时较多采用胸式呼吸，使得吹出来的笛子音飘逸，尽量将声音送得远些。我们在吹奏藏族风格的乐曲时，根据需要可在引子或散板中使用胸式呼吸，以模拟藏族短笛的风格，但在大段的独奏曲中不要长时间使用你胸式呼吸，还要以丹田气为主，用气息及口风的变化找到音乐的感。藏族的囊玛音乐因过去在布达拉宫内室囊玛康中演奏而得名；囊玛以笛子，扎木聂，扬琴，根卡，二胡，串钤等乐器组合，演奏风格比较古朴，细腻，可以说是藏族的宫庭内乐，与众人围着火跳着热烈欢快的形成鲜明的对比。我们在吹奏藏族风格的乐曲时，要特别注意装饰音的使用，在引用或散板中，主音式长音出来之前，经常用二度，三度装饰音来润色。装饰音的数量两个，三个，甚至更多，手指要灵活。因为是散板，不存在时值的问题，装饰音的数量越多，占的时值越长，使散板中的旋律更富民族色彩。

三、蒙古族的民间音乐笛子风格

蒙古族民间音乐可谓丰富多彩，这与蒙古族人自古以来生息在中国北方草原地带，过着逐水草而居的游牧生活有着密切关系。近代，有不少游牧部落逐步定居下来，从事半农半牧场的劳动，也形成了草原文化与农业文并存的音乐文化体系。蒙古族民间采用中国音乐体系，是以五声音阶为主，很少出现变音，若出现，多构成综合七声音阶调式。羽调式是蒙古族民间音乐最常见的调式。民间器乐部分常用乐器有笛子、马头琴、三弦、四胡等。器乐曲大都源自民歌，像牧歌、长调民歌经常用笛子演奏，其节奏舒缓、自由，音乐风格给人一种开阔、悠久、奔放的感觉。牧民生活离不开马，在蒙古族音乐舞蹈中反映牧马生活的作品亦为寻常可见，使人感到骏马奔腾纵跃和蒙古族人民骠悍勇敢的性格。笛子在表现这种热烈奔放的情绪时多使用吐声，连绪的三吐声效果可模拟马蹄声，还有一种特殊的气指技巧相配合模拟马嘶声。在演奏慢板抒情曲调或散板、引子中，笛子经常用抹音模仿纪马头琴的效果，手指起落一定要圆滑，一般是慢速开始逐渐加快，手指变为颤音结束。

8.口笛

口笛是笛子演奏家俞逊发根据吐刃的形制，以短竹管制作而成。有二孔口笛和五孔两种。

1971年初，笛子演奏家俞逊发受景颇族横吹乐器吐刃的启发，用制笛截下的短竹管制成。能吹（d1～d2）一个八度音阶，两年后正式登台演出，第一首演奏的曲子名《云雀》。后来，俞逊发又在上海民族乐器一厂王益良的协助下，研制成功了五孔口笛。

口笛构造简单，制作简便，多使用黄枯竹或小水竹制作，也可使用长茎竹、凤眼竹、紫竹或其他材料制作，以杆身圆直、竹质坚硬的为佳。

取一段短而细的竹管，体空，右端为第一孔，左端为第二孔，左、右端内径分别为10.5和11毫米，在距左、右端分别为23和25毫米处开一吹孔，即制成两孔口笛。

五孔口笛是在靠近两孔口笛吹孔的管壁上再开3个音孔，五孔口笛，管长74毫米，左、右端内径分别为9.5和10毫米，吹孔距左、右端分别为34.5和39.5毫米，第三、四、五孔，开在距吹孔外缘14毫米的一条直线上。吹孔开成椭圆形，长径8毫米，第三、四、五音孔为圆形，直径均为5毫米。

演奏口笛，左、右手拇指控制第二、一孔，左手食指按第三孔，右手中、食指按第四、五孔。音孔全按发出最低音，开一孔发上方纯四度音，开一、二孔为纯八度音，两拇指在音孔上移动，多开或少开一点音孔，一、二孔可分别发出四度以内音阶。G调两孔口笛音域d1—d2。A调五孔口笛音域g—c2，还可用全按音孔、内转笛身、放松口劲和改变吹气角度等方法，吹出d、e、f三个音，音域近两个八度。

9.横笛

简　介

笛子也称横笛。相传汉武帝时张骞出使西域以后输入长安。宋朝以后，成为伴奏戏曲的重要乐器。唐代称横吹，是没有笛膜的。唐代只有箫管上才有膜，宋元以后这膜就移至横笛上，而箫管就不再贴膜了，如今只有朝鲜箫才贴膜。

形状构造

笛上虽然开有膜孔，但过去对膜孔也并不太考究，仅在吹孔与第六孔之间挖一圆孔，贴上笛膜（最先是竹膜）就是。首先注意膜孔的是上海的大同乐会。1932年10月，大同乐会主任郑觐文将旧时笛子的圆形膜孔，改为椭圆形，以增多笛膜的折纹，使音色更圆润，更易于控制。

笛子的音色，不仅取决于吹孔的形状和位置开挖得是否得当，以及管壁厚薄是否适当，笛膜的老嫩和膜孔的大小对音色的影响也不小。一般说，膜孔大，发音厚实（尤其是低音），膜孔小，发音则相对尖细，因此，膜孔是影响笛子音色的关键问题之一。

竹笛的音域局限为三组，如今一般只能吹出二组半。笛子音域增宽可是一件全方位的事，它包括吹孔的形状和大小、各音孔的恰当位置和指法组合，口风力度，以及膜孔的合适位置等。一般来说，膜孔的大小适中、位置略微接近吹孔一端，音域就宽，否则音域就窄。

膜孔大小与笛膜松紧对音高的影响：一般来说，笛膜大家都欢喜用嫩的，因为笛膜嫩，发音脆亮，吹奏起来也省力。这就出现一个问题，膜孔越大，笛膜就越松，笛子的绝对音高就越低。因此，夏天笛膜可以贴得稍微宽松一点，因为夏天气温高，笛子的音偏高，借笛膜的宽松可以把音降低一点；相反，冬天笛膜应该贴得紧一点，使笛音增高一点。

传统的笛子，竹制，有六个按音孔，也有十孔笛，一个吹孔和一个膜孔。吹奏时，由竹管内空气柱的震动而发音。而常用音域有两个八度。如今竹笛又分为C调笛、D调笛、E调笛、F调笛、G调笛（又称梆笛）、A调笛、B调笛，音色由低沉到尖细笛音清脆、高亢、透明而圆润，独奏、合奏均具特色，表现力丰富，故深受人们喜爱。笛子种类主要分两种，因为这两种笛子分别为昆曲和梆子戏的主要伴奏乐器，所以习惯上称为“曲笛”和“梆笛”。

演奏方法

要吹好笛子必须气（功）、指（法）、舌（头）三方面密切配合好，三者缺一不可。

（一）气息控制笛子的发音、声音的高低、强弱、长短、刚柔都与吹奏时的“运气”有着密切的关系。这种运气上的功夫，我们叫它“气功”，意思就是说，要吹好笛子必须在“运气”方面下一番功夫。

在日常生活中，我们呼气和吸气的时间大致相等，吹笛子则要用深呼吸，就是用横隔膜（位于肺部和腹部之间）着力，即胸腹联合呼吸法。换气时最好用口、鼻相结合的方法。以口为主，就是将嘴的两角稍稍放开吸气，这样吸气较快。吐气时，应利用胸肌、腹肌和横隔膜的控制能力，使气息能够均匀、有节奏地逐渐吐出。初学者一开始就要有意识地注意呼吸方法，不要违反正常呼吸的运动规律，否则会影响演奏，也不利于身体健康。一般初学者一口气能吐10—15秒钟就不错了。

运气对于吹奏者来说非常重要。它是美化音色和控制音的强、弱、长、短以及各种感情变化的基础。为了掌握正确的“运气“方法，可以结合吹奏长音，作以下两种练习：

慢吸慢呼——深深地吸一口气，吹一个长音。吸气时要求吸足而不出声，呼气时要求均匀、平稳，时间长而不费力。所以，当你呼出一口气时，在这口气还未呼完之际（约留五分之一左右，这时小腹横隔膜还处在控制之中）。即应吸入第二口气。一定要使胸部的活动与横隔膜腹部的运动始终保持连贯，否则，进入吹口的气流就一定不流畅，而且容易出现嘴角漏气、出音尖叫、音色难听的现象。

怎样吹好笛子运气对于吹奏者来说非常重要。它是美化音色和控制音的强、弱、长、短以及各种感情变化的基础。

呼吸运气要注意避免耸肩、收腹、挺肚等错误，还要注意弱音的控制。

关于呼吸运气要注意避免的几个错误：

①耸肩。吸气时双肩上抬，使气吸得很浅，只能吸人胸部。用这种方法吸气，胸部逼紧。在演奏时缺乏气息的有力支持，不仅使音色较紧，而且长音不能持久。

②收腹。吸气时错误地将小腹用力向里收缩，结果气息只能吸到上胸部，造成胸部肌肉紧压肋骨，使呼吸失去弹性。

③挺肚。吸气时小腹像鼓一样向外挺起，腹腔肋骨被拉下。由于气吸得过深，造成胸、腹部肌肉紧张，使呼吸失去弹性。

因此，要把笛子吹好一定要掌握正确的呼吸、运气等方法。

弱音控制：

在乐曲中，音除了有高低和长短的区别外，还有强弱的区别，音的强弱，对表达乐曲的思想感情起到一定的作用。

吹笛子时，上下嘴唇之间的小孔叫“风门”，从“风门”里吹出来的气息，称为“口风”。“风门”可大可小，“口风”可缓可急。“风门”大，“口风”缓，发音低；“风门”小。“口风”急，发音高。从肺部里挤压出来的气，通过我们口内和唇部的控制，使这些气有计划的来应用它，不使气浪费，这时就需要在控制“风门”大小和“口风”缓急时，运用双唇和两颊的一种自由收放劲儿，这就叫“口劲”。音的强弱与用横嗝膜控制、通过“风门”送进乐器内的空气量有关。

快吸慢呼——这是吹奏竹笛时运用最多的呼吸方法。吸气时间越短越好，因为在乐曲进行中允许吸气的时间是很短的。

指法技术手型是否正确、手指是否灵活是掌握笛子演奏技术的关键。

笛子的指法技术相当丰富，除指法转调技术外，还有单倚音、复倚音、上滑音、下滑音、上历音、下历音、颤管、打音、送音等等，这些都与掌握熟练的手指技能有关。俗话说：“心灵手巧”，手型是否正确、手指是否灵活是掌握上述技术的关键，在训练时，必须注意以下几点：

1.手指第一节中间部位肉最多，而又最富有弹性的部位称之为“指肚”。必须一开始就养成用这一个最理想的部位按孔。开孔时，手指不要抬得过高（大约一个指头厚的高度即可）。否则在换指时会影响演奏的速度。

2.怎样使自己的手指灵活？演奏时手指、手腕一定要放松。将双手放松、略似半握拳的形状（即手指微微自然弯曲些），让双手手指始终处在自然、放松的状态。按孔时也应当松弛而有弹性，不要紧张或过分用力，避免手指僵硬而影响灵活性。

3.两手的大拇指和小指虽然不按孔，但必须托住笛身，积极配合。

4.在十个手指头中，无名指的灵活性最差，反应比较迟钝，应加强统习，使其关节放松、灵活。

舌头训练吐音是吹奏竹笛的一个很重要的技术。经常用到的有长吐舌和短吐舌两大类。

舌头好像一个活塞，可以起阻碍气流的作用。舌头堵住吹口就发生断音现象，舌头离开吹口，声音就继续发出。我们吹奏一般乐曲时，常用连音和断音（短音）两种方法。吐音主要就是解决断音问题的。“吐音”的发音方法，即在吹之前将舌头顶住上牙齿和牙肉的地方，在吹气时舌尖一接触吹口附近的位置马上向里缩回，使气流吹出，达到断音效果。

吐音是吹奏竹笛的一个很重要的技术。它好像弦乐器演奏时弓的作用一样。经常用到的有长吐舌和短吐舌两大类。

1.长吐舌

舌头堵住吹口时间短，离开吹口时间长的就是长吐舌。

2.短吐舌

短吐舌包括单吐、双吐、三吐等。它的特点是舌头堵住吹口的时间长，离开吹口的时间短，好像弦乐器的领弓、跳弓作用一样。

练习时注意以下几点：

①吹奏“吐音”的发音方法要正确。发音要结实、清楚。

②练习时吐气不要中断。气要轻轻地吐，不宜过大。

③舌头收缩时，距离吹口要尽量短些，使气流能通过即可。

④舌头的动作要灵活，不要过分紧张，舌尖部分堵住吹口不要用力，只要接触到就行。特别在起音时，一定要注意舌的振动与吹出气流的同时性，否则，吐音就模糊不清。

10.寸笛

乐器概述

寸笛，彝族单簧气鸣乐器。因管身短小而得名。彝语称木比美，彝语“木”为竹子，“比美”是吹，意即吹笛子。流行于云南省楚雄彝族自治州永仁、牟定等地。

历史传说

20世纪70年代，在我国云南楚雄彝族地区，出现了一种独特的民间吹奏乐器，这就是寸笛。据传，它的创制者是彝族青年起如云，那年，起如云砍来山茅竹，经过精心选料和细心操作，制成了一支小巧玲珑的筚鲁，正当他庆幸自己的成功时，不慎将筚鲁折断了半截，六个按音孔变成了三个。他非常懊恼，但又不甘心就此罢休，索性拿起有簧片的那半截筚鲁使劲地吹，谁知无意中牙齿压在簧片上，竟发出了优美动听的乐音。他反复摸索试奏，悟出了簧片分段振动可改变音高的道理。一件崭新的乐器就这样诞生了。此后，他用寸笛“说话”、传情达意，创作并演奏了多首彝族乐曲。经过起如云的不断努力，寸笛的表现能力更加丰富，如今已成为深受人民欢迎和喜爱的彝族乐器了。

形制结构

管身用山茅竹制作，管长7厘米，管尾内径0.8厘米。有两种形制：一种是仿筚鲁而制，管首留节，管尾通透，近竹节一侧管壁削薄修平，刻出一个长2厘米的簧片，簧舌朝上，管身正面开有三个长方形按音孔，但吹奏时不作发音孔用。另一种是用管首无节、两端通透的竹管制成，其尺寸的大小、簧片的削制和音孔的开列，均与前一种相同。近年来，专业音乐工作者对寸笛进行了有益的改进尝试，将簧片装于管身背面，方便了演奏，改变了簧片的材质，使音色更加柔润。

吹奏方法

演奏时，管身竖置，单手持笛（左、右手均可），以拇指和食指围握管身上方1/3处，手掌呈喇叭形，中指、无名指、小指可并拢扇动，以调节音色音量。口含簧片，吹气鼓簧发音。管首无竹节者，可用舌尖抵住管口。以唇或齿压紧簧片根部吹奏可发出低音，压吹簧片中部发中音，压吹簧片尖端发高音。寸笛的音高不固定，各音区的音高变化，要靠演奏者调节气息、调节簧片的受压点，改变簧片的振动频率才能实现。发音的可塑性较大，经过测试，音域d1—d3，可达两个八度。发音明亮，音色柔和，音量较大。演奏者通过舌、齿、唇、气协调配合，可随心所欲地吹奏乐曲，尤其擅长表现欢快、明朗和热情洋溢的情绪，适宜演奏抒情性、歌唱性的旋律。可用于独奏或合奏，是彝族人民常用的自娱性乐器，也用于民间节日打歌伴奏。

传统乐曲

乐曲多来源于山歌、小调，流传较广的曲目有《爬山调》、《放羊调》、《收碗调》、《小郎要合妹的心》等。

第二节　教你学弹拨乐器

1.古琴

古琴，又称瑶琴、玉琴，俗称古琴，一种七弦无品的古老的拨弦乐器。琴，作为一种特殊的文化，概括与代表着古老神秘的东方思想。

古琴，在古代称作“琴”，还有“绿绮”、“丝桐”等别称。虽说“伏羲制琴”、“神农制琴”、“舜作五弦琴”的传说不可信，但它的历史确实是相当悠久了。琴最早见之于典籍的是我国第一部诗歌总集——《诗经》。《诗经·周南·关雎》中的“窈窕淑女，琴瑟友之”，《诗经·小雅·鹿鸣》中的“我有嘉宾，鼓瑟鼓琴”，都反映了琴和人民生活的密切联系。可见，三千多年前，琴已经流行。后来，由于孔于的提倡，文人中弹琴的风气很盛，并逐渐形成古代文人必备“琴、棋、书、画”修养的传统。孔子在提倡琴乐之初就教导说君子乐不去身，君子和琴比德，唯君子能乐。操琴通乐是君子修养的最高层次，人与乐合一共同显现出一种平和敦厚的风范。在孔子的时代，琴乐还不仅仅是后世的君子个人的修身之乐，更是容纳天地教化百姓的圣乐。于琴乐之中，孔子听到了文王圣德之声，师旷听出了商纣亡国之音。古人相信天地的气象就蕴涵在其中，人们膜拜它，赋予它关于道德的信仰。作为“正音”，琴乐寄寓了中国千年的正统思想和文化。古琴伴随着人民生活，为我们留下了许多动人的故事：伯牙弹琴遇知音；司马相如与卓文君借助琴来表达爱慕之心；嵇康面临死亡，还操琴一曲《广陵散》；诸葛亮巧设空城计，沉着、悠闲的琴音，智退司马懿雄兵十万；以及陶渊明弹无弦琴的故事等，都为千古传颂。“高山流水”、“焚琴煮鹤”、“对牛弹琴”等妇孺皆知的成语都出自和琴有关的典故。

古琴，目睹了中华民族的兴衰，反映了华夏传人的安详寂静、洒脱自在的思想内含。在古琴曲中，有一首叫《华胥引》的名曲，记载着这样一个故事。传说黄帝夜得佳梦，梦中来到一个叫华胥国的地方。其地“国无师长”，“民无嗜欲”，其国民“美恶不萌于心，山谷不踬其步，熙乐以生。”黄帝见其国之状况，羡慕不已。华胥国的国民所过的安详自在的生活，正是黄帝心中的理想生活。也可以说，黄帝的华胥之梦，正是他治国的思想境界。古德先贤的理想，往往通过琴来表达。伏羲、神农、黄帝、虞舜等造琴的传说，在琴界流传很广，而孔子、庄子等大家也都是琴学大家。他们心目中的理想境界，在古琴文化中都表现得淋漓尽致。

春秋战国时期，活动在思想舞台上主要有道家、儒家、墨家、法家、名家、纵横家、阴阳家、杂家、农家等九大家。各家学说各有差异，但这九大家的思想，一直共存于中国人的头脑中，成为中国文化的一大特点，是因为中国人深知各种思想的共通之处：自心洒脱，世道安详。此内心之声的表达，正是琴的长处。虽诸家思想各不相同，但都同样对琴有着特殊的好感。琴融会百家神髓，尽展人心深处的恬静安详潇洒自在之声。所以，人们才说，琴是中国文化的卓越代表。儒释道三教文化，是中国传统文化的主体。琴文化是三教皆崇的文化。乐是儒学必修的重要内容，而琴更是儒者的最爱，而道者更是喜爱琴那清静洒脱的韵味。就连佛教僧人，也同样喜欢自琴中领悟空灵大智。自古以来，中国的文人往往皆尊三教，对琴的喜爱当然不在话下。他们往往借琴以完美自我的人格，修养身心，体悟大道。琴与剑，成为了文人的不可缺少的基本配备。琴棋书画，则是才子佳人们才能的标帜。琴文化与中国文人、中国思想文化之间联系十分紧密。

在琴厚重的人文积淀之外，琴的审美在世界音乐中独树一帜。琴没有肆意的宣泄，只在含蓄中流露出平和超脱的气度。琴与诗歌密不可分；讲求韵味，虚实相生，讲求弦外之音，从中创造出一种空灵的意境，和国画的审美追求是统一的。难怪世界为之惊叹。“月色满轩白，琴声亦夜阑；冷冷七弦上，静听松风寒。古调随自爱，今人多不弹；为君投此曲，所贵知音难。”这是唐代诗人刘长卿发出的感喟。

2.小提琴

小提琴的起源

小提琴是西洋乐器中的一种弓弦乐器，一般称为弦乐器。小提琴是一件十分完美的独奏乐器，它音色优美、音域宽广、表现力丰富，它既能奏出悦耳动听的旋律，也能奏出铿锵有力的和弦，华丽迷人，所以很早以前人们就称它为西洋乐器中的“皇后”。在交响乐队中，它常被用作主要的旋律乐器，作用十分突出。它也常用于各种重奏、伴奏以及与我国的民族乐器混合使用。

关于小提琴的起源，史学家有许多不同说法，有说是起源于北非，有说是起源于印度，也有说是起源于西欧等等。有这么一个传说：5千年前斯里兰卡有一位君主名叫瑞凡那，他把圆柱形的木头掏空制成了与我国二胡极为相似的乐器称瑞凡那斯特隆（Ravanastron），在漫长的历史长河中，瑞凡那斯特隆随着贸易往来而流传四方，这便是小提琴的鼻祖了。不过从有史料记载起，最早的小提琴是由一位住在意大利北部城镇布里细亚（Brescia）名叫达萨洛制成的（Gasparodasa⁃lo1542—1609）。但在同一个时期，格里蒙那（Cremona）城中的A.阿玛蒂（AndreaAmatil520—1580），也制作了与现代小提琴更为相近似的小提琴。从16世纪到18世纪，意大利的小提琴制造业随着音乐艺术的空前繁荣而得到了迅速的发展，出现了G.P玛基尼、N.阿玛蒂、A.斯特拉第瓦利和C.爪内利四位杰出名匠。18世纪以后，世界各国的小提琴制造业都是仿照意大利这些小提琴制作者的琴型和尺寸来制作小提琴的。近百年来，小提琴的结构也没什么大的改变，从这个意义上讲，意大利是小提琴的故乡。而玛基尼、阿玛蒂、斯特拉第瓦利、爪内利当年所制作的小提琴，现今已成了稀世珍宝、旷世杰作。

小提琴的流传

随着小提琴日臻完善，数百年来出现了无数为之献身的小提琴表演艺术家，19世纪意大利杰出的小提琴家、作曲家帕格尼尼，高度地发展了小提琴的演奏技术，他所创造的左手拨奏、弓杆击奏、独弦演奏，双泛音、跳弓、各种双音等这些高难度技巧，极大地发展了小提琴的表现力，并对后来的钢琴和其它乐器的演奏也产生了影响。在小提琴表演艺术的丰碑上，在帕格尼尼的直接影响下，以后出现了维奥蒂、克莱采尔、贝里奥、维俄当、维尼亚斯基、萨拉萨蒂、伊扎依、克莱斯勒、蒂博、斯波尔、约阿希姆、席盖蒂、弗莱什、艾涅斯库、奥尔、海菲茨、梅纽因、奥伊斯特拉赫、斯特恩等，这些金光闪闪的小提琴表演艺术大师的名字，代表着小提琴表演艺术一个一个的高潮，并把小提琴表演艺术不断推向前进。

在小提琴乐曲的海洋里，名家之作给后世留下了丰富的艺术享受，著名作曲家贝多芬、门德尔松、勃拉姆斯、柴可夫斯基的小提琴协奏曲，被誉为世界四大协奏曲，至今响彻音乐会的舞台。西班牙著名小提琴家萨拉萨蒂创作的《流浪者之歌》更是一首脍炙人口的佳作，这首乐曲旋律优美、节奏华丽、色彩绚烂，把吉卜赛流浪民族内心的悲愁与火一般的奔放性格，表现得淋漓尽致，乐曲加弱音器演奏的第三段，更是幽静而哀伤，揪人心弦。在浩如烟海的小提琴音乐作品里，令人神驰遐想的杰作真是举不胜举。但是纵观全部小提琴作品，大致可以分为三大类：第一类是小提琴家本人所写的作品，如帕格尼尼、维尼亚夫斯基、克莱斯勒、萨拉萨蒂等人的作品，这类作品大都是炫技性的，难度较大，但都合乎小提琴的演奏规律，有很好的舞台效果，是小提琴作品中的明珠；第二类是作曲家与小提琴家合作的作品，如著名的作曲家门德尔松的e小调协奏曲，是为当时著名的小提琴家费迪南·大卫而写的，勃拉姆斯光彩夺目的《D大调协奏曲》是为当时的小提琴大师约阿希姆写的。法国著名作曲家拉罗的《西班牙交响曲》是为著名小提琴家萨拉萨蒂写的等等，这类作品在音乐上比较丰富，在技术上又合乎小提琴演奏规律，是不朽的杰作：第三类是作曲家们自己写的作品，如舒曼的协奏曲等，这类作品一般只是从音乐的内容出发，而缺乏小提琴的技术手法，拉起来不大顺手。还有一个十分引人注目的现象，这就是每当出现一位伟大的小提琴家，于是许多作曲家就为之创作，从而使小提琴作品得到繁荣，历史上都是这样的，近代苏联出了个奥伊斯特拉赫也是如此，当奥伊斯特拉赫驰聘世界乐坛时，便有著名作曲家诸如普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇、哈恰图良、米亚斯科夫斯基、拉科夫等人为他专门创作了协奏曲或奏鸣曲。而这些作品至今还在世界各地广为流传。总之，演奏家技艺的不断提高促进了小提琴作品的繁荣与发展，而具有高超技巧的作品出现，又促进了演奏家们不断去提高演奏水平。

小提琴传入我国大概是近百年的事，但是我国却不断涌现出了一批批优秀的小提琴演奏家与作曲家，一代宗师马思聪是极具代表性的，早在30年代他便驰名遐迩，他所创作的《思乡曲》以优美抒情的旋律，抒发了对故乡亲人的思念之情，该作品创作于抗战时期，曲调中那渴望归乡的心绪，在人们的心头泛起了感情的涟漪，唤起人们对蹂躏故土的侵略者的强烈憎恨，这是中国音乐作品中的一首名作，经久不衰，它后来成为中央人民广播电台对台湾广播的前奏曲。从小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》的广泛流传，也可以看出我国人民对小提琴艺术是非常喜爱的，《梁祝》这部具有国际影响的小提琴作品，不仅在我国大陆，且在港澳台、在日本和东南亚一带都是深受欢迎的，而且在欧美的一些音乐会舞台上也不时被演奏。近20年，我国还有一大批优秀的青少年小提琴手，在历次重大的国际小提琴演奏比赛中获大奖，胡坤、吕思清、王晓东、张乐、薛伟、戚鸣、刘杨、陆威、李智胜、潘依琼等等，为国家获得了荣誉，这说明我国的小提琴表演艺术己达到国际水平。

我国的提琴制造界，也经常在国际制作比赛中获奖，广东乐器厂的陈锦农、北京提琴厂的戴洪祥，是率先在国际提琴制作比赛中获得音质金奖的大师。广东的徐弗、梁国辉、陈益、何恩等老一辈制琴大师制作的琴与弓，也经常在国内外提琴制作比赛中获得好的名次，最近，后起之秀朱明江制作的小提琴在美国的比赛中一举获得音质和工艺两项金奖，这是极其难得的。目前我国的小提琴制作工厂多达50多家，产量可观，北京提琴厂、上海提琴厂。广东乐器厂是生产专业小提琴的名厂，近年来广州的中外合资格里蒙那提琴有限公司更是异军突起，该公司大批量生产的各种规格的提琴，畅销欧美十多个国家，产品跨入世界先进行列，该厂曹树坤、沈炽明制作的琴、关尚持制作的弓已成为演奏家们所钟爱的珍品。

小提琴的诞生

一、弓弦乐器的诞生

拉弓的弦乐器，最早发源于亚洲地区。据印度的亚利安人古籍记载，五千年前锡兰岛国王“拉瓦那”（ravana），就已发明了以弓擦弦的乐器“拉瓦那斯特隆”（ravanatron）。后来传入阿富汗及波斯，再阿富汗北部的大月氏王国时代，其型态演变为琵琶状，其面板是平的，背板是整块木头挖凹，制作叫为精致，有叫的音箱与共鸣力，再传入阿拉伯时约为公元七世纪，穆罕默德兴起的时代称之为“列巴布琴”（re⁃bab）。

二、弓弦乐器传入欧洲

约公元八世纪时，阿拉伯的列巴布琴传入了西班牙。西班牙称此种琴为“雷贝克琴”（rebec或rebeca）。单弦或多弦的雷贝克琴，其基本结构和现代提琴是很相似的。Fiddle这个属于英国人的特别的小提琴称呼，远在十一世纪盎格鲁·撒克逊人时代就有了。欧洲并非弓弦乐器的发源地，弹弓弦乐器之所以能在欧洲展现源源不绝的活力，原因在于欧洲善于吸收外来文化，吸纳对方优点，再加上文艺复兴运动的影响，对于科学与美学的追求所致。以持琴的方式来分类，分成“直立式握琴法”（gamba），与“臂上握琴法”（braccio）二种。

“直立握琴法”是弓弦琴的原始演奏法，最古老的弓弦琴应该是直立式握琴法，从阿拉伯的列巴布琴开始，最后演进为维尔琴（viol）系统，“臂上握琴法”是把雷贝克琴放在手臂上或夹在腮下演奏，这是在欧洲演化出来的，可能是受埃及、希腊的里拉琴（lyra）所影响。臂上式弓弦琴便是现代提琴得前身。

三、臂上式弓弦琴

文化的交流让流传各地的琴相互影响并发生变化，导向现代化提琴发展，第一个有创新突破的制琴师，是一位出生于德国巴伐利亚后来移民法国里昂的“狄芬布鲁克”（Kas⁃parTieffenbrucker1514～1571）。狄芬布鲁克的弦乐制琴家族，精致又富装饰性，添加金银标帜及花草图案的镶嵌，吸引很多制琴师模仿，影响了意大利北部的提琴发展。十六世纪初由“文艺复兴弓琴”发展出来的“臂上里拉琴”，其外型、f音孔、隆起的面板和纸板等，都已很像现代小提琴了，就整体外型来说他最近似于小提琴，在提琴发展史上也是关键的一环。

我国的小提琴事业发展

我国小提琴艺术教学，经过几代人的不懈努力，不论是在理论创新方面、演奏技巧方面还是在人才培养方面，都站到了世界小提琴艺术教学演奏技巧前沿，为世界小提琴艺术教育和演奏技巧的发展，做出了巨大贡献。

一、小提琴教育在普及中提高

改革开放以来，我国的小提琴教育获得重大发展。一是国家陆续恢复了各大行政区原有的音乐专科学校和艺术学院，并有不少音乐专科学校升为艺术学院，最近，又将一批艺术中专学校升为艺术职业学院，使全国形成了空前规模的音乐艺术教育网络，在这些音乐学院、艺术学院中，绝大多数开设有小提琴专业；二是全国各地的综合类大学都开设了艺术系、音乐系并设有小提琴专业；三是一大批小提琴爱好者，从小便受到了较正规的教育，从而使小提琴教学得到了普及。随着小提琴教育的普及和发展，我国小提琴教育的师资队伍也逐步成长和成熟起来，并出现了一批享有盛誉的小提琴教育家，他们在长期的教育实践中，探索出了科学的教育方法，培养出了一批又一批优秀的小提琴演奏人才。1980～1996年短短十六年中，有73人次在一系列国际比赛中名列前茅，这在国际小提琴演奏艺术史上是罕见的。在众多的获奖者中，胡坤、吕思清、王晓东、钱舟等已成为具有一定国际影响的小提琴演奏家。由此可见，小提琴教学在普及中得到了提高。

二、小提琴理论研究在创新中发展

理论是指导教学的根本。我国小提琴艺术理论的创新，为小提琴事业的发展奠定了坚实的基础，并指导着教育实践活动不断迈上新的台阶。这些理论成果，多数是以论文的形式，刊发在各种学报及有关报刊上，还有一些专着和文集陆续出版。研究小提琴教学的代表性论着有：谭抒真的《小提琴教学的几个问题》、韩里的《飞速前进中的不足——当前我国小提琴教学之我见》、梁圻的《克莱采尔练习曲42首分课解析》、《奥尔法特小提琴练习曲60首分课解析》、《开塞小提琴练习曲36首分课解析》，丁芷若的《小提琴基本功强化训练教材》等。这些理论研究文章，从不同侧面，深入浅出地对小提琴艺术教育和演奏技巧进行了探讨，把这门艺术从理论上提高到了一个新的高度。如林耀基教授小提琴教学的最显着的特点，是生动活泼地运用辨证法的观点，去解释和解决小提琴演奏中的一些常见问题——动与静的关系、用力与放松的关系、时间与空间的关系、个性与共性的关系、变化与稳定的关系、艺术处理中的“复合”原则等，在提出小提琴演奏总的要求的基础上，对左手换指、换把、换弦、揉弦，右手运弓、换弦、顿弓，和双手的配合等方面的要领，都作了精辟的概括和总结。研究小提琴演奏方面的主要论着还有许多，无法一一列举。这些论着，不仅对从事教学专业的小提琴工作者有积极的指导意义，对小提琴爱好者以及本专业的学生的教育指导性就更大了，我们相信，在这些理论的指导下，我国小提琴教学事业，将会进一步蓬勃发展。

三、小提琴作品创作与艺术交流

我国小提琴音乐作品的创作，在继马思聪等老一代艺术家之后，有了新的发展，如：李耀东的小提琴协奏曲《抹去吧，伤心的泪》、瞿小松的《山之女》、宗江、何东的《鹿回头传奇》，陈刚的《王昭君》，杜鸣心的《小提琴协奏曲》等。这些作品深受群众的喜爱，同时也得到了国际上的高度评价，成为世界文化宝库中的精品。

近年来，我国小提琴艺术的交流，范围更广了，层次更高了，内涵更深了，并且更加频繁，这对我国小提琴艺术的发展，起了巨大的促进作用。这一时期，海外一百多位著名的小提琴艺术界人士来华讲学、演奏，其中，包括梅纽因、思特恩、迪蕾、帕尔曼等国际大师。同时，我国的小提琴艺术家林耀基等也频繁出国讲学；我国一批年轻的小提琴艺术家也不断出国演出和参加国际小提琴大赛，并且频频获奖。更为重要的是，我国具备了举办国际性小提琴大赛的资格和能力。1988年，由国际文化部主办的“国际青少年小提琴比赛”在北京举行并获得了巨大成功，各国评委给予了较高评价，他们对我国小提琴教育事业所取得的成绩表示钦佩。还有一个突出表现，就是我国小提琴艺术家参与到了国际小提琴艺术活动中，随着我国小提琴艺术教学方面的突出贡献，林耀基教授等不少我国小提琴家，应邀担任重大国际比赛的评委，我国小提琴家，开始为世界小提琴艺术发展作贡献。

综上所述，小提琴艺术教学已经站到了世界小提琴艺术教育发展的前沿，同世界各国小提琴教育家一起，共同探索着艺术教育、技巧训练、理论创新等前沿学术问题。我们相信，随着中外文化交流的不断发展，我国的小提琴艺术教学，将会取得更大成绩。

小提琴的简单介绍

小提琴不仅是管弦乐队中最重要的乐器，同样在室内乐，民谣乐，爵士乐等领域散发其迷人的魅力。因为它是多才多艺的，既能唱出悠扬如诗般的曲调，有时又让人感到耳花缭乱。

小提琴属于弦乐器，音域至少三个八度，琴身由木材制成，琴弦则由纯钢制成。它的长度是多种多样的，但琴身常在36厘米左右。

小提琴是四根弦的乐器，通过琴弦振动发声，现代的小提琴源于16世纪欧洲早期的四弦琴。

意大利的小提琴是世界上最好的，特别是阿马提家族的。在小提琴制造的过程中，琴弦要经受7.7公斤向下的重力。

现代的管弦乐团通常有大约有24把小提琴，分成第一小提琴和第二小提琴两个部分，在演出中小提琴的任务要比任何其它乐器都重。它们的发音清澈脱俗，经常与其它的乐器形成鲜明对照。

小提琴也是至高的室内乐器，许多作曲家为它精心谱写乐曲。其中，弦乐四重奏的配置是最佳的，它用两把小提琴，一把中提琴，一把大提琴。在这一组合中，小提琴在其它提琴家族成员的协奏下无疑显得高贵且游刃有余。小提琴在乡村乐的应用是很有名的，发展于美国南部，是英国移民喜闻乐见的乐器，如今被继承下来。这种以小提琴为主的乡村乐，滑音和双音等装饰音用的相当普遍，其中有越来越快的演奏，可以让空气充满幻想与激情。

用弓来拉两根弦可以演奏双音和弦。在有些情况下，要用指来弹拨弦。双滑音则要在拉弦的同时用手指在琴弦上游动。

小提琴选购要点

小提琴具有四个特点：1、音色优美；2、音域宽广；3、音量大；4、能适应复杂技巧的演奏。它发出的声音即接近人声，又具有人声无法比拟的音域，有“乐器皇后”之称。

目前我国出售的小提琴，分为专业及普通使用两种，儿童小提琴属于后者。选择小提琴要注意以下几点：

1.音响，包括声音和音色。要求音色纯净，清晰，悦耳，音量大，高银明亮，低银深厚而不闷，四条弦声音匀衡，共鸣时间长。

2.颜色，这没有统一标准。多为红色，红棕色，金黄色，黄色等，但均应要求美观悦目而不褪颜色。

3.表面光滑清洁，不含杂质。

4.琴头，琴身要正，直，不偏歪，左右匀称等。

5.面板要求文理正直，左右弧度一致。

6.背板要求花纹美观，密度适宜，纹理对称；整板或两板合起的都可以；左右弧度对称。

7.两“F”孔要求大小一致，长短相同，中间尖口一样；两孔左右对称。

8.黑白线要求曲线自然，不折断，接头看不出来；琴角黑白线要有蜂针。

9.琴头要和背板花纹相同。

10.指板要求与琴头胶合得好而且平直。

11.弦轴孔要求与弦轴倾斜一致，吻合。

12.马子要求纹理好，雕刻细致，左右对称；马脚与面板弧度吻合。

儿童小提琴，目前市场上出售的有：1/16，1/8，1/4，1/2，也有1/5的。购买时，最好由专业老师出主意，根据每个儿童的身高，臂长，手的大小，尤其小指的长短来决定。原则上是“买小不买大”。如果一把较大的琴给儿童勉强使用，对基础学习，音准的掌握，身体负重都有不利的影响。这是提供一个购琴大小的参考准则：

1/16琴：约为3—4岁之间使用。

1/10琴：约为4—5岁之间使用。

1/8琴：约为5—6岁之间使用。

1/4琴：约为7—8岁半或9岁之间使用。

1/2琴：约为10—11岁之间使用。

成人用琴的大小和上述道理相同，可根据个人的生理条件选用小一号的琴，不一定都用成人琴，尤其是业余爱好者，往往使用过大的琴，而影响了对这件乐器的掌握。

一、初学者篇

有很多初学小提琴的人都认为，一开始乐器不要买太好，能发出声音就可以。其实这是一个错误的观念，根据我自己教琴的经验，初学者对于音色的培养，往往会决定在刚开始学琴的时候，而一把发声较好的琴，也会使其在学习上达到事半功倍的效果。因此我建议初学者在购买乐器时，最好能由老师或懂琴的人陪同，或委托其代为选购，会比自己胡乱找一家店随便买，要来的恰当。

现在问题来了，究竟要买那一种价位或那一类型的琴，才较为合适呢？首先您必须要考虑琴的Size究竟要买多大，小提琴有从1/8；1/4；2/4；3/4到4/4这几种大小。我建议最小也要从1/4的琴开使学起，1/8以下的琴因为太小，而会影响到其发声共鸣的构造。通常我们会用使用者左手的手长，和琴来做比较，看看手掌能否超过琴头。若超过，则再往下试一号，直到4/4为止。琴头能达到左手伸直时手掌的一半，就表示大小应该适中。

目前市面上可供选择的琴的种类，实在非常的多。机械琴；半手工；纯手工……捷克琴；德国琴；法国琴；义大利琴；日本琴；韩国琴；大陆琴；台湾琴；实在是琳琅满目。对于初学者来说，我建议最好先挑大厂牌的工厂琴，如台湾的功学社，雅音，日本的suzuki，或捷克的Boehm, Mlnar，这些牌子的琴，虽然不贵，但都有一定的品质在，不至于太差，价位多在一万至两万左右，而大陆琴我则比较不建议初学者使用，因为市面上的大陆琴品质差异太大，不容易买到真正好的大陆琴，另外在买琴时，也要注意所附的配件，一般来说弓，琴盒，松香都应该是附赠的，同时也要检查琴桥是否切好，弦是否该换新，……等，售后服务及维修也很重要喔！

二、进阶篇

这次我们要针对一般的手工琴的买法加以讨论，这类的琴价格多在五，六万至四，五十万不等，是一般拉琴的人可以考虑的价位，走进琴行里您是否被挂在架子上各式各样的琴弄得头晕目眩，还是面对店员滔滔不绝的介绍时，感到无法招架，乱了方寸，希望接下来的这几篇相关的文章，能对您有所帮助，当然买琴是一门很大的学问，站长我也不是所谓的专家，只是提供一些经验，和众网友们一起讨论讨论。

要买一把适合自己使用的4/4琴，其难度是远远大过买练习琴的，因为从这里开始，你要面对的是更多样的选择，和更多种的价位，但首先你必须样先了解自己究竟需要一把怎样的琴，和要有怎样的音色，前面有提过小提琴有分机械琴，半手工琴，和纯手工琴，手工琴的音色和机械琴绝对有很大的差别，一般来说手工琴的声音比较有弹性，张力也比较大，传声的范围也比较远，另外在外形上，手工琴的刀工也远细于机械琴，最明显的部位就是在琴头，它的立体感会差很多，大家不妨多注意一下，应该很容易就能辨别其不同，其次就是琴身的纹路，手工琴因为是以人工的上漆方式，因此木质本身的纹路较容易显现，但要注意的是，不是纹路越多或越密就是越好的琴，这只是一种参考的方式而已，琴的声音才是最重要的。

通常对琴音色的判定，是很主观的，每一个人对音色的喜好都不一样，所以买琴最好是要亲自去挑选，而不要委托他人代购，有许多人都认为国外购买的琴，品质会比较好，但事实上并不一定，而且气候的差异会对琴造成不小的影响，因此最好是能在使用地购买，比较不会出问题，此外买琴时最好有两个人以上一起去，因为琴的音色及传送的远近度，在拉琴的人通常比较无法听出来，所以需要有人从旁协助，站在不同的角度及距离，给予其意见。

目前市面上的手工琴，来源非常多，有：捷克，德国，法国，意大利，中国……等等，台湾也有师傅在做琴，而价钱的范围也很广，因此在买琴前，最好先决定自己的预算，再着手开始找，记得一定要多挑，多试，才会比出真正的好琴，若您想要买一把超过五十万以上，甚至是百万以上的琴，则您所要具备的知识，又不止这些了。

最后我想要提醒大家，买琴最好要找信用度高，且有登记营业，拥有店面的乐器行买，如此当您的琴出了问题时，才不会“无人可找”至于买琴时要注意的小细节，上次都有提过，这边就不再多谈了。

乐器的鉴选最好请有经验的演奏人员帮助，尤其对正在学小提琴的儿童和少年来讲，一把高质量的小提琴将对他们未来走向乐坛打下良好的基础，如果选购了一把不合乎质量要求的小提琴来学习音乐，其所起的负作用对今后的发展将是不可估量的。一般鉴选小提琴时要注意以下几方面。

（1）确定规格：根据使用者的年龄情况来选择合适的规格，小提琴的规格和适用对象对应下表。规格4/47/83/41/21/41/81/101/16　适用对象男成人女成人　12—15岁　9—12岁　6—9岁　5—6岁　4—5岁　3—4岁

（2）外表检查：中、高级小提琴外观要求完美。琴身是提琴的共鸣箱，任何可见的微瑕都可能使它的音色受到影响。因此要求琴身面板条纹要正直细密，无变色、腐朽、镶补、黑线、涡纹和虫蛀等；背板横纹明显，两边花纹对称，本质优良。

（3）胶合检查：小提琴要求制造精细，各处咬合严密，胶接坚实。用手抓住琴柄，用食指轻敲各处，以发出清脆的“咚咚”声为好，如有其它音响则说明胶合不良，不宜选购。

（4）琴弓检查：先将调节螺丝上紧，看弓杆是否扭曲，如扭曲明显则严重损害音质。弓毛选马尾为佳，若用尼龙所制，拉音平顺也可采用。

（5）试拉检查：用校音器校准各弦音高，经反复多次后，若发现弦轴缠弦与槽底磨接则说明该琴不合格。各弦音校准之后，即可从高音区最高把位至低间空弦进行试拉。在每一音高上仔细鉴听各弦发声的强度、音质，如无明显噪音，四弦发音无明显差别就可以认为该琴达到合格要求。试拉这一项很重要，而每人对音乐的理解程度不同，对噪音的分辨能力也不同，因此最好能请多人共评音质的优劣是对小提琴最根本的鉴别，但只能有具备一定演奏技术，同时又熟知小提琴正确音色的人才有一定把握。

1.音量：声音宏亮，当然是用正确的拉奏方法得到的，可以按着琴的高把位，试拉一下，尤其是G、D两弦，如在高把位上奏出的声音仍能柔和响亮，就说明琴的发音是比较理想的。反之，如发出刺耳的吱吱声，就是琴在配件的安置上有不当的地方，即使是普级小提琴也不能有明显的噪音。

四根弦发音均匀。在小提琴的音域范围内各种频率的强度要均匀，或比较均匀，不应该某一音特别强而另一些音特别弱。尤其是G、D两弦上低频率的音也要响亮。最低的要求也应该四根弦无明显的差别。凡是发音宏亮和均匀的琴，听起来就悦耳动听。否则发音太弱或强弱悬殊，听起来就不好听或刺耳。

2.音色：小提琴因材料、制法、尺寸、琴弦、油漆和装配的差异而在音色上也有很大的不同，高级琴必须具备高音纯净柔美，低音丰满深厚有力，并且要发音含蓄，集中。具体到每一根弦上则要求E弦清晰，明亮，A弦柔美如歌，D弦优雅，G弦浑厚深沉。这样琴声听起来就圆润，优美，没有任何杂音。

3.匀谐：小提琴各把位的五度音必须谐和，不能有差别，普级小提琴也不应有明显的差别。此外，还要求小提琴四根弦发音灵敏，振动传导快，不能有迟钝现象。并且振动要历时悠长，衰减缓慢。上述鉴别方法您如果还不是很理解或熟悉，也可用最方便的货比货法进行选择。

小提琴琴弓的重要性

这是一个和演奏者最为密切的问题，演奏者和弓的关系甚至超过和琴的关系，弓是手臂的延伸，每一个音符都必须由弓的诠释而流露出来，演奏技术的好坏与否与弓的性能是息息相关的，一把性能卓越的弓对您的琴艺有绝对的影响。

琴弓的构造比起小提琴简单多了，但在这简单的构造中有许多条件被严格的要求着，这些条件里有些是相互冲突的，符合某项条件时不得不牺牲另一项功能，例如一把稳定的弓在弦上跳跃的能力必定较弱，一把跳跃能力强的弓其稳定性一定较不好，选择的基准在诠释什么样的曲风，轻快的曲子，使用一把较轻且跳跃能力强的弓可以帮助演奏者发挥更高层次的技巧，较重的弓会使琴声听起来凝重浑圆。

目前制弓的材料有木制，碳纤维，两大类，在价格上木制的比碳纤的高，木制弓又可分为手工及量产两类，手工木制琴弓的售价大约从美金1800元起到6000元不等，量产木制琴弓从130元加币起到1300元加币左右，价格幅度那么大是有它的原由的，最重要是弓身的使用材料，在则是使用配件的材质。碳纤的琴弓是使用模具大量生产，特点是高张力，低价格。

琴弓最重要的是它的张力，两只不同的弓在相同弯曲幅度下能取得较高张力的便是好的，张力高的弓能将弓毛绷的较紧，较紧的弓毛能发出较大的声音，这对专业的演奏家来说至为重要，因为他们必须在演奏听里诠释曲子，偌大的演奏场地如果没有一只好弓，听众无法听清每个音符，紧绷的弓毛也使得大小声的幅度更宽，演奏者能轻易的取得细微的声响到弘大的共鸣。以木弓来说，为了取得更大的张力，弓身的制作在选材上非常严格，可以说材料的质地就决定了弓的性能，量产弓在降低成本的要求下使用的是低张力的木材，这适合入门者使用，但这样的弓在需要一些技巧的演奏时，会另演奏者有挫折感，这样的情形并非练习不足，而是弓的机能不敷要求。如果简单的为了得到更大的张力，那么只要将弓身的直径加大，就简单的能取得张力，问题是它的重量变重了，一只笨重的弓是没法被灵巧操作的，小提琴的弓在重量的要求也非常严格，因为它是由上往下压在弦上，不是像大提琴的弓是由侧面与弦接触。弓的长度也是重要的要素，长的弓虽只长四分之一寸，它诠释曲子时就多了四分之一寸的宽容度，但在制作较长的弓时很难取得应有的张力，较长的弓又具有足够的张力是非常难得的。弓的平衡，将手指当成翘翘板的支点，让弓像翘翘板一样横放在手指上，移动弓身，当琴弓取得平衡的那点就是这支弓的支点，琴弓的支点设定应随使用者手臂长短而移动，移动的方法是增加或减少握把前方缠绕的金属。除了上述弓的前后平衡外，还有左右的平衡，左右的平衡度大部分取决于弓身与弓毛的距离（这里面还有更复杂的因素，此文里不再累述），当弓身与弓毛的间格变大时，移动这把弓就像是骑一辆很高的脚踏车，随时有摔倒的危险，反之则安定，好象是弓被弦吸住一样。弯曲木弓是使用加热的方法，当一块长形木料被切削成弓的形状时，它是直的，木材被加热到一定温度后絁以外力它就会弯曲，就像竹子一般，待冷却后它将保持一定的弯曲度，这弯曲的形状就是张力的来源，严格说来每支弓的弯曲形状都是不同的，这就造成每支弓拥有不同的性格，所发出的声音也不同的原因（发声的要素除此之外，还有许多复杂的因素，此文不再累述）。原本笔直的弓身被弯曲后，在使用一定年限之后将会回复原状，当然不是完全恢复笔直的状态，而是角度变小了，也许目视无法判断，但可从弓不再像以往一样能取得固有张力感觉出来，越好的素材能保持弓身弯曲的时间越久，但通常好的素材密度都非常高（年轮密度高），弓的重量就会比较重，妨碍操作的容易度，这是木弓的宿命之一，寻找符合条件的素材才有希望制成一只好弓，因此找寻好素材也是制弓师傅一项非常重要的工作。

高品质的弓通常在高密度的材料结构下会被制作成较细的弓身，除了重量减轻外，它的重心也变得集中，不似低劣材料的弓有直径大之外，张力不足，重心难以掌握的缺陷。综合上述的要点，选择琴弓的步骤如下：

1、带着您惯用的琴弓及琴，作为选择新弓的比较基准。

2、当多支琴弓整齐的陈列在你面前时，首先比较弓的长度，将较长的弓挑选出来。

3、审视弓身的材质，木材的纤维务必像竹纤维一般笔直从弓尾走向弓头。

4、选择年轮密度较紧密者。

5、将弓毛绷紧（旋转弓尾的转子），使所有琴弓的弓毛与弓身的距离一致。

6、将弓的中央部份与弦接触，施予压力，好的弓能承受较大的压力，同时也能发出较宏亮的声音，这代表弓的张力足够。

7、检查弓的感觉重量，弓的感觉重量并非是它的实际重量，将弓放在精准的秤上，所得数值是弓的实际重量，这和“感觉重量”不同（关于弓的重量容笔者另章选文），择取感觉较轻者。

8、试奏简单的曲目，运弓时不要使用复杂的技巧，简单的运弓下弓的本性较容易显现出来。

9、如果您是一位资深的演奏者，运用您的技巧，让弓在弦上跳跃，在运弓中加上更复杂的要素，感觉手上的弓是否顺手。

10、接下来您要做得不是马上购入新弓，是将头脑里的东西冷却下来，回想刚才的声音，弹性，重量，手感，离开现场找一家可以安静下来的咖啡馆，冷静下来决定是否要购入，不要当场决定，让一杯咖啡来使情绪安定，这绝对是值得的。

11、最后当您要付款时，心中的那把弓必定浮现出来，这把心中的弓一定要非常的清晰，而且坚定，不要参杂其它的因素，例如某个人说怎么个的，切记每一位演奏者的手都是不同的，适合您的弓并非适合他。如果还稍存犹豫宁可再喝杯咖啡也不要匆忙决定。

最后有一项非常重要的补充，那就是不要被弓的外观所迷惑，有些高价的弓是采用黄金或者银金属，这些贵重的材料对声音没有绝对的影响，并非使用了黄金声音就会比较响亮，操作变得容易，当然贵金属增加弓的附加价值，但它并不会增加琴弓的性能，使用不当反而会降低性能，演奏者的琴艺不是加上几公克的贵金属就会显得更杰出。

如何鉴定小提琴的品质

当您买一把小提琴时，您首先面对的问题是：怎样选择？什么才是好的？这样的问题虽不是能够简明扼要的被回答，但只要您能按我们以下教您的方法认真去做，您花高价买次品的可能性就会大大减少。鉴别小提琴一般说来，不仅要有制作上的知识，能够通晓它的工艺过程，并且还应具备一定的演奏技术，才能从材料、制作和音质等方面逐项进行。

一、材料

面板：要用鱼鳞云杉。鱼鳞云杉较其它木材有许多特点，其主要为：

1.本身质地较坚而轻，年轮间（春材）质地很软，但它的年轮（纹理秋材）则非常坚硬，并富有弹性，既能抵抗琴弦的压力又容易振动。所以具有最好的音响性能。

2.传声速度，比其它木材传导振动快而弹性大，它的顺纹传声速度每秒达5166米，比声音在空气中的传播速度（每秒350米）还要快14倍多，所以能使用小提琴发音灵敏，效果好。

3.能对高频率（3000—5000周/秒或以上）的发音产生阻尼作用，（阻尼作用是指振动在木材内的消失现象，由木材分子间相互摩擦而产生）。这是其它木材所不及的。鱼鳞云杉的阻尼作用能随着频率而增加，对频率低的音阻尼小，而对那些小提琴不宜有的高频率泛音（也就是那些与基音不和谐的音），则产生极强的阻尼作用，使它们减弱，从而使琴声悦耳。

高级琴纹理应正直，疏密均匀，纤维组织必须紧密，柔软而富有弹性，不允许有疤节，树脂囊和修补。鱼鳞云杉面板中部年轮数，以每厘米5—8格为优，边部年轮最宽不超过3毫米，在相邻接的20毫米范围内，年轮宽度变化不应大于1.5毫米，整个面板年轮宽度变化不应大于2毫米，每一年轮中的秋材率不大于30%，整个面板年轮间的秋材宽度应相近。实践证明：纹理距离2毫米而且均匀的发音最好。而小提琴音质的优劣关键是对面板的选择。出于对小提琴完美音色的不懈追求，乐和琴弓坊制作的高级琴所使用的面板不仅经过严格的挑选和测试，还都必须是经自然干燥十年以上的优质鱼鳞云杉，也有少量自然干燥五十年的好料，但因资源的日益短缺，五十年以上的老料已经很难得到了。

中级小提琴纹理正直，疏密均匀，不许有疤节，树脂囊和修补。

普级小提琴纹理一般正直，均匀，允许有少量疤节，树脂囊和镶补。

板材必须径切，应使用健康、材质优良和去掉边皮，髓心的木材。

其木材缺陷容许范围如下：

项目高级小提琴中级小提琴普级小提琴斜纹不大于长度的1%不大于长度的1%不大于长度的2%涡纹不允许不允许不超过2处年轮弯曲最大弯曲挠矢不超过弯曲部分长度的1%不超过2%不超过5%局部偏宽年轮不允许不超过2处不超过2处变色不允许不允许非腐朽性的天然和化学变色，涂漆后不应暴露两幅板的色彩要调和。

二、低音梁、音柱、首尾木块、琴角木和衬条（都在琴的腹腔内）均应使用和面板质量相同的材料，可以通过f孔观察

三、背板

要用质地坚硬而富有弹性的槭科的枫木、色木，这些木材的特点：

1.易于振动，传声迅速，对高频率的噪音有阻尼作用。

2.纹理细密，外表美观，径切后现出美丽的横向花纹（虎斑）。

选择标准也应和面板一样，用健康的木材，有些人喜欢用木纹卷曲的料子来制作背板，更多的小提琴使用者误认为琴背板越花，琴就越好，原因是，制琴师们大都喜欢用一块外观很美的背板配合一块音响性能很好的面板，事实上，就背板而言，木纹卷曲的材料其音响性能不如木纹顺直的材料，而一只琴的优劣是以它的声音来鉴定的。乐和琴弓坊坊主王念祖先生在日本学习期间就见过几只收藏的名琴，背板没有花纹，锯切的也很随意，甚至有几只名琴背板上有几处不小的疤节，可琴的声音却美妙无比，对于背板的作用各说不一，王先生认为重要的是树龄是否老成，顺纹纹理宽度是否均匀，材质健康，颜色统一，自然干燥的时间是否够久。目前乐和使用的背料都是经十几年自然干燥的上好枫木，因为储备充足今后的用料将越来越年代长久越好。背板在整个小提琴上的作用虽然不如面板重要，但它还是有一定作用的，它使小提琴有一个固定的空气容积。

当面板振动时，通过音柱，侧板和琴内空气的传导，背板也随之振动，从而使琴声得到加强，特别是使G、D两弦的发音强而有力，同时背板担负了许多来自四根弦产生的力量。实验证明，如果小提琴不装背板（也就没有空气容量）仅在原来背板的位置上装一木条而将音柱支在面板与木条之间，琴声就会明显减弱，音色也会随之改变。此外，背板本身的振动虽然微弱，但在高频率音域内也会幅射声波。背板厚薄的不同以及它与面板是否配合得当，都会影响小提琴的音质，这些都阐明了背板的重要。

背板也和面板一样，多采用双幅对拼做法，也常见到独板的背料，那是因为该块材料因树身巨大而选料时能切出独板，必须指出的是，用双幅对拼或用独板制作，对琴的声音没有多大影响，琴头和侧板应使用与背板相同的材料。背板的木材缺陷的容许范围与面板相同。侧板、琴头及马子均使用和背板材质相同的木材。

四、两种琴型的辨别当今世界公认最好的两种琴型：

斯式琴的特点是：琴身上部较为窄而小，下部较为宽大，中部弯度稍深，不仅轮廓相称，线条也美观。琴板宽大平坦，弧度极微，中间厚，渐而向四周扩张地薄下去，边部近侧板处最薄，由于面板厚薄适度，所以极易振动。斯式琴发音强而有力，音响宏亮，音色优美，传远效果极好。人们常用圆润、含蓄、丰厚和纯净等词句来形容它的音色。

瓜式琴的特点是：琴板弧度不大，较为平坦，面板中间与四周的厚薄相差微小，琴身的上部和中部比斯式琴宽阔，中腰弯度较圆而不深。琴角也不象斯式琴那样凸出，琴身下部较窄，音孔开得较长而式样别致，琴头较大而式样雄壮，因为瓜式琴只重视琴的发音效果，所以琴的外表美观上略逊于斯式，但琴板振动强烈有力，发音深厚宏亮，传远效果特好。乐和只按照斯式和瓜式的尺寸制作小提琴。

五、工艺

小提琴制作的工艺要求很高，所以机械加工只能生产最廉价的普级琴，所有的好琴都是手工制作的。选择时应注意如下几点：

1.整体线条是否流畅，均匀，棱角圆滑适度。

2.侧板与面、背板胶合边是否整齐宽窄一致。

3.琴头及指板是否正直。

4.指板高度是否正确（调准弦后，指板下端切面外弧与面板中缝21毫米±1）

5.背板花纹是否对称。（对高级琴而言）

6.板面弧度和音孔位置是否左右对称。

7.琴板中缝胶合是否严密，无黑线。

8.镶线是否工整，涂漆色彩雅致，匀净，表面平滑光亮，光泽透底，木纹显露。

9.琴身胶合是否牢固，最简便的方法是用一只手拿稳琴颈，另一只手用指关节。

轻叩琴身面板四周，听其发出的声音，如所发的音响为咚咚声，即为胶合情况良好，若发出的是壳壳声，就证明有脱胶现象。

高级小提琴，应使用油溶性天然树脂清漆，中、普级小提琴可使用醇溶性天然树脂清漆，合成树脂清漆。

六、琴弦就提琴所使用的弦而言，应该说这是国内尚属薄弱的一个环节。一方面是个把位的音准不是很精确，再就是音色方面的问题，都还有待大家共同去研究和解决。

乐和琴弓坊目前出品的中档以上小提琴，均采用DOMI⁃NANT和PIRASTRO这二种国际名牌，以保证产品的音质。

七、弦马

弦马是提琴上一个很微妙的配件，其材质直接影响琴音质，因此必须选用材质优良的弦马。当然，制作上与琴的配合也是很重要，乐和琴弓坊目前出品的中档以上小提琴均采用法国DeLuxe弦马。

小提琴的保养

一、小提琴保养须知

1.梅雨季节应适当将琴弦放松，弦轴受潮拧不动时不可强拧，应待其干燥后再拧。

2.琴身上不可积松香和尘土，取琴时要握琴脖。

3.皮制琴弦忌干燥，要保持其油性；金属琴弦则应放于干燥处。

4.经常使用的琴，弦定紧后不必放松。

5.琴弓不用时不可上得太紧，以免失去弹性。

6.小提琴不用时应用布套或盒装起来，以防落入灰尘。

7.受潮而出现白色斑点，应用湿毛巾擦拭，然后涂上一层白蜡，再用绒布擦亮。

二、琴声的保护

（1）小提琴用过之后，应该用一块干而软的布揩去指板、琴弦及琴身上的松香末，以免其久积在琴上影响发音及演奏的便利。

（2）小提琴在使用较长时间后，琴腹中会积聚不少灰尘与松香末，故每隔相当时间应清除一次。方法是将一把洗净晾干的米粒从音孔撒入琴腹，前后左右摇晃琴身，然后将沾了灰尘的米粒倒出即可。

（3）小提琴应放在阴凉干燥的地方，防止受潮开胶。在霉季琴弦可略放松。

三、弓的保护

（1）弓用过之后应揩去弓杆上的松香末，并将弓毛放松，以保持弓杆的清洁及弹性。

（2）用弓时，弓毛的松紧度要适中。拧得太紧，有损于弓的弹性，演奏起来也不灵便；太松，稍加压力毛就帖在弓杆上，会影响发音，并且不便于拉奏。

（3）不要用手角触模弓毛，以锡弓毛沾染汗水和油污后，擦不上松香。

（4）松香不宜擦得太多，否则，发音易噪杂。

调整琴弓的适度松紧

学小提琴弓要绷的多紧才是适当的呢？在诠释曲子当您用到G弦，又想要在G弦上发出声量，此时就是您的弓承受最大压力的时候，在这个点上，您的弓必须绷紧到不被最大压力压至弓身碰到弓毛。当您做跳弓动作，瞬间弓身弹力解放再回到弦上时，弓身不会碰到弓毛的紧绷程度就是您所需要的。要达到上述两点要求，有的弓依然是弯曲状态，有的弓却绷得弓身与弓毛成为平行状态，这明显的显示了弓身的张力。有力气的弓在弯曲的状态就能得到要求的张力，没力气的弓却要将弓身与弓毛拉的很开才有张力。弓身与弓毛的距离越小，触弦的感觉越清楚，距离越大越模糊，尤其在跳弓时其中的差别就会非常明显。

弓在上下移动时较低的弓高（弓与弓毛的距离较小），是弓身左右稳定的重要因素，不要将弓绷的太高有助于安定的拉奏。如果您拥有一把够张力的弓，在所需最大弓压下尽可能的将弓保持最低弓高（缩短弓身与弓毛的距离）。如果您的弓必须要绷到与弓毛平行才够力气承受手部来的压力，那么建议您找一位师傅将弓重新火调整曲度，找回这把弓往日的丰采。

小提琴的音律

小提琴的音高标准到底是采用纯律，还是五度相生律，争议很大。但有一点是肯定的，它不采用12平均律。然而这三种律的区别是很微小的，对于业余爱好者初学时，也不必太较真。近年来的研究者称，很多小提琴家演奏时接近5度相生律。而约阿希姆演奏时用纯律，奥伊斯特拉赫演奏接近12平均律。如果演奏时可以采取不同的律制，那么调音时，是用五度相生律还是纯律，就应该都允许的。我甚至认为一开始不会调弦时，如果身边没有老师，就是用12平均律的钢琴来对音，也未尝不可。张世祥先生也说过：“只要象钢琴那么准就行了”。12平均律怎么说也是一个律制的基础。我不具备绝对音高的能力，因而在调弦时，一般是先用钢琴对准四条弦上的音，然后再用5度双音从4弦起对准其它的弦，也不知道算什么律，呵呵。对于专业人员来说，必须研究复杂的律学，但现在世界上的所谓的律制也并不能说是尽善尽美的，它还有待于完善和发展。并且，律制研究太细了，就变成了物理学，而不是音乐了。因为律制中的音高更主要的是听觉问题。下面收录一篇kk以前的文章《不同乐器的律制协调问题》（转自乐器论坛）感到作为律制学习的入门，还是有一定的教益的。律制，是指音阶中各个音的频率分布方式，是音乐和音乐声学实践中的重要课题。长久以来，小提琴、大提琴等无品弦乐器可以演奏连续的各个频率，为了发声纯和使用纯律调音；钢琴等键盘乐器和吉他等一些有品弦乐器不能演奏连续的各个频率，为了传调方便，采用十二平均律调音；此外某些民族乐器采用五度相生律调音。这样一来的结果是，对于同一个音在各种律制中的音高（频率）不同，在不同调音方法的乐器上演奏时会略有差别。当乐器互相协奏时，这种差别就暴露出来。如何使各种乐器具有相同的音高，就成为音乐实践中的现实问题。

钢琴和弦乐使用不同的调音体系（平均律和纯律），那么在合奏时怎样才能使两者配合和谐？

这个问题也许有点奇怪，但却是很难。如果你在一个美国教授的课上提出这样的问题，教授大概会说：“Goodques⁃tion！”，这可能有两种意思，一是你的问题确实是个好问题，二是你把教授难住了。在我看来你的问题既是个好问题，也有可能把很多教授难住。这个问题困扰我很久，曾就此请教过很多专业人士，包括国内两个指挥，但都被含糊其辞过去，说是差别实在太小，很难听出来，但事实上这并不难听出来。除了弦乐和钢琴，乐队中弦乐和管乐也存在同样的问题，再想一想若是钢琴协奏曲，岂不是热闹到顶点了！三个不同的律在同时使用！我学琴时，老师曾说过，升C和降D不是同一个位置，升C更靠近D，而降D更靠近C，为的是产生小二度那种尖锐的效果，或者换一种说法，半音要向主音靠拢。在拉双音时，有时两个音单独拉是准的，而合在一起则要有所调整才能保证出来的和声是准的。半音在上行时用升号，在下行时用降号。

钢琴用的是平均律，弦乐用的是纯音律，小提琴和钢琴调音时只调A弦，其余三根弦则依照五度的关系调音，如果G、D、A、E四根弦都和钢琴调，那小提琴的音就不准了。所以“调音时，小提琴的A音一般都调得稍稍高一点点，这样其余三根弦和钢琴的音就会更靠近。演奏时，当小提琴是主要旋律时，应使用纯音律，这样听起来会很好听，而当小提琴和钢琴奏时、或当二者构成和声时，小提琴则必用平均律。”事实上，钢琴和弦乐器合时，弦乐器越多，音准问题就越大。弦乐在自己合时当然用的是纯音律，但即使这样，相互之间也得注意相互靠拢。“弦乐应该是能三种律都能拉的，演奏交响曲时和弦乐与钢琴合奏的原则很相象，在演奏和声、复调、转调时，弦乐一定要向管乐靠拢，弦乐为主旋律时则可用纯音律”一个好的乐队不仅在律上要相互靠拢，声音上要相互协调，弦乐器在揉弦时都得一致，这时个人高超的技艺以及经验就显得十分重要，当然指挥的作用就更大了。音乐的律学是很复杂的一门学问，牵扯的方面很多，有心想做更多了解的朋友不妨看看相关的书籍，或读一读刘德庸先生的书。

需要是加上管乐就更热闹了。单簧管是以5度为基础的。其它木管乐以8度为基础，不知道对音高有没有影响。管乐在没活塞时代只能吹标准泛音列（其它音用手塞在喇叭口，降低音调），这和五度相生比较接近，可是在高音区同纯律或平均律有时差得相当大了。活塞加上之后什么律都算不上了。可能更多要靠演奏员的经验了，不过人的耳朵可以被骗过去。

纯律和五度相生律（中国的三分损益律）并不完全一样。五度相生是依据五度（弦长之比为三比二）一步一步产生下一个音，产生的办法有好多种，到最后回不到起始音（这个差别叫毕达哥拉斯音差）。而纯律则是根据一个弦长的最简单的几个分数对应表生成的，只有8个音，分别是：1/1、8/9、4/5、3/4、2/3、3/5、8/15、1/2，可以认为是最“纯”的。

非常严格地讲，纯音律和五度相声律并不完全一样，纯音律“所有的音程均源于自然的纯五度及自然的纯三度”，在小提琴演奏中，升C更靠近D，而降D更靠近C，“并不是纯律的使用”，二者的差别确实太小。

十二平均律：十二平均律是将八度分成12个均等的部分—半音，也就是将一个八度内的十二个半音的频率按照等比数列排列起来形成的律制，任意两个相邻半音的频率之比都是2的12次方根。十二平均律早在古希腊时代就有人提出，但并未加以科学的计算。第一个用数学方法制定出12平均律的是我国明朝的音乐家朱载育（1584年）。在西方，平均律的实践产生于17世纪中期，1791年萨克森风琴师威克马斯特进行了理论总结，18世纪初期陆续有一些使用平均律中各个调性创作的键盘音乐集问世，其中影响最大的是巴赫在1722年和1724年创作的两卷《平均律钢琴曲集》。这一作品展示了平均律的最大优点：可以在键盘乐器上自由的转调而不失音准。

五度相生律：五度相生律是把构成纯五度音程的两个阴频率规定为2：3所制定的律制。中国古代的一些弦乐器用所谓“三分损益法”来调制五度相生律，即一根弦去掉其三分之一（“三分而损一”），剩下的2/3发音频率为全长的2/3，即为原来音上方的纯五度。由此逐个推算，可以得到音阶中的各个音的音高：bC—bG—bD—bA—bE—bB—F—C—G—D—A—E—B—#F—#C—#G。由此制定出来的各个音，与平均律中各音音高不同。E—F、B—C之间虽然也是半音，但比平均律中相同的音程小；其余两音之间虽然为全音，但比平均律相应音程要大。

纯律：纯律与五度相生律不同的是，除了规定纯五度音程频率之比为2：3以外，同时规定构成大三度的两个音频率比为4：5，这样制定出各个音高。纯律的最大优点是因为各音的频率之比都是简单的分数，因而声音最为纯和，提琴族无品弦乐器使用纯律调音。但纯律转调不方便，转为远关系调时容易失准；而且不能演奏具有较多升降记号的调性，例如升C大、小调。

解密名琴制作

意大利小提琴制作大师安东尼奥·斯特拉迪瓦里制作的小提琴世界闻名。美国得克萨斯农工大学匈牙利裔科学家约瑟夫·纳吉瓦里对斯特拉迪瓦里小提琴研究多年后发现，虫害和无名药师相助是名琴音色出众的关键。他的研究结论发表在11月30日出版的英国《自然》杂志上。

一、解密名琴

3个世纪前，在意大利北部克雷莫纳小城，斯特拉迪瓦里制造出世界闻名的小提琴，它拥有非同寻常的完美音色和音质。

此后，无论音乐史学家、乐器工匠，还是化学家、药剂师，一直试图揭开斯特拉迪瓦里名琴之谜。人们曾对名琴制作秘诀展开各种各样的猜测：斯特拉迪瓦里是不是使用了一种特殊胶水？他用的木料是来自古老教堂，还是欧洲年轮密集的古树？

纳吉瓦里带领一个小组展开研究。他们抓住乐器维修的宝贵机会，得到从5把古老提琴上刨下的刨花，利用红外线光谱技术和核磁共振技术仔细研究。

5把提琴包括斯特拉迪瓦里1717年制作的一把小提琴和一把大提琴、克雷莫纳另一位乐器制造师瓜尔内里·德尔杰苏1741年制作的一把小提琴、冈·贝纳代尔19世纪40年代在巴黎制作的一把小提琴和伦敦人亨利·杰伊1769年制作的一把中提琴。

二、防蛀处理

纳吉瓦里小组把这些刨花与产自波黑和欧洲中部地区的枫木进行比较。当时，工匠们在用这些枫木制作乐器前，都会对木料进行浸泡、煮、烘烤等工序。其中，3把在克雷莫纳制造的提琴有迹象显示，它们都经过化学处理，其余2把则没有。

在接受法新社记者采访时，纳吉瓦里说，木料经过何种化学物质处理，还有待进一步研究。但是，他凭经验推测，17世纪时，克雷莫纳人常使用金属氧化物给木头做防腐处理。

纳吉瓦里猜测，这些化学物质不仅被名琴制造师斯特拉迪瓦里和德尔杰苏使用，家具制造商也会用到。“因为克雷莫纳当时曾出现过一次大虫害，”纳吉瓦里说，“因此，工匠们要么在特殊地方进行木料加工，要么用一种矿物粉处理木头，对其进行泡煮，以便杀死蛀虫。”

如果不杀死木头中的蛀虫，木头将会逐渐毁坏。纳吉瓦里相信，这种药物不仅能预防蛀虫，同时还能改善木料的振动能力，使得斯特拉迪瓦里小提琴拥有圆润、优美的音色。音响学专家称赞其“杂音小”，小提琴演奏家则表示低音区“毫无恼人、沙哑的音色”。

三、清漆涂层

除了防蛀处理，提琴表面坚硬的清漆涂层也是名琴音色出众的关键。漆料含有水晶粉末，涂上这种漆的木头对蛀虫没有多大吸引力。

提琴涂料除具有一般涂料的保护和装饰性能外，还有其声学性能。这层涂漆处理，使得斯特拉迪瓦里小提琴高音音色清纯、明亮，表现不凡。

提到漆料，纳吉瓦里说：“实际上，斯特拉迪瓦里小提琴的诞生还有一位幕后英雄。”当年，曾有一位不知名药商专门制造这种漆料粉末，制作过程还不得不接触到有毒化学物质。可惜的是，这名药商年仅30岁就离开人世，去世时穷困潦倒。

3.瑟

瑟是中华民族最古老的弦乐器。瑟的起源十分久远，在考古发现的弦乐器中所占的比重最大。它的出土地点集中在湖北、湖南和河南三省，并且绝大多数出自东周楚墓。其他如江苏、安徽、山东和辽宁等省，只有一点零星发现。

文献记载“庖羲氏”作瑟。传说在夏代已经有瑟了。甲骨文上的“樂”字，上面就是“丝”字，下面是一个“木”字。瑟要用弦，那么瑟的产生应该在蚕丝出现之后。瑟弦的原料，至少有能够巢丝的技术才可能制出弦线。先秦前后的弦乐器就是琴和瑟。另外一个推测，像琴瑟这一类乐器，可能和狩猎的弓弦有关。当然，弓弦的原料也可以用牛筋或其他动物的皮筋条制作。我们在1984年复制的曾侯乙墓出土的瑟，最粗的几根低音弦，用的就是牛筋弦。

我国最早的诗歌总集《诗经》有多次关于瑟的记载，如“琴瑟友之”、“鼓瑟吹笙”等等。瑟是用来作为《诗经》的主要伴奏乐器。元代音乐考古学家熊朋来“瑟谱”中指出，“古者歌诗必以瑟”《论语》三言瑟而不言琴。古代的礼乐：仪礼、乡饮、乡射、六射、燕礼，堂上之乐，唯瑟而已。春秋战国时期无论中原大地，还是南方楚国，瑟这件乐器都十分流行。

周、汉时期的古瑟，考古发掘中多有发现。湖南长沙浏城桥一号楚墓（约为春秋晚期或战国早期）出土瑟，是目前所知年代最早的实物。河南信阳、湖北江陵等地楚墓、湖北随县曾侯乙墓、长沙马王堆一号汉墓都出土有瑟，弦数二十三至二十五弦不等，以二十五弦居多。

古瑟形制大体相同，瑟体多用整木斫成，瑟面稍隆起，体中空，体下嵌底板。瑟面首端有一长岳山，尾端有三个短岳山。尾端装有四个系弦的枘。首尾岳山外侧各有相对应的弦孔。另有木质瑟柱，施于弦下。曾侯乙墓共出土瑟十二具，多用榉木或梓木斫成，全长约150至170、宽约40厘米。通体髹漆彩绘，色泽艳丽。

春秋至秦汉以来出土古瑟以数十计，但多残缺不全或柱位不详。惟长沙马王堆一号汉墓出土瑟保存完好。

弦虽腐朽变质，仍保持在原位上，柱的位置也比较清晰，为我们了解古瑟的张弦和调弦提供了直接的物证。此瑟二十五弦，由三个尾岳分成三组，计内九、中七、外九。内外九弦的柱位排列较为规则，定弦的音高相同；中七弦的柱位较为紊乱，但也隐约显示出，它与内九弦做音阶级进的连接。从各柱位有效弦长的比例推算，可知它按五声音阶调弦。

上述古瑟至南北朝时期失传。唐宋以来文献所载和历代宫廷所用的瑟，与古瑟在形制、张弦、调弦法诸方面已有较大的差异。宋末元初熊朋来（1246～1323）曾编撰《瑟谱》六卷。书中记述了瑟的形制和演奏法，并有歌唱诗经的旧谱十二首和他创作的新谱二十首，以及孔庙祭祀音乐的乐谱。当时的瑟，首尾各有一长条岳山，两岳山外侧有数目相应的弦孔，依次张弦。共二十五弦，音高按十二律吕排列。正中一弦（第十三弦）不弹，其余二十四条弦可奏两个八度音程的二十四个音。以右手弹“中声”（低八度音区）；左手弹“清声”（高八度音区）。左右手也可同时弹奏高低八度的和音。基本指法是大、食、中、无名各指分别向内外方向拨弦。名为擘、托、抹、挑、勾、剔、打、摘，共八种。后世定弦法略有变化，正中一弦也可弹奏，按五声音阶或七声音阶定弦。左手在必要时可按抑柱左弦段而取变化音。

中国艺术研究院音乐研究所收藏清代早期瑟一具。长207、宽43厘米。二十五弦。通体髹黑漆，描绘金色花卉图案。本世纪三十年代，上海大同乐会曾改革制作两具瑟，一具五十弦，名“庖牺瑟”，将传统瑟的单柱（一柱支撑一弦）改为连柱（七或八条弦共用一柱），在岳山外采用活轸，以便于调弦。另一具为百弦大瑟，采用双排连柱交插支弦的方法排列弦位。在增加瑟的音量、改善音色和方便演奏等方面均作了有益的探索。

瑟一般有三种构造的制作方法，其一，用整木掏雕成瑟体，在另装底板，安插其他部件。这是比较原始的制造方法。春秋时期至战国早期楚瑟多用此种方法；其二，瑟面板用独木制成，四周另围薄墙板，此类性质比较多见；其三，完全采取拼合的方式，即不仅底板、墙板以木板拼成，连瑟的面板也用多块木板拼合而成。瑟首尾两端髹漆。瑟面大多光素，少数绘有变形凤鸟花纹、几何纹。在江陵楚墓中常出现有一种用整木做成的瑟。中部比两侧板要高一些，两顿略宽。底部底板两端各挖一凹槽，无共鸣箱，也有的瑟底部中间挖一长方形凹槽，以散音。

谈到瑟的工艺，我们一定要了解瑟的外观纹饰，装饰华丽。楚人是非常喜欢瑟的。出土的各地方的古瑟都有彩绘精致，以及各种形状浮雕的外表。最具有代表性的是河南信阳长台关楚墓出土的几件彩绘锦瑟（长台关锦瑟纹饰图）。该瑟首尾和两侧均涂以黑漆，中部为素面，岳山上绘菱纹，两侧的黑底上则涂以对称的连续金银彩的变形卷云纹，在首尾两部及其旁侧立墙板上还绘有精致的系列图案，即有射猎图、出猎图、巫师图、巫师持法器图、巫师戏蛇图、巫师戏龙图、群兽图、群兽图、燕乐图、默祷图、缚兽图等，并将猎人、伎乐人、贵族、巫师等各种人物形象及各种动物描绘得栩栩如生。

4.三弦

三弦：又称“弦子”，我国传统弹拨乐器。柄很长，音箱方形，两面蒙皮，弦三根，侧抱于怀演奏。音色粗犷、豪放。可以独奏、合奏或伴奏，普遍用于民族器乐、戏曲音乐和说唱音乐。

历史发展

三弦源于古时的弦鼗，元朝时是元曲的主要伴奏乐器。

明清以来三弦极为盛行，主要用于说唱曲艺伴奏。

明代以后，文献记载渐多。明朝王圻《三才图》中的三弦图的形制与今相同。明初，三弦已流传南方各省，江、浙、闽尤为盛行，主要用于北方小曲、杂剧的伴奏。万历年间，江南三弦名家张野塘曾设计一种音箱圆形的小三弦，音乐柔和清宛。

明初福建有36姓人迁徙琉球，多携三弦而行，自此冲绳就有了三弦，琉球称它为“沙弥弦”。1562年（明嘉靖年间），三弦从琉球传入日本。并发展为大、中、小三种形制，共鸣箱蒙以猫、狗皮，并用大拨片弹奏，在日本叫做“三味线”，至今仍为日本声乐曲组歌伴奏，称为“三味线组呗”。

明清两代广泛流行于城乡的《弹词》，其名称就因用弹弦乐器伴唱词话而得名，《清稗类钞》说。“《弹词》家普通所用乐器，为琵琶与三弦二事。

约在19世纪中叶，河北高阳县唱“木板大鼓”艺人马三峰把小三弦相应扩大成大三弦，受到北方说唱艺人的欢迎，从此大三弦就流传开来，与小三弦并存。从而使三弦在伴奏说唱音乐方面，形成南北不同的风格。大三弦多用作北方各种“大鼓”曲种的伴奏乐器。而南方的弹词类说唱和昆曲等戏曲乐队、民间合奏等艺种则多般选用小三弦。

清末创造了“三弦弹戏”，能用弦音模拟当时著名京剧演员的唱腔，甚至还能奏出人声、军马声和禽兽飞鸣的效果。民国初年又将“三弦弹戏”发展成“三弦拉戏”，改弹拨为弓奏，与今日的坠琴、擂琴演奏卡戏相似。

现在全国各地，三弦广泛被采用，是说唱曲艺、地方器乐、少数民族歌舞乐之重要乐器。根据统计，全国最少有五十二种以上曲艺、六十种以上戏曲、四种以上少数民族乐种，采用三弦为主要乐器。

音量和技巧

三弦的音量较大，音色浑厚，变化的幅度较大。分小三弦与大三弦两种。北方各种大鼓、单弦等曲艺，多用大三弦伴奏，南方的弹词类曲艺、昆曲等剧种和丝竹类器乐合奏，多用小三弦。

三弦的演奏技巧很多，有弹、挑、双弹、双挑、扫、轮、搓等。

三弦的构造

三弦的构造较简单，可分为琴头、琴杆和琴鼓三部分，由琴头、弦轴、山口、琴杆、鼓框、皮膜、琴马和琴弦等组成。多呈铲形，是三弦的装饰部分，一般都嵌有骨花或雕出纹饰，中间开出弦槽，槽侧开有弦轴孔，三个弦轴置于琴头两侧。琴杆为半圆形的柱状体，平滑的表面是三弦的指板，上端嵌有山口，下端呈方形插入琴鼓中。琴鼓又叫鼓子或鼓头，是三弦的共鸣箱，它是在略带椭圆形的鼓框上两面蒙以蟒皮而成。琴马置于蟒皮中央。琴弦使用丝弦或钢丝弦，从高音弦起依次为外弦、中弦和内弦，外弦用子弦，中弦用二弦，内弦用老弦。三根琴弦的一端都系在琴鼓下面的菱形木壳上，另一端分别卷绕在三个弦轴上。

三弦的制作

琴鼓两面蒙皮可用蟒皮、青花白地者最佳。指板的工艺直接关系到三弦的发音和使用，其长度决定有效弦长；宽度影响到演奏技巧的发挥；厚度涉及变形问题。山口至下端的凹形槽，关系到演奏时的力度变化，并能防止出沙音。

琴头是三弦的装饰部分，上部多为扁铲形，顶端较宽并向后呈弧形弯曲，其上雕刻花纹或镶嵌骨饰，也有上部为如意形、雕饰大顶花，下部中间开有长方形通底弦槽，弦轴呈圆锥体，用红木、花梨等比琴杆稍硬木料制成。

三弦的使用

三弦是一种用途很广的弹弦乐器，它不仅可以独奏和参加民族乐队合奏，还多用于说唱和戏曲的伴奏，尤其在说唱音乐的伴奏方面，演奏技巧已发展到较高水平。在北方，各种鼓书，如京韵大鼓、西河大鼓、梅花大鼓、山东大鼓、东北大鼓、乐亭大鼓、京东大鼓、北京单弦、天津时调和陕北说书等，以及曲剧、吕剧、豫剧、山西梆子、评剧和京剧等，三弦都作为主要的伴奏乐器。在南方，多用于江南丝竹、广东音乐、福建南音、常州丝弦、十番鼓和十番锣鼓等乐种的器乐合奏，昆曲、越剧、粤剧等地方戏曲和评弹等说唱音乐也都少不了三弦。三弦因琴鼓两面都蒙以皮膜而声音特别独特动听，演奏三弦时采用坐姿，两腿自然分开，左腿稍向前伸，或将右腿搭在左腿上，琴鼓置于右腿上，琴头斜向左上方。左手轻扶琴杆，用食指、中指、无名指按弦，手势呈龙爪式，右手用拇指、食指持拨片或戴骨制指甲弹拨琴弦发音，其余三指握于手心，也可用五指弹奏。三弦有多种定弦法，民间一般定成“硬中弦”或“软中弦”两种，而以“硬中弦”最常用。“硬中弦”是中弦与里弦为五度关系，外弦与里弦为八度关系；

“软中弦”是中弦与里弦为四度关系，外弦与里弦为八度关系。民族乐队或独奏，三弦也定成“硬中弦”，如定成C、G、c,D、A、d、或G、d、g等。音域一般为三个八度。三弦的音色，高音坚实清脆，中音明亮圆润，低音丰满浑厚。音量较大。左手技法有板、粘、揉、扣、滑等，右手有弹、挑、双弹、双挑、滚、分、扫、砸、搓儿等技法。可自如地演奏大、小三度，纯四、五度和八度等双音，还可演奏三音组成的和弦，并可转调演奏。由于三弦琴杆无品，弹奏旋律时音域间高低变化自由，可奏出各种滑音，因此在所有的说唱、戏曲和歌唱伴奏中，都能很好地起到衬托作用，尤其在转调和演奏有半音的乐曲时更为灵活，最宜于演奏抒情的旋律和激昂的曲调，具有丰富的表现力。

小三弦，分称“曲弦”和“评弹小三弦”，“曲弦”因以前伴奏古典戏曲“昆曲”而得名，现流传在南方，所以也有“南弦”之称。它是高音乐器，音色明亮而清脆。适于为昆曲、京剧、豫剧等地方戏曲伴奏。“评弹小三弦”多用于南方的评弹等说唱音乐的伴奏和江南丝竹、十番鼓、十番锣鼓等器乐合奏，虽同属小三弦，广东音乐、昆曲和苏州评弹中所用的又都有差异，它们分别适应于各自的特色。

大三弦，又称“书弦”或“大鼓三弦”，是蒙古、满、汉等族弹弦乐器。大三弦有三根弦，有指板，无品位；用左手按弦，右手拇指、食指带假指甲演奏。

一、定弦、音域与音色

大三弦可随演奏乐曲的调定弦，最低可定为D、A、d；最高可定为G、d、g。无论哪种定弦，它的音域都有三个八度。按实际音高记谱。大三弦音色苍劲、雄厚，细腻而丰富，穿透力较强，个性突出。

二、转调

定好一种弦后，可较方便地演奏四个宫系的调，熟练的演奏员还可作更多的转调。定弦D、A、d，可奏D、G、C、F四个调。其他A、（b）B、（b）E也能演奏，但难度较大。定弦G、d、g，可奏G、C、F、（b）B四个调，其他D、（b）E、（b）A三个调难度较大。

三、演奏技巧

大三弦演奏技巧及其符号标记与琵琶基本相同。如左手的进、退（绰、注），有时也用打、带起、吟（揉）、推、拉、擞、泛音等技巧；右手的弹、挑、滚、双弹、双挑、分、划等技巧（请参阅琵琶的有关部分）。

“周万春”已善制三弦而闻名与江南一带，特别是“评弹小三弦”，深受广大评弹专业演奏员和爱好者的喜欢，在评弹界享有很高的声誉。著名评弹艺术家徐云志特别为周万春乐器号编写弹词开篇在每场演出前宣传演唱。“周万春”的三弦及二胡已被多家博物馆及器乐爱好者所收藏。

5.吉他

吉他的传说

有关吉他的起源，曾有过一个美丽而神奇的传说：阿波罗（APOLLO）正追逐着一位美丽的少女。他不断讨好地向他喊道：“别累着！别累着！我保证不会追你！”最后，他还是追上了这位少女，并把她抱在自己的怀里。少女拼命地向她的父亲呼救，父亲立刻把她变成了一棵月桂树。于是，阿波罗就用这棵树的木头作了第一把吉他，并将这把吉他作成了宛如女人身躯的优美曲线外形。难怪吉他这种乐器具有一种特别的韵味：时而热情奔放，时而柔和甜美，时而又缠绵悱侧，令人魂牵梦绕，心醉神迷。

当然，这只是一个美丽的传说了。要想从远古文明中去发掘吉他的起源并不是一件容易的事。

目前还无法确定人们是从什么时候开始用“吉他”这个字眼来定义这种具有独特声、形的乐器的。吉他在阿拉伯文中叫“KITARA”而阿拉伯文的这个名字则来源于希腊文的“KITHARA”，即“希他拉琴”（吉他拉）中国字“吉他”原为英语“GUITAR”的译音，是近代各国普遍使用的名称。“TAR”出自梵语，在波斯（今伊朗）及北印度，是“弦”的意思。梵语“4”叫“CHATUR”现代的波斯语叫“CHAR”，于是“CHARTAR”这个字的组合即为“四弦乐器”之意。QUITARRA（吉他拉）为西班牙古语，今日西班牙又称吉他为GUITARRA；法语为GUITARE，德语GITARRE，意大利语CHITARRA，葡萄牙语RIOLAO。

关于吉他的起源一直存在着大量的推测，而且为证明它在欧洲的存在，人们也提出过种种理论。普遍的说法有两种。一种说法认为：吉他起源于古希腊的吉他拉琴（KITHARA）—理由是“吉他拉”和“吉他”具有共同的语源关系，后来演变成维卫拉琴（VIHUELA）在欧洲流行。维卫拉琴是一种平背的弹拨乐器，用手指端来演奏，表现风格典雅优美，与今天的古典吉他相仿，通称拉丁风格，具有平静的艺术效果。还有一些学者宣称他们在早期美索不达米亚与安纳托利亚（ANATOLIA）的长颈琉特中找到了吉他。在埃及也发现了稍后时期的所谓的哥普特（COPTIC）琉特，它们那些有雕刻的共鸣箱往往带有平面的背板和侧板，由此也被认为是吉他的祖先。这种琉特琴后来由阿拉伯摩尔人（MOOR）传入了欧洲。

一个长期有争议的问题是：吉他是从欧洲本地的乐器发展来的，还是从阿拉伯传到中世纪欧洲的那些乐器之中发展来的？

后世从考古学上所获得的鲁特琴资料，来自于波斯、印度及中亚。例如，学者们在肯达拉的石雕上，发现了公元前一世纪到二世纪的两种鲁特琴。第一种和欧洲的鲁特琴及中国的琵琶外形相似，即所谓的梨型（PEARSHAPT）乐器；第二种鲁特琴的响胴中央变细，与现代吉他极为相象，唯一不同之处就是它的响胴与棹柄的区分不明显。图8所示的鲁特琴，没有使用匹克，而是用右手指直接拨弦。这石雕成为后世研究吉他起源的宝贵资料。此外，比这种肯达拉的鲁特琴更象欧洲吉他的鲁特琴，也被发现于西尔库罗多的古屋里，描绘在巴基斯坦的一块叫米兰的石墙上。这块壁画很明显地受到肯达拉艺术的影响，经鉴定完成于公元三世纪。因此，我们可以确定，从一世纪到三世纪，肯达拉到巴基斯坦地区，已经开始使用吉他型的鲁特琴了；而它们所产生的年代，不正暗示了这种吉他型的鲁特琴是从肯达拉传入米兰的吗？

这此鲁特琴都比前面所提到的埃及鲁特琴更接近于吉他。因此，我们可以推定，如果欧洲的吉他和鲁特琴同样是从阿拉伯人的手中传入欧洲的话，那么这种吉他的原型乐器应归属于埃及的鲁特琴。因此，我们又可以推定它是经过印度到波斯一带的地域而传入欧洲的。但是，这些鲁特琴和欧洲的吉他比较起来，无论是在年代还是在地域都有很大的出入，因此还有待于发掘出更为有效的资料。

另一方面，公元一世纪在肯达拉出现的鲁特琴的祖先，也是非常原始型的鲁特，它被发现于公元前八世纪古波斯的斯沙文化及公元前十世纪后期的米开内文化。根据这些发现，我们便可了解到，古代文明的鲁特琴及其原产地，和在这些地区所发现的，就不会有太大的冲突了。

但是，更清晰的研究应该是根据相关的民族音乐学的研究成果对这些乐器的形态和演出实践作全面的考查。在霍恩博斯特尔（HORNBOSTEL）和萨克斯（SACHS）的乐器分类体纟中，吉他是属于一种鲁特型的“混合弦鸣乐器”（COM⁃POSITECHORDOPHONE）。对有关这些问题的先验性的研究往往并不让人信服，而将“吉他”这个带有欧洲音乐实践色彩的名称应用于东方的鲁特族乐器，这也表现出对所研究的乐器实际上还很不了解。直到最近有些学者才开始以一种充分的科学态度来研究古代的音乐文化，其结果在名称与乐器的联系上面碰到许多困难。在乐器的传播过程中，跨文化的交流与联系在多大程度上是一个影响的因素，这也让人更感迷惑。关于鲁特在古代的情形尤其没有定论，因为它们的形状和尺寸都呈现出巨大的多样性。

不管怎样，将吉他在欧洲的历史追溯到文艺复兴时期是不会有太大的困难的。由于这一时期中的吉他具有弯曲和平面的两种背板，因此仅仅将注意力放在有平面背板的吉他上来确定它的演变过程是不正确的。从形态上鉴别文艺复兴时期吉他的主要特征是它面板富有特点的轮廓，这一形状也是比维拉（VIHUELA）所共有的；因此，根据这一点，可以认为这种特征是从古代的鲁特琴中渊源而来的。

吉他的形式演变

关于吉他的起源，众说不一。最早可以追述到公元前二、三千年的古代波斯和埃及。

西方流传有两种说法：一说是起源于古希腊的吉它拉（Lyra.古代弦乐器），后来演变成维卫拉（又译比维拉）琴在欧洲流传。它是一种平背的形状，使用羊肠弦用手指端演奏，风格典雅相似于现在的古典吉他；一说是起源于古埃及的鲁特琴（Lute—又称侍琴）由阿拉伯摩尔人（Moor）穿入欧洲，故又称“摩尔吉他”。它是一种曲背的形状，使用金属弦用手指甲扫弹，风格粗犷相似于现在的民谣吉他和弗拉门戈吉他。

维卫拉琴和鲁特琴通过西班牙，意大利传入欧洲后很快流传起来。从十六世纪初到十八世纪中叶，他们的形状也逐渐演变而接近现代吉他。从四组复弦，五组复弦到过度为单弦的六弦吉他，全新的六弦吉他以其清晰的和声和独特的调弦方法等优点很快受到演奏家的青睐，古典吉他终于迎来她的黄金时代。十九世纪初至二十世纪早期，通过诸多著名的吉他大师如：索尔、阿瓜多、朱利亚尼、卡尔卡西等人的演奏和创作音乐活动为吉他的发展奠定了坚实的基础，他们所作的大量练习曲和吉他教程等一系列重要作品至今仍是古典吉他中的精品。同时在欧洲的音乐舞台上，吉他获得了较多的评价。贝多芬圣贤“吉他几乎就是一个小型的管弦乐团”，舒伯特感叹“吉他是多么美妙的乐器而了解它的人仍是寥寥无几啊！”柏辽兹说“……而当真正的能手独奏时，这一乐器的魅力是无可否认的”就连伟大的小提琴家帕格尼甚至放弃小提琴演奏活动多年而专研吉他，并为吉他作了许多优秀的曲子，可见吉他魔力之大。

吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，应归功于被誉为“近代吉他之父”的西班牙吉他大师泰雷嘉他一生对吉他的潜心研究和对吉他的演奏方法的大胆创造。使一直处于低潮的古典吉他在十九、二十世纪之交重新获得新生。

他的演奏技术和风格多姿多彩而又合乎情理。他成功的改编了巴赫，贝多芬等音乐大师的作品，拓宽了古典吉他的演奏领域，建立了自己的系统的教学方法，通过了他的弟子们影响了二十世纪所有的吉他演奏家。为二十世纪吉他的繁荣铺平了道路。

木吉它的起源，在历史上并没有明确记载。大多介绍吉它的书籍上只记录着它大约起源于公元前2500年的弹拨乐器。在出现了各种民族乐器之后，以鲁特琴为主流的弹拨乐器在欧洲盛行起来，其中一种被称为吉它拉的乐器慢慢演变成为吉它，但演变的明确时间并未详细记载。鲁特琴一般为20或22弦，而吉它却变成了6弦，琴身也变为了8字型。Guitar这个词是由阿拉伯语的Guit（表示数字4）和古代印度语的Tar（弦）构成，当然也同它的前身“吉它拉”的名字有关。19世纪初叶，吉它的弦数总是5弦，6弦的变换不定，直致1850年，一位名叫安东尼的西班牙人制成了弦长850mm，与现代吉它无异的乐器，这才是吉它真正的起源。之后，在西班牙和德国涌现出一批制作吉它的名家。

在大体明白吉它起源之后，接着向大家介绍一下钢弦木吉它的历史。在18世纪的意大利，古典吉它就已经定型。木吉它的钢弦化，发生在20世纪，话题的中心也由欧洲转向了美国，这正好同马丁家族的历史连接了起来。

马丁公司的创始者ChristianFredrickMartin，1796年生于德国的易北河畔。父亲是木匠。在当时，吉它还没有被人们承认。其父因出售自制的手工吉它，得罪了当地的提琴制造商。（可能是当时的提琴制造者已形成了一个艺人阶层，而作为木匠的大马丁仅仅是平民的缘故。）于1807年，其父被勒令停业。

在掌握吉它制作的初步知识之后，小马丁来到音乐之都维也纳，成为制作小提琴及吉它的名匠——老约翰的入室弟子。（顺便提一句，舒伯特很喜欢用老约翰制作的提琴。）在维也纳结婚后，小马丁回到故乡，取得了正式的吉它制造的许可。为了摆脱干扰，后又移居到美国。因为最早的马丁吉它上有“EST.1833”的字样，所以人们普遍认为，他移居到美国的时间是1833年。

第二年（即1834年），在纽约哈得逊街6号，开办了他的第一家吉它店。但纽约处于急剧的城市化进程中，为了寻求更稳定的生活环境，于1839年，经友人推荐，又移居到宾西法尼亚州。他在这里生产的吉它，由JohnCooper执教的吉它教室替其销售。这一时期的作品与老约翰的酷似，比如，类似与Fender的单排卷弦器，可调节琴颈角度的调节器。从40到50年代，马丁主要致力于琴腔的内部设计。他在表板内侧添加了X型力木，这比以往的扇型设计更具强度。

在X型设计研究告一段落的1856年，一个姓Gibson的男孩在纽约出生了。当时的马丁吉它已基本上定型了。完成了这些伟大成就的马丁一世，于1873年，与世长辞，接任他的是外甥C.FMartinJr。因多病，马丁二世也于1888年83岁时去世，他的儿子Frenk.Henry.Martin继承了他们的遗愿。而比马丁一世晚大约60年之后的1894年，作为鞋店职员的Gibson才开始转向乐器制作。

一、十六世纪初期

维卫拉琴（Vihuela）、鲁特琴（Lute）

古希腊的维卫拉琴和由古埃及阿拉伯摩尔人传入欧洲的鲁特琴是古典吉他和弗拉门戈吉他的雏型，在欧洲逐渐流行。当时具有代表性的音乐家有：唐·刘易斯·米兰（西班牙）约翰·杜兰德（英国）西尔维乌斯·莱奥波德·魏斯（德国）文森佐·伽利略（意大利）

四弦吉他、五弦吉他

由于吉他当时只有四根弦，音乐的表现受到很大限制，划时代的比森特·埃斯皮内尔（西班牙）在四弦吉他的基础上增加了一根低音弦，从而大大丰富了吉他的表现力，最终确立了这一古老民间乐器的地位。至此，人们便把它称为“西班牙吉他”。

二、十八世纪中叶至十九世纪黄金时期

古典六弦吉他

随着吉他不断深入人心，五弦吉他再也难以满足人们的欣赏要求，最终在许多音乐家的努力下出现了六弦吉他。特别是费尔南多·索尔（西班牙）迪奥尼西奥·阿瓜多（西班牙）约瑟夫·库夫纳（德国）费尔迪南多·卡路里（意大利）莫洛·朱利亚尼（意大利）马迪奥·卡尔卡西（意大利）这些大师的推广、普及，终于迎来了古典吉他灿烂的黄金时期。

三、十九世纪中叶萧条时期

古典六弦吉他

钢琴的出现制约了吉他的发展。古老的弹拨乐器在“乐器之王”面前显得一筹莫展。人们的视线已经转移，吉他正走向衰退……然而，这些人：胡利安·阿尔卡斯（西班牙）何塞·费雷尔（西班牙）拿破仑·柯斯特（法国）朱利奥·雷孔第（意大利）依然孜孜不倦地耕耘着这片热土。特别是“近代吉他制作之父”安东尼奥·托雷斯（西班牙）对吉他制作的改良使得吉他的音色近乎完美，也使人们看到了古典吉他希望的曙光。

四、十九世纪末叶至二十世纪全盛时期

近代古典六弦吉他

感谢上帝为我们创造了弗朗西斯科·泰勒加（西班牙）。他就象照亮暗黑森林的阳光，他独特的吉他音乐如雨露般滋润着这片即将枯竭的土地，为古典吉他带来了又一个明媚的春天。他的弟子们：米格尔·柳贝特（西班牙）丹尼尔·福特亚（西班牙）埃米利奥·普霍尔（西班牙）不懈的努力，为古典吉他的不断发展打下了坚实的基础。

五、本世纪鼎盛时期

近代古典六弦吉他

该是收获的季节了。古典吉他在这些大师：德·拉·马萨（西班牙）阿古斯丁·巴里奥斯（巴拉圭）维拉·罗伯斯（巴西）安东尼奥·劳罗（委内瑞拉）朱利安·布里姆（英国）约翰·威廉斯（英国）山下和仁（日本）的传播下已广泛地流行于世界各地。特别是安德烈斯·塞戈维亚（西班牙）个人传奇式的努力，使古典吉他达到了一个前所未有的境界，也受到音乐界人士的高度重视，真正确立了古典吉他这一古老弹拨乐器在音乐领域的地位。作为吉他爱好者，都有责任和义务为吉他事业作出应有的贡献！

六、十弦吉他

如今，以纳西索·耶佩斯（西班牙）为代表的新一代吉他大师们创造了十弦吉他，为古典吉他的发展又开辟了一个新的领域。

吉他的种类

现代吉他是一个大家族，按照其外型、构造及演奏方法的不同，常分为以下几类：

一、古典吉他

被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。

二、民谣吉他

吉他家族中最“平民化”的成员。在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是14品格，指板较窄，使用钢弦，声音清脆明亮。主要用于给歌唱者伴奏，适用于乡村、民谣及现代音乐，演奏形式较为轻松、随意。

民谣缺角吉他是其中一种现代改良形式。近年来出现的电箱两用民谣吉他给舞台表演者带来了莫大的方便。

三、佛拉门哥吉他

西班牙民族乐器。外形与古典吉他基本相同，面板上由有护板，使用尼龙弦，但音色较古典吉他硬脆。用于演奏西班牙民间音乐，节奏复杂，技巧丰富，后流传世界各地，成为一种风格鲜明的具有西班牙民族风格的世界性乐器。

四、夏威夷吉他

传统的夏威夷吉他外形类似于古典吉他，使用钢丝弦。演奏时平放在腿上，一手持金属滑棒按弦，另一只手带金属指套拨弦，音色华丽，是一种擅长表现旋律的乐器。

五、爵士吉他

同电吉他与民谣吉他，爵士琴一般都是使用带共鸣箱的电吉他，这样的电琴在音色调整上，音色效果靠后，成为厚重柔软的音色。

六、电吉他

按照演奏类型分为无共鸣箱实体琴体与有共鸣箱音孔琴体。

琴颈类似于民谣吉他，使用钢丝弦，使用磁性拾音器，根据弦振动到电声转换的原理，然后用扬声器放大声波信号发声，通过效果器可发出各种各样丰富多彩的音色，是现代流行音乐及摇滚乐必不可少的乐器。周边设备庞大，如效果器、放大器等。经过给类周边设备可以使吉他出现各种不同种类的音色，可塑性强，表现力随个人爱好而定。

演奏可使用拨片、滑棒等工具创造更多效果。

建议如果是初学者的话最好不要急着去弹大曲子，最好先打好基本功。

一个十分重要的事情就是开手，用右手在左手的每两个手指间用力向两边分，这个是弹琴之前一个必要的工作。

说到学习吉他，首先是左右手的配合，可以从爬格子开始，不要图快，可以从慢速开始，但是要开着节拍器，速度不是最重要的，最重要的是左右手的配合和节拍的准确还有弹琴身体和手的姿势一定要正确，如果一开始没有养成良好的习惯，等将来再改，是非常非常困难的。之后就可以练习一下手指的独立性，这个是很重要的，练起来也比较辛苦，但是一定要记住，当手指累了，就马上停下来，不要继续练下去，避免肌肉拉伤，还有，有时候当一个练习片段练了很久还是没有攻下，可以先放一放，练习一下其它的，再回来练这个片段，相信会轻松很多。

之后建议去练小林克己的教材，这本教材回避了目前吉他学习的只注重速度的误区，而加强了技巧方面的训练，在学习这本教材的同时，如果是乐理基础不太好的朋友，可以仔细理解这本书中提到的一些乐理知识，不过这是远远不够的，最好还要专门的学习乐理知识，但是这个是强求不来的，不用着急，理解为先，如果只是记是没有用处的，要结合音乐去理解它，它才能为你所用，等小林克己初级学完，就可以去试着弹一些难度适合曲目了。

在学小林克己中级的时候，就要同时注重了解一下吉他，音箱和效果器方面的知识了，因为要成为一个出色的吉他手，光弹的好是没有用的，每一个伟大的吉他手，都拥有属于自己的，特色鲜明的音色，对于一个电吉他乐手，你的技术不仅仅体现在弹的好不好，同样体现在你对音色的理解和掌握，同时作为一个现实而实惠的问题，如何用中低端设备来获得十分优秀的音色也是对一个出色吉他手的考验。

这时候你对吉他，效果器和音箱有了一定的了解，你可以考虑存一些钱去换一些理想的设备，在这时候你已经会弹不少东西了，琴技会暂时停滞不前，因为基本的技巧都已经掌握，而会弹的东西变多会占据你的大量学习新东西的时间，因此兴趣可能会有些挫伤，一套好的设备会在这个时候适时的刺激你对吉他的兴趣和学习的动力，而且可以让你的技术更彻底的表现出来。

这段时间还有一件重要的事情就是抓紧时间去组一个乐队，一开始组乐队不要对乐队要求太高，这只是锻炼你和其它乐手之间的配合，也能帮助你找到自己的位置，相信跟乐队排练过几次以后，你应该对音色方面有新的认识，也应该了解平时自己在家弹琴和与乐队和练是根本不同的两个概念，有时候你做的一个音色自己在家弹琴的时候感觉非常好，可是和乐队合奏的时候就变得非常糟糕，因为我们在和乐队合奏的时候，音量远比自己在家弹琴开的大的多，音色听起来也大不一样，而且有BASS和鼓，还有节奏吉他主唱的声音，混在一起，声音很有可能被其它人“淹”掉，这时候就要考虑对EQ做出新的调整，EQ的调节也是需要着重学习的，但这个要靠平时的琢磨，强求不来的，通常我们在家弹琴的时候，习惯把低频开的稍微高一些，这样音色听起来比较细腻，稳重，但是在和乐队合奏的时候，因为有BASS和节奏吉他，所以应该把中频和高频开的稍高，低频可以适当降低，以保证你的SOLO听起来是那么突出，而排练和演出又不一样，演出的时候因为有观众，人群会吸收一部分低频，所以低频又要比平时开的高一些，这些都是对一个乐手经验的累积，对于一个乐手来说，经验是非常非常宝贵的财富，当你拥有丰富的经验，会让你在众多吉他手中脱颖而出，更会影响你的舞台气质，要弹好琴，必须要多听，不但数量要多，而且种类也要多，最好不要形成偏口，一味地听一种类型的音乐，那样会让你的素材变的匮乏，音乐也变得单调，甚至不用一味地听与吉他有关的音乐，不管是什么类型的音乐，也不管是用什么来演奏的，都要广泛的吸收，还有就是最好了解一下吉他方面的知识，推荐你订《现代乐手——吉他》这本杂志，它真的很好，也很全面，里面不但能告诉你世界范围的吉他手目前都在干什么，更能介绍一些经典的吉他英雄，对设备方面的理解相信也能很大程度上的提高，里面的练习也不错，等你学完小林克己的中级，你已经可以算一个合格的业余乐手了，这时候你可以去收集一些老版的小林克己教材，后面的附录有一些经典的曲目，而且有高级篇，后面的学习就要看个人的努力程度和悟性了，其实说到悟性，并不全是天生就有的，是通过对基础的训练和平时大量地听音乐锻炼出来的。

还有，虽然现在找吉他谱非常容易，有GTP这样方便的软件，但是建议你自己去扒带，因为那样对你的乐感和对吉他的了解是非常有益的，如果要看谱的话最好尝试去看五线谱，一开始如果有困难，可以对照吉他6线谱来看，但是一定要逐渐脱离6线谱，千万不要依赖它，小林克己的教材是不太注重速度的，如果练完小林克己的教材，感到速度实在力不从心，建议可以去稍微练一下乔伊的教材，但是一定要注意不要一味地注重速度，当你循序渐进地不断练习，速度是迟早会有的。

现在，你可以试着做一些创作了，现在有电脑，是非常方便的，但是一定要注意，作为一个乐手，虽然技术是必不可少的，但是一支曲子的音乐性永远比技术表现重要，技术只是表现音乐的工具，当音乐需要，你可以用你完美的技术来表达，但是当音乐不需要的时候，冗余的技术堆积并不比几个简单的音符高明多少，如果把音乐只当作是炫耀技术的形式，那么你的音乐注定不会受到欢迎，一个吉他手最终能走多远，起决定性作用的就是基础打的是不是牢固，所以每一步千万要稳扎稳打，不要急进，每次弹琴前做开手和半小时内的爬格子手指训练，不管你的技术已经多么精湛，这种好习惯也依然要保持，这能帮你在弹琴前迅速进入状态，让你的练习事半功倍，让你的演出天衣无缝。

原声吉他的分级

一、大师级

此类吉他大多由名工匠在中小型手工名作坊定制或限量制作，价格一般在10，000美金以上。制作材料为干燥多年的专业名贵料种中的高级品，面板多为AAAAA级GermanS⁃pruce或EngelmanSpruce纯木板，指板用优等非洲Ebony，琴颈采用与背、侧板相匹配的材料，背、侧板及弦马则根据不同风格类别的吉他选择匹配不同的纯木板材料。

古典吉他：

背、侧：

颈：

弦马：BrazilianRosewood

Mahogany

BrazilianRosewood

弗拉门歌吉他：

背、侧：

颈：

弦马：Cypress

Cypress

Rosewood

民谣吉他：

背、侧：BrazilianRosewood, GermanFlamedMaple, koa—wood

颈：Mahogany, FlamedMaple

弦马：Ebony

爵士吉他：

背、侧：

颈：

弦马：GermanFlamedMaple

FlamedMaple

Ebony

这类吉他的消费者，主要是一些国际上很著名的吉他演奏大师和一部分经济条件较好的演奏家，当然，还有一些发烧级的爱好者（收藏家），由于这类吉他出品量很少，因此价格也非常高。但我认为，当今，如果与专业级的产品相比，这类琴的性价比较低。

二、专业级（音乐会、录音）

此类吉他多为各知名品牌在专业领域的主打产品，均为手工制作，价格一般在1500～8000美金。制作材料为干燥良好的专业料种中的较高级品，面板多为AAA以上级的Enge—lmanSpruce或SitkaSpruce纯木板，指板用上等非洲Ebony，琴颈采用与背、侧板相匹配的材料，背、侧板及弦马则根据不同风格类别的吉他选择不同的纯木板材料。

古典吉他：

背、侧：IndianRosewood

颈：Mahogany

弦马：IndianRosewood

弗拉门歌吉他：背、侧：Cypress

颈：Cypress

弦马：Rosewood

民谣吉他：背、侧：IndianRosewood

颈：FlamedMaple, Sycamore, koa—wood

弦马：Ebony

爵士吉他：背、侧：FlamedMaple

颈：FlamedMaple

弦马：Ebony

此类琴是专业领域的主流，而所谓专业级是指那些品质较好的以全纯木（solid）板制作的琴，从客观的角度上讲，这类琴性价比较高。运气好的话，偶尔你可能会选出一把品质并不次于所谓大师级的好琴，如果你是一位职业的演奏高手，这类琴应该是你主要的研究对象。

三、业余级（练习琴）

此类吉他多为较好品牌的中低标号产品，极少手工制作，价格一般在400～1000美金。制作材料的使用较杂，大多采用经过干燥的非专业料种，面板多采用Cedar纯木板，指板及弦马一般采用经过染色处理的Rosewood，琴颈采用与背、侧板相匹配的材料，背、侧板则根据不同的风格类别通常选择与专业级相仿的合成板材料。由于制作材料的使用较杂，这里就不再列出一个常规标准了。

也可以称为“准专业级”。如果你是一位真正的吉他爱好者，那么即便是在你一开始学习吉他的时候，至少也应该选择一把这样的琴，毕竟，它的面板是一块纯木板，而面板对于吉他的发音品质的影响是最明显的。另外，这类琴的制作，一般规格上都是比较严格地效仿专业产品的标准，质量也比较可以。而且如果你的运气很好的话，也有可能在这个价格范围内，遇到并选出一把较次品牌的全纯木板琴，那就是你的造化了。

四、市场普及型

全合成板，规格五花八门，价格低廉，但无法发出真正意义上的、或接近的吉他音质，一般情况下买这种“吉他”的人多半是没有一位较好的老师，或者是经济条件太差。不过，如果你是打算随便弹弹玩儿玩儿，以后不弹了挂在家里也算是个摆设，并且不嫌它刺眼的话，可以考虑买它。但一定要知道，让一个真正懂琴的人去挑选这样的一把“琴”，真的是一件十分受罪的事情。

吉他的全面复兴

比较知名的吉他作曲家还有图里纳、托罗巴、汤斯曼等，通过他们这一批专业作曲家写下的一批艺术性很高的吉他乐曲，二十世纪吉他音乐走向了全面复兴。在二十世纪，现代音乐家们亦对吉他音乐表现出强烈的兴趣。如：西班牙现代作曲家法雅、法国的米约、卢赛尔和马德尔纳、英国的布里顿、德国的亨策等等。他们的创作数目虽然不多，但为吉他音乐留下一批贵重的珍品。法雅《德彪西赞歌》（1920）、布里顿的《夜之歌》（1964）中都有动人的吉他演奏。布列斯的《无主之槌》中还可以看到作者把吉他作为一种特殊的“音色”使用在乐队中。把现代作曲技术应用到吉他中去是二十世纪的新动向。

具有传统风格的演奏家兼作曲家，在二十世纪可以举出出生于巴拉圭的巴里奥斯（1885～1944），古巴的布罗魏尔在近年也为人所瞩目。最近这三四十年，吉他好手辈出。其中影响最大有西班牙的耶佩斯（1927～）、英国的布里姆（1953～）、和澳大利亚的威廉斯（1942～），他们各有成就。耶佩斯在电影《被禁止的游戏》中演奏了《爱的浪漫曲》一举成名，他是塞戈维亚以后现代吉他音乐的代表者，所谓“现代”，是指他寻找了一条无论在技巧和表情上都有新的探索的道路。他创造了十弦吉他的演奏风格。他善于借鉴各种流派的演奏风格，曾到巴黎向小提琴家艾奈斯库学习，还与钢琴家基塞肯合作研究，把小提琴与钢琴的手法应用到吉他中去。除了吉他，他还研究了古老的琉特琴，为了把琉持琴的手法用到吉他上去。他有惊人的精力，每年常有八个月的旅行演出，多达120～130场次。他的演奏曲目极广，古今曲目囊括怀中。许多作曲家都愿与他合作，他对现代吉他音乐的发展贡献卓著。耶佩斯的录音曲目很多很广且达到很高水平，他录制的一套十五世纪到现代的《西班牙吉他音乐》是他的代表作。

布里姆在二次大战后。也成为吉他舞台的佼佼者。他是个极有个性的演奏家，1946年初登舞台时就颇具影响。但当时的英国听众对吉他不屑一顾，认为不登大雅之堂。在这种情况下，布里姆曾转向大提琴、钢琴和乐理学习，但他对吉他仍抱着坚定的信念，他觉得自己演奏吉他时总像“神降临大地一样”。布里姆走的是与塞戈维亚不同的道路，他苦心钻研并复活了许多古老的吉他音乐，包括古老的琉特音乐。

在今日世界的吉他音乐中，影响最大的是约翰·威廉斯。他出生于澳大利亚的墨尔本，1958年他16岁时第一次登上艺术舞台就轰动了音乐界。塞戈维亚听了他的演奏，称这是“吉他王子降临了音乐世界”。威廉斯的演奏风格严谨而富有魅力，以后又转向流行音乐和爵士音乐，他于1979年组织了名为“天空”的摇滚乐团。他演奏的曲目非常广，从文艺复兴时期直到现代派音乐，包括流行音乐、民间音乐，其中以演奏现代作品最佳。威廉斯目前已转向创作和指挥，是轻音乐刨作的著名人物。

从二十世纪开始，吉他音乐明显地向着多元化方面发展，无论是吉他演出的风格、吉他音乐的形式以及乐器本身的构造都出现纷繁的现象。可以说，古今中外，没有一种乐器和乐器音乐像吉他那样，有如此丰富的发展和变化的。这种发展和变化反映在三个方面：其一是从形式和风格方面所看到的弗拉门科的蓬勃兴起；其二是从乐器本身构造上看到的改良型古典吉他的涌现；其三是随着电子工业的发展，促进了新型的电声乐器——电吉他的出现。

弗拉门科是与南西班牙、安达露西亚地方的民间歌舞一同发展起来的，而吉他是这种歌舞不可缺少的乐器。弗拉门科的形态虽和古典吉他相似，但它所用的材料和内部构造却有自己的特色。首先，选材上琴身的底板和横板与通常的不同，它使用柏木和依托斯木，据说这样可以在音色上获得特有的味道；其次，卷轴比起普通的金属钮更多使用象小提琴旋钮般的木制品；再次，各弦的定音稍低，因此在奏强音时弦打在指板上可发出咯哒咯哒的特色音色；最后，因为演奏时需敲打面板，故在响孔到马之间加上一块称为“戈尔贝”的板用以加固。弗拉门科是在十九世纪后半叶传入首都马德里的，当时主要是作为伴奏乐器，也出现了一些演奏名手。他们有丰富的技巧和多样的情绪表现，造成激动入心的音乐效果而广受欢迎。

大约到1900年，弗拉门科逐渐形成了自已独特的风格，吉他演奏者伴随着丰富的舞蹈节奏样式。而展开独具个性的即兴演奏。一般开头总是采用歌曲的风格，其后就衍展出各种各样的变赛旋律，其中有些已逐渐定型为程序。这种变奏称为“法赛塔”。这种在一定的范围内，自发地即兴演奏方式至今仍然是弗拉门科演奏者所追求音乐方式，而借赖现成乐谱的演奏反被看作有逢场作戏之嫌。

总而言之，弗拉门科是种具有魅力的特殊奏法，它有丰富的和弦反复弹奏；有用指打面板的“戈尔贝”微妙的节奏；还喜用大小调交替，特别是以E为基音的调式（弗利几亚调式）以及这种调式AGFE下行的进行特色；还有纤细的阿拉伯装饰风格以及东方色彩的异国情调等等。弗拉门科不仅在西班牙，而且在世界各地都有其热情的爱好者。他们本国的作曲家阿尔贝尼斯、法雅、固里纳以及法国的德彪西、拉威尔等都从弗拉门科中得到灵感，写成有特色的作品。

把弗拉门科作为独奏艺术的始祖是拉蒙·蒙托雅（RamonMontoya，1880～1949），他从古典吉他中吸取了若干要素，确立了纤细而不失弗拉门科特色的风格。在他之后有卡洛斯·蒙托雅（CarlosMontoya，1903～）、萨维卡斯（Sabicas，1017～）尼尼诺·里卡多（1905～1972）等，都是把弗拉门科发展到新高度的大师。今日继承他们的一代人有曼纽爱尔·卡诺（ManuetCano，1926～）、赛拉尼托（1942～）、等，他们在传统的基础上注入现代的感情，作为当代的名家活跃在舞台上。

在古典吉他中除在演奏风格上出现弗拉门科这一大流派以外，作为乐器本身也派生出各种各样的吉他，有些是在二十世纪开始流行起来，有些则有地方性的悠久的历史传统。

十弦吉他是一种在常用的古典六弦吉他的低声区上增加了四弦的乐器。这是由耶佩斯和拉米列兹的共同努力，在1964年才完成的。十弦吉他的优越性是在音域得到扩大的同时，可以使吉他增加倍音共鸣，从而得到更为丰满充实的音响。附加的四弦（第7～10弦）多作开放弦使用，但这并非是无足轻重的弦，由于指板加宽十弦吉他可在不同品位上按弦得音，必要时也可以重新调弦。习惯使用后，不但能像普通吉他那样随意演奏传统曲目，而且能在演琉特或键盘乐器改编曲时再现接近于原作的意趣。奥哈那等人还专为十弦吉他写作了不少乐曲。

特尔兹吉他是在十九世纪以维也纳为中心，由朱利亚尼等人兴行的一种六弦吉他。它的弦长标准是54cm，比普通吉他提高小三度调弦。也就是把通常应为C音的位置一改而为—E配音的一种—E调吉他。又由于它的最低音定弦为G，亦称G调吉他，与此相对普通的吉他常被称为主吉他。有时这种吉他可以在普通吉他的第三品位上安放活动变位夹来代用。

大型吉他与低音吉他二十世纪的曼多林乐队中，为充实低声部而发明的一种低音吉他。各类型都使用四单弦，前者类似大提琴，后者则像低音提琴那样，需要站立演奏。称为五度低音吉他弦长约70cm，调弦比标准型低五度音。除前二者外尚有下加一点的G音的七弦的低音吉他。

五度吉他用于合奏的小型的古典吉他。以RequintoGuitar（现在系商标名）的名字而知名。由于琴体小，运指方便，适宜演奏快速的旋律，它的音色特别明朗而华丽，在拉丁音乐中常常使用。弦长约为53cm，比标准琴调高五度（现在常调高4度）。

爵士与流行音乐的普通型吉他这是指电吉他以外的应用在爵士和流行音乐中的吉他。它也有多种样式。但无论那种都使用钢丝弦，由于弦的张力较强，制作上也需要比普通吉他结实。为演奏和弦的方便、琴柄制作得较细，并且在其中嵌入金属芯棒以增加强度。此外还应用许多能在产生弯曲时加以调整的机体，它的力木的配置，也与古典吉他不同，通常它的琴与琴柄相接的接线设计安放在第十四品位上。

吉他发展的几个要素

当我们在欣赏一位演奏者的音乐时，实际上从另一个角度来说，在感受协同合作的精神。一个乐器的发展，需要作曲、乐器设计、制作、演奏这几个重要的要素（这个要素实际上也是，音乐发展的重要要素）。感受协同合作的精神，就是从这意义上说的。如果把这四个要素的创作过程都说明的话，那就会是一个很大的工程。那么先不说其它的，单独以制作的一部分综合起来和演奏来说的话；是乐器设计、制作、琴弦、演奏。但从这里也可以感受的到其有震撼的一面。请看：如果把吉他的结构比作人体的结构的话；吉他的共鸣箱是人体的腹腔和胸腔，如果制作技术高超的话，可以响应到脑腔的共振区。而吉他的面板和琴弦，就是人体的喉舌和声带。我们都知道人类的人体结构和反映是很复杂的，很多到现在都还很难读懂。制作吉他可以说也和这一样的。（当然想随意制作，那就另外的不一样了，不在这里说的范围。）而演奏者呢；用这样造就的吉他，把声音和音色进行完美化的融合在自己感受的音乐中，把有逻辑具体的音乐尽可能的完整地演奏。对演奏者在演奏中的感受和反映变化，都是很复杂的。在经历过来后就会有体验。而这种协同合作的精神体验，实际上每一位也都在时刻感受的。比如在家里练习、演奏，在大家面前演奏，在公众场所里时刻都在演绎着并且在感受着。所以每个爱好吉他的人都是在这其中。所以说实际演奏、制作、作曲都离我们不远。都是相互紧密的作用关系。所以我们不仅要爱戴我们的作曲家，还要爱戴我们的演奏家，还要爱戴制作家。还有更重要的是首先要爱戴自己所喜欢的吉他。当我们努力去读懂吉他的时候，也是在读懂作曲家、演奏家和制作家。而只要有心努力，任何人都可以成为作曲家、或是演奏家、或是制作家，就要看怎样严格要求自己了。如今的吉他是一个团队，既然是团队就要有团队的精神，需要互相爱护、团结、鼓励，用每个热诚的心换来更多的更大的团队，使我们中国的吉他有一天能迎来真正的黄金时期吧。

吉他的创造性表现力

吉他手有时会有这样的想法，如果不从理论角度来分析一下他们所要弹奏的乐曲的话，他们就不会真正的理解这首乐曲。这不对。事实上，当你把一件东西清楚地归类之后，并不能使它变得更真实。音乐性才是真实的本质，理论只是思考音乐的一种方式，或者说是组织它的方式，这样我们才能更清楚地知道如何利用已有的和如何创造出崭新的。和音乐性相比，理论永远是第二位的。因此，不要被理论束缚住而忽视了真实的音乐和情感的表现。

也不要让理论知识限制了你的视角，而让你看东西变得狭隘。音乐中所有的“规则”都只是一种引导而已。要用你的理论知识来扩展选择的范围。记住，任何事情都是可能的。并不一定是“合理”的、在理论上行得通的才是好听的音乐。

另一点值得提到的是，你并不一定要弹得多难或者多快才会被认为弹得很好。事实上，在多数情况下反过来才是正确的。你需要和听众沟通，简单的东西才更容易被接受。这就是为什么摇滚乐和金属乐虽然只在简单而强壮的riff和节奏上不断重复却能经久不衰的原因。当然，想要锻炼出快速的弹奏技巧，你需要不断的练习，练习，再练习。但是当在solo中的时候，如果始终持续着高速的弹奏会让人厌倦，因此你需要有多样的变化！不时的慢下来弹奏，会让你的快速乐句显得更加突出。要考虑到音质和多样化，让你的solo很好地服务于乐曲整体，起到装饰的作用。乐曲才是最重要的，你solo的目的就是为其添加一些色彩。

弹奏的多样化，从理论上来说是通过混合音乐的惯性和对比而达到的。音乐的惯性是由各种形式的重复建立起来的—一个动机、音序、问答形式、重复出现的主题等等。打破已建立好的模式，其结果就是产生了对比—比如在一些低音之后弹奏一个高音音符，转换音阶，使用调外音，在一段慢速乐段后加快速度弹奏，或者在一段快速乐段后放慢速度，或者这样：在一段很长的、密西西比式的、肝肠寸断的、尖锐的推揉弦之后，用一串上行的模进音型、快速的拨弦和紧迫的licks来达到solo的高潮，你觉得怎么样？这样就产生些对比了，由不同的情感引导出来的。

回到我们关于音乐理论的讨论上来，你在弹奏乐曲的时候，不一定非要知道它背后的理论。想法有时可以从即兴中来，从对指板的探索中来，从模仿他人的licks中来，或者仅从想象中来，让你“内心的耳朵”在你随意想象时捕捉思想中的声音（然后快速地拿起吉他，在你的想法消失前把它弹出来）。总之，最终从你的音箱中发出的声音才是最重要的。

最后一点是，有时候你弹奏什么并不重要（whattoplay），而重要的是你如何去弹（howtoplay）。伟大的吉他手能把一个最简单的licks变得伟大。这完全都在对推弦、触弦、揉弦的微妙处理上，音的清晰度与音色会大不一样。在练习时给自己录音，不要只听音符的正确与否，还要注意你对音符的润色和清晰度如何，这才是你能找到感觉和表现力的地方。暂时忘记掉音符的功能，只去想怎样让它好听。

电吉他的起源

早在19世纪吉他在美国已是乡村歌曲爵士乐中不可或缺的乐器了。可是因为吉他的音量无法和小提琴及萨克斯风比，吉他一直只是一个伴奏的乐器。在1920至1930年间有人试着不同的”pick—up”拾音器装在吉他上试图将吉他变为一个可独奏的乐器。Rowe—DeAmond公司是第一个发展出可以夹在吉他响孔上的拾音器，但真正发展出”电吉他”的应该属Gibson，早期的“空心电吉他”只是将一个拾音器装在有着拱形面板，f型响孔的钢弦吉他上Gibson在1935年推出ES—150，即是此种”空心电吉他”这种吉他可以完全当做一个空心吉他来使用，拾音器只是用来放大它的声音的，此种吉他的最大缺点是有着很强的”feed—back”回授效应，也就是说在使用时常会产生不需要声音。（TedNugtnt早期所使用的吉Birdland即是此种吉他，但TedNugent能控制此种回授而成为他的t奏技巧之一）Gibson后来在1985年后出产所谓”半空心电吉它”E335，此型有着比最期空心电吉他较薄的共鸣箱，而且在弦枕垫下一木块已减低回授效应，此型古他大爱爵士乐吉他手的欢迎，像B.Bking的吉他”Lucile”即为此种琴型。

真正能称为”电吉他”应属实心的吉他，此种琴完全靠拾音器及扩大器去发出声音而不靠共鸣箱。电吉他的起源是受在1920年以后大爱欢迎的“夏威夷”吉他的影响，夏威夷吉他是没有共鸣箱的，所有的弦和拾音器都是固定在实心木块上，此琴没有回授的问题，乡村乐队纷用它来做独奏的乐器，直到现在仍是乡村音乐中不可缺少利器。早期夏威夷及空心电吉他都是用很很重很大的拾音器；在1930年间LesPaul是所有想设法改良此笨重的拾音器人中的一位，可是他不论用什么样的拾音器都不能解决回授的问题。在看到了发明大王爱迪生所发明的心电小提琴后，他想到使用实心的吉他；在1941年他说服Epiphone吉他公司让他在周日使用工作房，他将一把Epiphone的f孔空心吉他切成两半，再将一块实心木块粘在中间，他将两个拾音器固定在这块实心的木块上做成了有名的“Log”吉他，他发现回授的问题再也没有发生了。在接下来的几年LesPaul想把他的想法推销给Gibson吉他公司但Gibson一直没有兴趣直到1950年Gibson才答应生产由LesPaul合作所设计的吉他，在1952年这种以LesPaul为名的实心电吉他开始问世一直到现在历久不衰。LesPaul吉他当初是爵士乐设计的。但后来的吉他手发现LedPaul是弹重金属音乐的绝好吉他。从早期的LedZaplin、JimPage及Kiss的AceFrenley到现在Guns’n’Rese的Slash都是以用LedPaul吉他而出名，这又是LesPaul始料不及的。

虽说LesPaul的”Log”吉他是世界上第一个实心电吉他，LeoFender在1948年所推出的Broadcaster却是世界第一个上市的电吉他。LeoFender年轻时本来以修理收音机做嗜好，1930年以后他以帮人修扩大器及收音机为生，在1944年他和当时生产夏威夷吉他”Lapsteel”有名的Rickenbacker吉他公司的雇员”Doc”Kauffman组成K&F公司并开始生产K&FLapSteel及小的扩大器。在1946年以后LeoFender决定扩大营运，于是离开K&F公司自己成立FenderElectricInstru⁃mentCompany。在1948年Fender推出了第一把电吉Broadcaster，也从此改写了吉他的历史，同时推出的SuperAmp，这在以后才详述。Broadcaster很快的改名做Tele⁃caster，此型吉他无论在各方面都是无与伦比的创新杰作。此吉他和LesPaul一样，直到现在都没有什么大变动而却被数以万计一代又一代的吉他手所喜爱。BruceSpringsting、JeffBeck, PinkFloyd的DavidGilmore, RollingStone的KeithRichard所爱用，在Telecaster之后，Fender推出一系列的吉，他但都是由Telecaster变化而来，在1954年Fender推出一种重新设计的吉他”stratocaster”简称Strat。此吉他与SibsouLesPaul在吉他演变而来的。这些吉他的结构及特性以后几章中再详细讨论。吉他手中以用strat著名的首推JimiHendrix，其它如EricClapton, JeffBeck, YngwieMalmsteen, StevieRayVaughn等不胜枚举，Strat自从推出后大受欢迎Fender公司的业务也蒸蒸日上，可是LeoFender，因为医生误诊以为自己得了绝症，活不了多久，在1965年他将Fender公司卖给了CBS（哥伦比亚传播公司）。可是他在次年换了一个医生病就好了。大多数的吉他手都认为Fender自从落入CBS之手后品质就大降，因此在CBS以前制造的Fender大为抢手；Fender后来因为制作成本愈来愈高，遂将生产线移至日本及韩国，但Fender吉他销路更差，终于在年CBS公开拍卖Fender公司而由原Fender员工所组成的股东买下，从此Fender又开始在美国生产，并且业务蒸蒸日上，新的琴型不断的推出，并且品质良好，似乎又恢复往日雄风。LeoFender本人在痊愈后与Fender合作了一段短时间后和MusicMan吉他公司合作了一段时间，最后和G&L公司合作设计一系列和Strat及Telecaster类似的吉他。在1992年初LeoFender病逝，享年岁。此一代吉他宗师现代电吉他之父所发明的Strat及Tele吉他在这半个世纪不知造就了多少电吉他手，也改变了整个音乐的形式，没有电吉他就没有摇滚乐更别提重金属了，你说是吗？

值得一提的是LeoFender的另一杰作，Bass吉他。在1940时Bass手一直是弹有着非常大音箱的Doublebass。随着音乐的需要有人开始将拾音器放在Doublebass上来放Bass的音量，可是巨大的Doublebass使用及携带来非常的不方便，有鉴于此，LeoFender发明了第一把Bass吉他并在1951年问世，此Bass吉他叫做precisionbass。刚出的bass和Telecaster差不多，但不久就改成了Strat的样而且有到今日都没有什么大改变。

除了Gibson和Fender之外，有名的吉他厂还有很多除了以生产钢弦吉他著名Martin外，早期和Gibson同时生产空心电吉他的有Guild及Gretch公司，Epiphone在1957年被Gibson买下，现在也生产较低价钱的LesPaul吉他。RickenBaker的吉他因C.C.R的JohnFogerty及Beatles的John⁃Lennon所使用有出名现在生产的JohnLennon琴是一种半空心有着很短的琴弦长度。

80年代以后新吉他公司如雨后春笋般成立，较有名的如Jackson/charvel, PaulReedSmith, Hammer, WashBurn, Kramer, G&L, Heritage, Musicman, ValleyArts, squier，等等。还Stein⁃berget以生产没有吉他头的吉他着，Carvin吉他以生产吉他柄直接穿过琴身的吉他著名，并且以邮购的方式行销。ESP吉他以让手吉他自己设计所喜欢的吉他著名，其它还有以生产高价位吉他著名的小吉他厂如TomAnderson等实不胜枚举。日本吉他厂如Yamaha自从推SG2000及近年Pacifica系列吉他后名声也慢慢响亮起来，其它如AriaPro以生产bass吉他较有名。

6.扬琴

称“洋琴”、“打琴”、“敲琴”、“钢丝琴”、“扇面琴”、“蝙蝠琴”和“蝴蝶琴”。我国常见的一种击弦乐器。音色清脆、明亮，表现力极为丰富，可以独奏、合奏或为琴书、说唱和戏曲伴奏，在民间器乐合奏和民族乐队中占有重要地位。

据史籍记载，中世纪以前，在中东的亚速、波斯等古代阿拉伯国家，流行着一种萨泰里琴。它有梯形或长方形的琴箱，面板上张以几十条钢弦，在弦的2/3处支有条马，使每条弦发出五度关系的两个音。这种萨泰里琴，至今仍在伊朗、伊拉克和叙利亚等国流传。

明末，随着我国和西亚、东非间日趋密切的友好往来。萨泰里琴由波斯经海路传入我国，最初只流行在广东一带，后逐渐扩及到闽浙、江淮和中原地区，加入到为说唱音乐和地方戏曲伴奏的行列。各地琴书多以扬琴作为主要伴奏乐器，如山东琴书、徐州琴书、安徽琴书、广西文场、贵州文琴、四川扬琴和云南扬琴等。在粤剧、潮剧、汉剧、闽剧、越剧和沪剧等地方戏曲音乐中，也都用扬琴作为伴奏乐器。

以上的是一种关于扬琴来源的比较普遍的看法，但也有人认为扬琴是通过陆路传入我国。如周菁葆《木卡姆探微》载：“过去人们认为扬琴是明代从海上通过沿海一带传入的。其实它是阿拉伯人的乐器，早就传入天山南北了，很可能是由新疆传入内地的，这个乐器维吾尔人继承了下来。”

清末民初，许多民间器乐演奏形式，作为独立的乐种兴起，扬琴又成为广东音乐、江南丝竹和山东琴曲等乐种的主要乐器之一。扬琴在我国经过近400年的流传和演进。不论在乐器制作、演奏艺术或乐曲创作上，都已具有我国传统特色和民族风格，并与各地民间乐种相结合，形成了多个具有突出的地方性和乐种性特点的流派。

扬琴的音域很广，可在五个八度之内任意转调，具有一定的动感。它既能演奏快速的乐句，使情绪激越奔放；也能够胜任悠长的线条的描述，形成抒情的情调；并可在共鸣良好的中低音区，营造朦胧而飘浮的音乐气氛；进而在清脆明亮的中高音区，点缀出优雅而华丽的音乐。它既能够演奏和声，旋律和复调，又能演奏各类型和不同调性的乐曲，具有把传统固有的弹、拨、滚、轮等演奏手法与作曲技法和创新的演奏技法相结合的特点，很受大众的喜爱。

扬琴是中国民族乐队中必不可少的乐器。无论用于独奏、伴奏还是合奏，扬琴的音色特点都可得到淋漓尽致的发挥。

7.琵琶

历史上的所谓琵琶，并不仅指具有梨形共鸣箱的曲项琵琶，而是多种弹拨乐器，形状类似，大小有别，象现在的柳琴，月琴，阮等，都可说是琵琶类乐器。其名“琵”“琶”是根据演奏这些乐器的右手技法而来的。

琵琶又称“批把”，最早见于史载的是汉代刘熙《释名·释乐器》：“批把本出于胡中，马上所鼓也。推手前曰批，引手却曰把，象其鼓时，因以为名也。”意即枇把是骑在马上弹奏的乐器，向前弹出称做批，向后挑进称做把；根据它演奏的特点而命名为“批把”。在古代，敲、击、弹、奏都称为鼓。当时的游牧人骑在马上好弹琵琶，因此为“马上所鼓也”。大约在魏晋时期，正式称为“琵琶”。

琵琶由历史上的直项琵琶及曲项琵琶演变而来，据史料记载，直项琵琶在我国出现得较早，秦、汉时期的“秦汉子”，是直柄圆形共鸣箱的直项琵琶（共鸣箱两面蒙皮），它是由秦末的弦鼗发展而来的。“阮咸”或“阮”是直柄木制圆形共鸣箱，四弦十二柱，竖抱用手弹奏的琵琶。晋代阮咸善奏此乐器，故以其名相称，即今天的阮。

南北朝时，通过丝绸之路与西域进行文化交流，曲项琵琶由波斯经今新疆传入我国。曲项琵琶为四弦、四相（无柱）梨形，横抱用拨子弹奏。它盛行于北朝，并在公元6世纪上半叶传到南方长江流域一带。

在隋唐九、十部乐中，曲项琵琶已成为主要乐器，对盛唐歌舞艺术的发展起了重要作用。从敦煌壁画和云冈石刻中，仍能见到它在当时乐队中的地位。

琵琶有十二种定弦法，常用定弦为A、d、e、a。六相二十八品的琵琶音域A—g3。右手有弹、挑、夹弹、滚、双弹、双挑、分、勾、抹，摭、扣、拂、扫，轮、半轮等指法，左手有揉、吟、带起、捺打、虚按、绞弦、泛音、推、挽、绰、注等技巧。可演奏多种和音、和弦。广泛应用于民族乐队和多种地方戏曲、曲艺伴奏。著名乐曲有《十面埋伏》、《霸王卸甲》、《汉阳月夜》、《阳春白雪》、《月儿高》，协奏曲《草原英雄小姐妹》等。

琵琶的传派

无锡派：

清代初叶，琵琶分南、北两派。南派，即浙江派，以陈牧夫为代表，用下出轮。擅长的乐曲有《海青》、《卸甲》、《月儿高》、《普庵咒》、《将军令》、《水军操演》、《陈隋》、《武林逸韵》等。北派，即直隶派，以王君锡为代表，用上出轮。擅长的乐曲有《十面埋伏》、《夕阳箫鼓》、《小普庵咒》、《燕乐正声》等，无锡华秋萍、华子同两人向南北派两学习，编著《南北二派秘本琵琶谱》三卷，采用工尺谱，有较完整的指法记载，是我国最早印行的琵琶谱。由华氏传授的流派遂被称作无锡派。

《南北二派秘本琵琶谱》前后出版三次，对后世学者的影响较大，对研究琵琶古谱，提供了宝贵资料。尽管无锡派嫡派传人不多。目前按照《华氏谱》原谱演奏的人也很少，但其他各派或多或少地采用了《华氏谱》中部分乐曲整理了现在流行的演奏话。因此，无锡派在清代中叶起到了承上启下的作用，对琵琶的发展作出了应有的贡献。

平湖派：

平湖派以李芳园为代表，李家为琵琶世家，五代操琴，李芳园之父常携琴交游，遍访名家，李芳园在家庭的熏陶下，自誉“琵琶癖”，不仅技艺超群，且编撰《南北派大曲琵琶新谱》，清光绪二十一年出版发行，后人称之为《李氏谱》，由李氏传授的流派称作平湖派。

平湖派以李其钰、李芳园、吴梦飞以及吴柏君、朱荇青（朱英）等世代相传，流传有《南北派十三套大曲琵琶新谱》、《怡怡室琵琶谱》、《朱英琵琶谱》等。

吴梦飞曾得到李芳园的亲授，后又从李其钰的学生张子良，常在上海演出，艺术活动相当广泛，对弘扬平湖派做出了积极的贡献。

朱荇青师承李芳园高足吴柏君，针对《华氏谱》“左手按弦惟大禁两指不用”，首创了运用左手大指按托之法，并突破了不用小指按音的禁区。

平湖派的演奏有文有武，文曲细腻，常配以虚拟舒缓动作加强余音袅袅之感。武曲讲究气势，以下出轮为主（《将军令》用的是上出轮）。平湖派琵琶对当今琵琶的各种风格的形成有相当的影响。

浦东派：

浦乐派传自鞠士林，以鞠士林、鞠茂堂、陈子敬、倪清泉、沈浩初等师承相传，流传有《鞠士林琵琶谱》、《陈子敬琵琶谱》、《养正轩琵琶谱》等。

鞠士林是清乾隆嘉庆年间南汇县惠南人，生卒年月不详，性好交游，有“江南第一手”之誊。

据说，鞠有一次坐船至苏州浒墅关，由于时晚城门已经关闭，鞠遂操琵琶消遣，守关官兵为其琴声所动，喜而开关放行，故有“弹开浒墅关”之美传。鞠士林留有《闲叙幽音》手抄琵琶谱，此谱于1983年由人民音乐出版社出版，题名为《鞠士林琵琶谱》。

鞠士林的弟子有鞠茂堂、陈子敬、程春塘等，据《南沙杂志》载：“是时吾邑善弹琵琶者有：一为先生，一为陈子敬。子敬常旅食在外，忆光绪丁亥（1887）至上海东门外王家，适子敬在坐，见指套铜甲，弹《霸王卸甲》，声调洪亮，有拔山盖世气概。人谓：陈善武套，程善文套。”浦东派的锣鼓技法就始于陈，陈的弟子曹静楼最擅长此技。陈另一弟子倪清泉用的琵琶比一般要大要长，叫大套琵琶，很能突出武曲的气势。

陈的再传弟子沈浩初，对浦东派的发展作出了重要的贡献，培养了大量琵琶演奏家，整理出版《养正轩琵琶谱》。

浦东派琵琶的特点是：武曲气势雄伟，擅用大琵琶，开弓饱满、力度强烈，文曲沉静细腻。其富有特色的传统技法有：夹滚、长夹滚、各种夹弹和夹扫、大摭分、飞、双飞、轮滚四条弦、弦数变化、并四条三条二条弦、扫撇、八声的风点头、多种吟奏、音色变化奏法、锣鼓奏法等等。

崇明派：

崇明地处上海东北角，以《瀛洲古调》琵琶谱师承传授的，由于发源于崇明岛，后人就称崇明派。崇明派以蒋泰、黄秀亭、沈肇州以及樊紫云、樊少云等世代相传，以隽永、秀丽的文曲风格闻名于世。崇明派琵琶可追溯到三百余年的清康熙年间，那时，北派琵琶传入崇明近邻的通州地区，有白在湄、自彧如父子、樊花坡、杨廷果等人。早期崇明派琵琶，是承袭了白在湄的北派琵琶，其风格的演变受当地风土人情的影响。

1916年沈肇州编《瀛洲古调》的出版及徐立荪重编后改称《梅庵琵琶谱》出版，遂使崇明派琵琶得以发扬光大。我国近现代国乐大师刘天华于1918年随沈氏学习瀛洲古调琵琶曲，并把这些乐曲带到各地演奏，而且于1928年灌制了该派主要乐曲《飞花点翠》，这对推广崇明派琵琶起到了十分积极的作用。

崇明派琵琶指法要求“捻法疏而劲，轮法密而清”，主张“慢而不断，快而不乱，雅正之乐，音不过高，节不过促”。尤其轮指以“下出轮”见长，故而音响细腻柔和，善于表现文静、幽雅的情感，具有闲适、纤巧的情趣。同时，“重夹轻轮”，偏爱单音与夹弹，认为“轮指虽易人耳，然多则犯低而失雅”。因此，其曲目多为文板小曲，其中著名的《飞花点翠》、《昭君怨》等慢板、文板乐曲，典雅、端正；《鱼儿戏水》等小曲，则充满了生活的情趣。

汪派：

汪派也叫上海派，是20世纪以来，我国音乐发展史上的重要琵琶流派，也是唯一以个人命名的流派。上海派的形成，掀起了我国琵琶发展历史上第三次高潮。

汪昱庭的琵琶技艺启蒙于王惠生。后王惠生把陈子敬琵琶谱传授给江。后又得过浦东派倪青泉、曹静楼与平湖派殷纪平传授，兼收并蓄，把琵琶传统古谱根据实际演奏花音编写出演奏谱，广为传授。

汪氏传授学生都用工尺谱，而且每都亲笔抄写后送给学生，至今已成为珍贵的墨宝。凡根据汪氏传谱演奏的，后人称为汪派。林石城编写并于1959年由音乐出版社出版的《琵琶演奏法》中，首先用文字形式把“上海汪昱庭派”列为琵琶流派之一。

汪派的演奏特点首先在于，当时一般南派琵琶以下出轮为多，而汪氏却创造性地运用上出轮，从而奠定了琵琶运用上出轮的基础。其次，他不拘泥于传统奏法，对古谱加以精心修改，使之更为精练，取得了比以往更好的效果。汪派琵琶的演奏刚劲有力，感人颇深。

汪氏培养了一大批现、当代优秀的琵琶演奏家。如卫仲乐、孙裕德、李廷松、程午加、蒋风之等。

8.柳琴

柳琴：典型的琵琶类弹拨乐器，外形及构造与琵琶相似，但比琵琶要小，通体长约65厘米，用柳木制作，四弦，形如柳叶，故又名柳叶琴。别名“柳月琴”、“土琵琶”、“金刚腿”等。演奏方法与琵琶类似，只是右手用拨子弹奏。

柳琴原是流行于鲁、皖、苏一带的民间乐器，用作柳琴戏、泗洲戏等地方戏曲的伴奏及弹奏简单歌曲，发音响亮宏大，音色高亢刚劲，富有浓郁的乡土气息。经过长时间的发展，现已发展为独奏乐器，并常用于民族乐队中的高音乐器。

最早的柳琴，构造较简单，只有两条丝弦，7个用高梁杆做成的品位，音域很窄，仅有一个半八度，还不便转调。当时的琴体较大，演奏时有一竹筒套在食指上，用拇指捏紧，靠手腕甩动而拨弦发音，演奏形式别具一格。后以竹套质脆易裂，使用挖空的牛角圆筒代替。

柳琴的演奏特点

柳琴常用来演奏高音区的主旋律，还具有曼陀林的音响效果。

柳琴的演奏技法与琵琶类似。

在民乐队中，柳琴是弹拨乐器的高音乐器，其音响效果独特，不易被其他乐器所掩盖，常用来演奏高音区的主旋律，有时也演奏华丽、技巧性高的华彩乐段。它既适于演奏欢快、对比强烈、节奏鲜明、富有弹性和活泼的曲调，也适于演奏优美、抒情的旋律，在乐队中能与琵琶、阮、筝和二胡等乐器和谐默契地合作。

柳琴还具有西洋乐器曼陀林的音响效果，它与西洋乐队合作时更别有风味，在音色上也能水乳交融、相得益彰。在民间乐队——常州丝弦中，柳琴能与主奏的笛子密切配合，起到陪衬、增强对比和装饰作用。在器乐合奏中，有时它还处于领奏地位，能很好地调节音色变化。

演奏柳琴时，奏者端坐，将琴斜置于胸前，左手持琴按弦，右手执拨弹奏。琴拔多由赛璐珞片、塑料片或牛角等材料，制成三角形、四边形或长条形。以用0.7毫米厚的赛璐珞片制成边长30毫米的三角形投片为好，有着不掉粉末、软硬适度、富于弹性、便于控制等优点。还应将拔片每边的右侧磨簿些，以使发音清脆、洁净。柳琴拨片同拉弦乐器的琴弓一样重要，对演奏的力度、速度和音色变化有直接关系，道常将拨片的2/3夹于拇指和食指第一关节之间，用露出的1/3弹拨琴弦。

柳琴的演奏技巧，右手有弹、挑、双弹、双挑、扫拂和轮奏等，左手有吟弦、打弦、带弦、推拉弦和泛音等，其指法符号均与琵琶的指法符号相同。柳琴可以演奏各种度数的和音与和弦。自然泛音灵敏清晰、效果良好。它的震音奏法也具特色，强奏时紧张、热烈；弱奏时安静、甜美。

第三节　弦鸣乐器学习

1.二胡

二胡，拉弦乐器。又名胡琴、南胡、嗡子、胡胡。由唐宋以来的奚琴、嵇琴、胡琴演变而来。

奚琴因出自古代北方游牧民族奚人而得名。宋欧阳修《试院闻奚琴作》诗云：“奚琴本出奚人乐，奚人弹之双泪落”。早期奚琴是弹弦乐器。宋陈肠《乐书》（1101年成书）载：“奚琴本胡乐也，出于弦鼗而形亦类焉。奚部所好之乐也。盖其制，两弦间以竹片轧之，至今民间用焉”。书中绘有奚琴图，系竹制琴杆，筒状琴筒，尚无千斤，已有后世二胡的雏形。

嵇琴之名出现于唐代，其形制不详。宋高承《事物纪原集类》（1080年成书）载：“鼗如鼓而小，有柄，长尺余。然则击弦于鼓首而属之于柄末，与琵琶极不仿佛，其状今嵇琴也。是嵇康琴为弦鼗遗象明矣”。宋末元初人陈元靓《事林广记》（刊于1340年）载：“嵇琴本嵇康所制，故名嵇琴。二弦，以竹片轧之，其声清亮”。可知嵇琴系由弹弦乐器弦鼗变化而来。唐代另有轧筝，做为筝的变异形式而存在，也以“竹片轧之”（《旧唐书·音乐志》），一直流传至今。上述情况表明，我国早期拉弦乐器均由弹弦乐器演变而来，以“竹片轧之”是其共同特点。

宋代出现马尾胡琴，沈括《梦溪笔谈》载：“马尾胡琴随汉车，曲声犹自怨单于”。《元史·礼乐志》述其形制：“胡琴制如火不思，卷颈龙首，二弦，用弓捩之，弓之弦以马尾”。甘肃榆林石窟第十窟元代壁画中有一伎乐天持奏拉弦乐器，此器卷颈，二弦，以弓奏之，为我们提供了珍贵的图像。

明代胡琴又有所发展。尤子求绘《麟堂秋宴》中，有一童子奏胡琴，卷首龙头，二弦，用马尾弓拉奏，琴杆上已有固定弦长的千斤。其形制与今天的二胡大体相同。明清以来，随着地方戏曲的勃兴形成样式繁多的胡琴类乐器，它们是各种拉弦乐器综合发展的产物。

20世纪二三十年代，民族音乐家刘天华（1895年～1932年）对流行于民间的胡琴加以改进，固定其形制，为二胡走向专业化道路奠定了基础。

现代二胡琴筒用红木、紫檀、乌木、花梨木制作。呈六方形，长13、前口对边长8.8厘米。有些地区则制成圆形或八方形筒。简腰略细，前口蒙蟒皮，后口置木或骨制、雕有镂空纹饰之音窗。

二胡的构造

二胡的构造比较简单，由琴筒、琴杆、琴皮、弦轴、琴弦、弓杆、千斤、琴马和弓毛等组成的。二胡各部构造的功能：

二胡构件由九个主要部分组成，其功能分别介绍如下：

A琴筒：是二胡的重要部分，这通过弓的推拉运动，擦弦后振动琴皮发音的共鸣体。琴筒的质地和形状对音量和音质有直接影响。一般用紫檀木或红木制作。形状有六角形、八角形、圆形、前八角后圆形等，常用的是六角形。琴筒后面镶嵌着一个音窗（一般为雕木花窗），不仅对琴筒起了装饰作用，而且对发音、传音和滤音有一定的好处。

B琴皮：有蟒皮和蛇能上能下两种，蟒皮为佳。它是二胡重要的发音体，也是振源的关键，对音质和音量有着直接的影响。

C琴杆：是二胡的支柱，亦是躯干。不仅起着上连下接的支撑作用，而且对整体振动发音也有一定的影响。制作琴杆的材料有些檀木、乌木或红木。一般用红木较多。红木价廉物美，具有一定的抗拉性。

D琴轴：有上下两个（又名琴轸），起调整音高的作用，上轴缚胶内弦，下轴缚绞外弦。琴轴有木质轴和机械轴两种，两者各有利弊。木质轴调音后稳定，不易跑弦走音，但因时紧时松，给调弦带来困难。机械轴调弦快而自如，音准也好，但目前制作质量没有完全过关，时而会出现松动、滑动等现象，容易导致跑弦走音。

E弓子：是二胡发音的重要工具，由弓杆和弓毛两部分组成。弓杆是用细实的紫竹制成，粗细要适中。弓杆的软硬和弹性会直接影响到演奏效果。弓毛以前有用尼龙丝和马毛的，多用马尾，且白马尾为最佳，黑马尾次之。一般用细实紫竹缚上马尾，一端装有活螺丝（弓鱼）用来调整弓毛的松紧度。F琴弦：是琴的发音体之一，也是二胡的声源体之一。其质量的优劣，直接影响到发音效果。目前琴弦有两种：一种是金属弦，具有拉力好，音质好，音准好和灵敏度高等特点，又分铝质弦和银质弦两种，银质弦最佳；另一种是丝弦，它发出的音比金属弦柔和细腻，但位力差，音准差而且容易断弦。现在大多采用金属弦。

G千斤：又称千金，对二胡琴弦起固定和切弦作用。对音准也有一定的影响。它是用棉线、丝线、有机玻璃、塑料等材料制成。其形式多种多样，有固定千斤、线绕千斤、金属千斤等。较常用的是红绕千对斤。

H琴马：是琴弦与琴皮之间振动的媒介体，对发音有重要作用。它采用的材料有木、竹、金属和纸等，常用的有木松节马、枫木马。木松节马木质柔软，发音圆润、淳厚，枫木马软硬适中，发音柔和、噪音少。J琴托：是琴身的底托，起着装饰、稳定琴身的作用。有的二胡琴托还装有可调底托，用尼龙扣调节，演奏时更为方便。

2.京胡

京胡，又称胡琴。拉弦乐器。

清代中叶以来，随着京剧的形成，在民间传统拉弦乐器基础上改制而成。早期琴杆短、琴筒小，蒙蟒皮或蛇皮，张丝弦，用软弓拉奏，称软弓胡琴（参见“软弓京胡”条）。十九世纪后出现硬弓。二十世纪上半叶形成今日形制。本世纪五十年代始用钢丝弦。

琴杆又称担子，全长49厘米。用五节紫竹、白竹制。上方第一、二两节置弦轴，底节插入琴筒，筒里的杆上开长方形对穿的“风口”，产生复共鸣。琴筒长11.4、后口直径4.3厘米，用毛竹制，前口蒙蛇皮，后敞口。弦轴黄杨或黄檀木制。琴码竹制。弓子江苇竹制，上拴马尾，长74厘米。张二弦，设有“千斤”。五度定弦，据唱腔和曲牌不同分别为：反二簧do、Sol弦，二簧Sol、re弦，西皮Ia、mi弦，反西皮re、Ia弦。常用的是D调、E调二簧京胡和E调、G调西皮京胡。音域约两个八度。

演奏时，坐姿，琴筒置于左腿上，琴杆向左稍倾斜，左手持琴杆按弦，右手执马尾弓夹于两弦间拉奏。

弓法有拉弓、推弓、颤弓、抖弓、顿弓、带弓、快弓等，指法有按音、揉弦、打音、滑音、倚音等技巧。用于伴奏或独奏。是京剧的主要伴奏乐器，也用于其他剧种。独奏曲多源于京剧曲牌，如《小开门》、《夜深沉》等。

京胡的选购

这里就音质的好坏谈谈怎样选购京胡。

什么样的京胡是音质最好的京胡？

首先，声音要明亮；第二，京味要浓郁；第三，声音要圆润饱满结实。具备这三个条件的京胡，它的声音就可算得上是音质最好的京胡了。

所谓声音明亮，就是听起来声音是亮出来了的，不能有那种“隔靴搔痒”的感觉。京味浓不浓，主要听内弦比空弦音高三度和四度的那两个音，将京胡定好弦后，反复拉这两个音，这两个音听起来京味必须非常浓郁才能算是音质好的京胡，而且，如果这两个音的京味浓了，整把京胡的京味也就浓了。声音圆润饱满结实，主要听外弦比空弦音高六度、七度和八度的那三个音，如果这三个音听起来是圆润饱满结实的，那么，整把京胡的声音都可以保证是圆润饱满结实的了。

京味主要来源于竹肉，如果琴筒的质地不好或竹肉的厚度不够，那么，它的京味一定不浓。京胡的主要特点是京味要浓，竹簧和竹箐可以使京胡的声音明亮些，但却不能使京胡发出京味浓郁的声音。所以，制作京胡时，应该选取质地很好的楠竹（质地好的楠竹不但能使京胡发出的声音具有浓郁的京味，也可以使京胡的声音非常明亮。）并将竹簧和竹箐去掉，还须保证琴筒有足够的厚度，才能制作出音质最好的京胡。

3.高胡

高胡是高音拉弦乐器，其形、构造、演奏弓法与技巧以及所用演奏符号等，均与二胡相同，只是琴筒（共鸣箱）比二胡略小，常用两腿夹着琴筒的一部分演奏。

乐队中，高胡按实际音高记谱，定弦比二胡高纯五度或纯四度，即定弦为a（1）、e（2）或g（1）、d（2）。常用音域为a1（g1）至b3（a3）音，b3（a3）以上的音，发音紧张、尖锐，不宜多用。在常用音域范围，其音色明朗、清澈，适宜演奏优美、抒情以及秀丽、活泼的曲调，并经常与二胡构成八度奏。

高胡是“高音二胡”的统称，是在二胡的基础上改制而成的。高胡的产生，和中国民间乐种广东音乐有着密切的联系。

“广东音乐”是流行在中国广东地区的一种民间器乐表演形式，它起源于当地的地方戏剧和民间音乐。起初广东音乐中并没有高胡这种乐器，在上个世纪二十年代前后，“广东音乐”作曲家和演奏家吕文成先生对二胡进行了大胆的改革，他把传统二胡的丝弦改为钢丝弦，提高了定弦，并用两腿夹着琴筒进行演奏，这种音色清澈明亮的高音二胡，就被人们称作高胡，并且很快成为“广东音乐”中的灵魂乐器。

高胡的结构

高胡的结构及用料与二胡类似，琴筒比二胡要小。

高胡的构造，制作和用料与二胡基本相同。最大的区别是琴筒较细，多为圆形，长13厘米，前口外径8.6厘米，筒后口不加音窗。一般用钢丝弦，也有外弦用钢丝弦，里弦用丝弦的。

七十年代初，根据椭圆形扬声器的声学原理，将高胡圆形琴筒改为扁圆形，使共鸣频率范围宽、音量大。扁圆形琴筒长14.5厘米，前口长径10.3厘米，短径7厘米，后口长径11.3厘米，短径7.8厘米。蒙皮改为横鞔，琴弦适当加粗，琴杆也由圆形杆改为椭扁杆。扁圆筒高胡和扁圆筒二胡配套使用，音质非常和谐统一。对称扁八方筒高胡，可与对称扁八方筒二胡一起配套使用，满足了民族乐队的需要。

七十年代制成的三弦高胡，琴筒前口呈扁八方、后口为正八方形，琴筒内设喉管，采用立体音窗，新增的一条低音弦使音域向下扩展了五度。可演奏简单的和弦。

高胡的构造、制作和用料与二胡基本相同，最大的区别是琴筒较细。由于高胡产生的年代比较晚，因此，乐器制作家们在改造高胡的时候便少有顾虑和束缚。有的乐器制作家把早期高胡的圆形琴筒改为扁圆形状，使音量加大；有的乐器制作家还把两根弦的高胡改为三根弦，使乐器的音域向下扩展了五度。

高胡的音色清脆高亢，犹如女高音。它的这一特点加上低音区圆润的特色，使它在乐队中占有非常突出的地位。因此，中国的民族管弦乐队中一般都给高胡配备相当重要的席位。另外，由于高胡有着特别丰富的表现力，适于演奏抒情、活泼和华丽的旋律。因此，它在乐队中经常以华彩的方式给乐曲的主旋律做伴奏，并且能把主旋律按照情感的需要加以装饰。

4.中胡

中胡是在二胡基础上改制的一种乐器，故又称为“中音二胡”。所有二胡上的演奏技巧都适宜中胡演奏。它仍属于灵敏性较强的乐器。它最善于演奏一些抒展、辽阔的歌唱性旋律，和声长音与不很复杂的音型，较少演奏快速的华彩性旋律。

中胡的结构

中胡由二胡改革而成，琴杆比二胡的长，琴弦比二胡弦粗。

中胡是民乐队中重要的中音乐器。

中胡：“中音二胡”的简称。民族乐队中二胡族的中音乐器，在二胡的基础上改革制成。琴筒较二胡大，琴杆比二胡的稍长，琴弦比二胡弦粗，音色浑厚。二胡的左右手演奏技法都能应用，但中胡左手按音的指距较宽，故演奏起来不如二胡灵活，不宜演奏快速的华彩乐段，亦不能拨弦演奏。中胡音色丰满，宽厚，是民族管弦乐队不可缺少的乐器，常担负中音声部的演奏，亦可独奏或参加重奏。

中胡有龙头中胡和弯脖中胡两种。琴筒多为圆形，长15厘米，前口外径10.5厘米。也有前口是八方形，后口是圆形的，还有扩音筒中胡。琴杆长83厘米以上。琴筒蒙蟒皮。琴弓长75厘米。琴弦使用丝弦时，外弦用中弦，里弦用老弦。现在多采用钢丝弦。

经改革的中胡有扁圆筒中胡和对称扁八方筒中胡。它们在民族乐队中，可与筒形相同的高胡、二胡一起使用。以前的中胡仅适于合奏、伴奏，近年来，制成的扩音筒中胡，放长了琴筒，并将琴筒的后口制成喇叭形，才使中胡成为一件能够独奏的乐器。较著名的中胡独奏曲有《草原上》、《苏武》等。

中胡的定弦与音域

中胡定弦比二胡低一个纯四度或纯五度，音域在两个八度以上。

中胡定弦比二胡低一个纯四度或纯五度，定为g、d或a、e，也有定成比二胡低一个八度的。它的有效音区在两个八度以上。所有二胡上的弓、指法，都可用于中胡，把位也相近。

因为中胡琴杆长，按音的把位也比较宽，演奏上不如高胡、二胡灵便，所以它不大适合演奏速度较快、串把又很高的曲调。

在乐队中，中胡的席位和高胡相等，主要起衬托作用，以调整音色和加强音量。它是结合高、低音乐器以及弦乐器与管乐器之间的桥梁。乐队里有了中胡，就能弥补高低音之间的空隙，使整个乐队的声音丰满、雄厚而协调。因此在大型民族乐队中，中胡就显得重要。

此外，在江南丝竹、广东音乐等民间乐种和越剧音乐伴奏中，中胡也是必不可少的乐器。

5.革胡

革胡，新型拉弦乐器。

20世纪五十年代，上海音乐学院杨雨森（1926～1980）在二胡基础上吸收其他拉弦乐器特点创制而成。红木、花梨木制，全长170厘米。琴头雕刻龙头，琴杆插入琴筒一侧，琴杆表面设弧形指板。琴筒圆形，长37、前口外径38厘米。蒙蟒皮、马皮或羊皮。后口置音窗。皮面张力可调。置四轴，张四弦。用大提琴弓拉奏。皮膜不直接承受弦的张力，皮面内侧中心设有六足形音柱传音，琴码呈扁铲状，码脚与音柱顶衔接，以使皮膜振动范围扩大。音色圆润雄厚。定弦C、G、d、a，音域四个八度。

70年代又研制成圆方筒协振式和全板式革胡。前者协振鼓为膜板结合式，蟒皮后面贴有桐木板，发音坚实响亮；后者琴筒呈扁瓮形，不蒙皮膜，前、后和右侧三面设桐木板，通过音柱和杠杆直码使三板协振，音色淳厚低沉。

演奏时，弓在弦外拉奏，可拨弦弹奏。吸收了二胡、中胡、坠胡、马头琴的演奏技巧并有所发展。在民族乐队中可代替中胡和低胡。

革胡：一种音量较大、音域较宽的低音拉弦乐器。五十年代上海音乐学院杨雨森（1926～1980）在二胡的基础上吸取其他拉弦乐器的特点创制而成，故此称为革胡。以后又经过不断改进，如今已成为具有丰富表现力的低音拉弦乐器。

革胡的外形和中胡、低胡都不同，它张有四条琴弦，设有指板，琴筒横置，琴杆插入琴筒一侧。琴筒木制，蒙以蟒皮、马皮或羊皮，蒙皮方法和定音鼓相同，可以调节张紧度。弦马为扁铲状。振动的蟒皮不直接承受弦的压力。弓子和大提琴弓相同，在弦外拉奏，便于运弓。由于有指板，按弦极为方便，不仅能拉奏，还能拨弦弹奏。

革胡的音响低沉明亮，圆润雄厚，音域宽广，由于弓在弦外，演奏技巧也极为丰富。它吸收了二胡、中胡、坠胡、马头琴的演奏技巧并有所发展。在民族乐队中，它还能代替中胡和低胡，可用于独奏、重奏、合奏或伴奏等各种演奏形式。如今在我国和东南亚一些国家的民族管弦乐队中，已成为必不可少的低音拉弦乐器。

6.大筒

大筒：又称“花鼓大筒”。形似二胡，因琴筒比二胡筒较大较粗而得名。流行于湖南各地，是湖南花鼓戏的主要伴奏乐器。至今已有300年历史。

民间流行的传统大筒有两种

一种是“短筒式”的，琴杆、琴筒均为竹制，琴杆多用湘妃竹制，琴筒采用楠竹制作，筒前口蒙以蛇皮，外形和京胡相似，木制弦轴，张两根丝弦，用细竹控马尾或棕丝制成的琴弓拉奏，发音尖锐、单薄。

另一种是“长筒式”的，琴简筒长达25厘米，琴杆较短，用榆木制作，琴头是弯脖状，左右各置一轴，无千斤，用同样马尾弓拉奏，发音较沉闷、含糊，但有厚度。

形制特点

大筒的传统形制对琴筒而言分长筒、短筒两种。长筒长度约22cm～24cm，竹制。琴杆为木制，较短。琴头成弯月形，左右各置一轴，无千斤。由于多以蟒蛇皮做震动皮面，因此，发音相对低沉浑厚。而短筒长度约16cm，琴筒、琴杆均为竹制，由于多以菜花蛇皮做震动皮面，加之酷似京胡的外形，以及使用高梁秸做琴码，因此发音尖锐、明亮，富有特点。

与其他胡琴种类的发展进程相似，进入50年代以来，大筒在其原有的两种传统型制的基础上，逐渐改革研制出型制更接近二胡的新型大筒。琴筒可用精选竹筒旋制，也可用楠竹片拼制，形状成六方或八方形，蒙以蛇皮。琴杆竹制或采用红木制作，并由原来的丝弦改用钢弦。为保持琴身稳定，在琴筒下方增加竹制或木制底托。从定弦到演奏技法均与二胡相似。除在很大程度上保持了自己原有的声音特色以外，新型大筒的技术、技巧的发展，无可否认地进入了规范发展的新阶段。

20世纪50年代以来，随着花鼓戏的发展，经改革已制成新型大筒，全长约82厘米，琴筒用竹黄较厚的楠竹制成六方形，筒前口蒙以当地所产菜花蛇、乌梢蛇等蛇皮，琴杆改为红木杆，琴马由竹马改用高梁稻秸制作，丝弦改用钢丝弦，并在琴筒下增置底托。

新型大筒按五度关系定弦，里外弦分别定成d1、a1，音域从d1～e3，达两个多八度。高音区发音较细窄，很少使用；中音区有色圆润、明亮；低音区浑厚而粗犷。

大筒的演奏技巧与二胡相同，可以演奏各种装饰音和清音，已发展为独奏或合奏乐器。

大筒在湖南花鼓戏的伴奏中，定弦可根据演员嗓音的需要适当调整，在乐队中它的音响较为突出，不易被其他乐器所淹没，具有花鼓戏音乐的乡土风味。大筒还用于长沙丝弦的伴奏。

7.四胡

四胡，拉弦乐器。又称四弦、二夹弦。源于古代奚琴。宋代陈旸《乐书》：“奚琴本胡乐也。”清代用于宫廷乐队，称提琴。清代《律吕正义后编》：“提琴，四弦，与阮咸相似，其实亦奚琴之类也。”流行于内蒙古、东北和华北各省、区。

四胡由共鸣筒、琴头、琴杆、弦轴、千斤、琴马、琴弦和琴弓等部分组成。流行于汉族地区的四胡，有大、中、小三种规格，共鸣筒有铜制和木制两种。木制者，琴筒呈八方形，用红木、花梨木或硬杂木制作，筒长13.2厘米～13.8厘米，前口外径（对角）8厘米～10厘米；铜制者，琴筒呈圆筒形，用薄黄铜片卷焊而成，筒长13.3厘米～14厘米、外径6.8厘米～9厘米。琴筒前口蒙以蟒皮、牛皮或羊皮，筒后口加边框。琴头、琴杆用一整块木料制成，多使用红木、紫檀或乌木制作，杆长79厘米～85厘米、直径2厘米～2.4厘米。琴杆上端为琴头，平顶、镶有骨饰，稍斜向后方。琴杆上部呈方形柱状体，等距横置四个弦轴，与琴筒平行安装，弦轴多使用红木制作，呈圆锥形，轴顶加骨片为饰。琴杆中、下部为圆形柱状体，中部设有千斤钩，下端装入琴筒中。皮面中央置竹制桥形琴马。张有四条丝弦或钢丝弦，一、三弦为里弦，二、四弦为外弦，每组两弦，音高相同。琴弓用细竹拴马尾而成，弓长75厘米，马尾分为两股。

四胡是京韵大鼓、西河大鼓、天津时调、湖北小曲、绍兴莲花落等说唱和二人台、曲剧、皮影等戏曲的伴奏乐器。

8.板胡

板胡是以琴筒蒙以桐木薄板而得名。又称梆胡，秦胡，胡胡，呼胡，大弦和瓢。历史较短，品种繁多，音色明亮，高亢。是我国多种梆子腔戏曲，北方戏曲和曲艺的主要伴奏乐器。

板胡的历史

板胡于明末清初在胡琴的基础上出现，因琴筒上蒙木板而得名。

板胡：又称“梆胡”、“秦胡”、“胡呼”、“大弦”和“瓢”。是梆子腔、乱弹腔各剧种的主要伴奏乐器，也用于曲艺伴奏，如兰州鼓予、道情。

板胡是明末清初伴随戏曲梆子腔的出现，在胡琴的基础上产生的乐器。因琴筒胶以薄木板而得板胡之名，至今已有300多年的历史。

板胡音色明亮、高亢，常用于独奏、合奏或为地方戏曲和说唱伴奏，是深受我国人民喜爱的拉弦乐器。

几百年来，板胡流行于我国的东北、华北和西北各地，为多种地方戏曲和曲艺所吸收，在河北梆子、评剧、豫剧、山东莱芜梆子、吕剧、晋剧、郿鄠、秦腔、蒲剧、兰州鼓子和陕北道情等伴奏中，都占有主要地位，其中以陕西、甘肃和山西等省最为普遍。

现在，板胡已成为民族乐队中不可缺少的特色乐器和具有浓郁民族风格的独奏乐器，并为歌剧、民族歌舞和声乐伴奏。在地方戏曲和曲艺伴奏中，各地区的板胡又都善于表现各自不同的风格，富有独特的地方色彩。

板胡独奏曲有《灯节》、《赶路》和《大姑娘美》等。

板胡的构造

板胡的结构绝大部分和二胡相同，主要区别在琴筒和千斤上。琴筒又称瓢，是板胡的共鸣箱，呈圆筒形，用坚硬的椰子壳做成，也有用木质、铜质或竹质的，七十年代以后还用低发泡（ABS）材料模压成型。琴筒一头大一头小的形状，能使音响共鸣集中并造成板胡的特色。瓢大发音低沉不宏亮，瓢小则发音尖啸刺耳。琴筒前口不蒙皮膜而胶以桐木板。它是板胡音色优劣的关键，以用木质松软、纹理顺直匀密、无痕节和水渍的梧桐木为佳。筒后口有的敞口，有的开五个音孔，呈金钱眼状。琴杆用红木、紫檀木或花梨木制作，以贵重的乌木为好，琴杆为圆柱形，上端是琴头，呈方形，开有弦轴孔。琴杆不宜过长，过长会有碍发音的优美，并加宽了指位，不便运指和掌握音准。弦轴多用琴杆木料或黄杨木制成，表面开有辩纹，装在琴杆同一侧面。目前大部分板胡已用木柄齿轮铜轴，调弦既准确又不会回弦。

弓子用粗细均匀、富有弹性的江苇或其他竹子做成，比二胡弓子长而粗，上面装的马尾以白马尾为好，出音柔润。弓杆不宜过长或过短，过长笨重，过短不宜拉奏长音。

板胡的千斤又称腰马，因在琴杆中部支弦而得名，是用牛角或红木制成的扁形木片，用丝弦系于琴杆下铀到弦马的1/3处。

弦马用竹或木制成，置于面板中央以上、板的1/3处为宜，竹马共鸣较大，发音也较浑厚优美。

新中国成立以后，在音乐工作者和乐器制作者的努力下，板胡的制作技术也有了很大的发展，使许多新品种加入了“板胡家族”。其中有中音板胡、高音板胡，三弦板胡，竹筒板胡，秦腔板胡等等，都是“板胡家族”的“新成员”。

随着板胡形制的发展，板胡的演奏技巧也在不断地提高，表现力也更加丰富多彩，成为中国民族乐队中不可缺少的特色乐器和具有浓郁地方特色的独奏乐器，并为民族歌剧、民族歌舞和声乐伴奏。

第四节　打击乐器学习

1.钹

钹的历史

钹源于西亚，流行于北魏。明清后成为戏曲的重要伴奏乐器。

钹：古称“铜钹”、“铜盘”，民间叫做“镲”。是常见的打击乐器。历史久远，表现力强。不仅在民族音乐、地方戏剧、吹打乐和锣鼓乐中使用，还广泛用于各族的民间歌舞和文娱、宣传活动中。

钹源于西亚，最早在埃及、叙利亚，以后在波斯、罗马等古国都有流传；在东方，先见于印度，后而中亚，据《北帝书·神武记》记载：钹大约是在公元350年左右，随《天竺乐》传入我国中原。

6世纪初期，铜钹在北魏民间已很流行，并很早就在梵乐中使用。

钹在隋代九部乐中，已用于天竺、西凉、龟兹、安国和康国五乐中。

到了唐代，十部乐中有七部用钹，尤其在燕乐中，还有正铜钹与和铜钹之分。在敦煌千佛洞的隋唐壁画和成都五代前蜀皇帝王建墓的乐舞石刻中，已绘有敲击铜钹的人像。

明、清之际，钹是昆曲等地方戏剧中的伴奏乐器。

钹的结构

钹由响铜制成，构造简单。

钹在地方音乐及管弦乐队中应用广泛，在少数民族中亦相当流行。

钹的构造简单，钹体为一圆形金属板，用“响铜”制成，中部隆起的半球形部分称“碗”或“帽”，碗根与钹边之间叫作“堂”，碗是钹的固定点，顶部钻有小孔，用绸或布拴系，叫“钹巾”，演奏者须取站姿，用双手通过钹巾持住钹身，相击后振动发音。也可以悬挂在支架上，用鼓槌滚奏，表现力很丰富。

钹属于金属体鸣乐器，无固定音高。其音响洪亮而强烈，穿透力很强，善于烘托气氛，是管乐队、交响乐队、管弦乐队中必不可少的色彩性打击乐器。用于强奏时，极富气势，通常表现一种激情；用于弱奏时，其作用类似大鼓，属于节拍乐器。

钹的应用极为普遍，在十番锣鼓、潮州锣鼓、四川锣鼓、西安鼓乐等锣鼓乐队和苏南吹打、河北吹歌、山东吹乐、山西八套等吹打乐队中广泛使用，并是民间歌舞和开展文娱、宣传活动离不开的乐器。

钹在京剧等地方戏曲中，发音较高的小钹和中钹，多用于武戏或伴奏吹打曲牌，它们常与奉锣和仿苏锣配合使用；发音较低的光钹和大钹，多用于文戏，常与虎音锣或中堂锣配合使用。在民族管弦乐或器乐合奏中，大钹和小钹也已成为重要的节奏乐器。

钹除汉族广为使用外，在藏、壮、彝、侗、傣、景颇、佤、白等少数民族中也广为流传。

钹的制作和锣基本相同，也要经过配料熔炼、锻打成型和冷砸剪边，最后在碗顶钻孔系以绸布而成。钹的音色、音量和传远度，主要取决于响铜的成分、面积、厚薄、边沿部分的坡度和碗的大小。鉴别钹的质量优劣，除视其钹面光洁、稍带弧度、圆度准确和边缘厚度一致外，中间的碗形大小也要整齐。必须将两面音高相同的钹配为一副，有些钹发音噪而刺耳，多是由于两面钹的音高不一所致。

演奏时，双手各持一面互击。有轻击、重击、磨击、扑击等手法。用于民间器乐合奏、地方戏曲、歌舞伴奏和锣鼓队中。另有单击音，用小棰敲击单片钹沿，获其特殊音响效果，用于民族乐队和说唱伴奏。如流行于福建福州、闽侯、永泰、连江、闽清等地的曲种“福州评话”。即用单钹伴奏。演唱者右手执钹，拇指上套一瓷环，可碰击钹的边缘作响，左手持一小棍敲击，以击节说唱。流行四川的曲种“荷叶”，也用单钹伴奏，相传形成于清乾隆、嘉庆年间，而且是因演员击节所用之钹，形似荷叶而得名。

2.锣

锣是中国传统的打击乐器，锣在中国的民族乐队中占有非常重要的地位，而且应用范围也很广泛，它不仅在民族乐队、民间器乐合奏、各种戏曲、曲艺以及歌舞伴奏中使用，而且也是庆祝集会、赛龙舟、舞狮子、欢庆丰收和劳动竞赛中不可缺少的乐器。

锣，是我国各少数民族和汉族常用的敲击体鸣乐器。历史悠久，种类繁多，音响洪亮，各具特色，流行于全国各地。

远在春秋时期，我国西南的百濮人和江南的百越人，就以金属冶炼而著称。锣是古代濮族人民和壮族先民骆越部族最早使用的乐器之一。云南是我国古代铜鼓的发祥地，在晋宁石寨山古墓出土的铜鼓中，有的鼓面正中受击处呈半球形隆起，和现今的十分相像，这是一种原始形制的锣，锣面上有舞蹈图，边沿有一铜环。在广西宁明花山崖壁画中，也保存着许多骆越人集合鸣锣的珍贵形象资料。1978年，从广西贵县（秦汉时称布山县）罗泊湾一号墓，还曾出土了一面西汉初期的百越铜锣，该锣近圆形，锣面横径32.1厘米、纵径33.4厘米，锣脐直径22厘米，锣边铸有拱线纹一道，拱弦上系了三个等距的活环，锣面上刻铭文“布”字。这是我国目前已知年代最早的铜锣实物。可见，锣在我国已有两千多年的历史了。

秦汉以后，随着民族间的交往，铜锣逐渐向内地流传，公元6世纪前期方至中原，但见于记载较晚。《旧唐书·音乐志》在“铜拔”条中有：“铜拔、亦谓之铜盘，出西戌及南蛮。……南蛮国大者圆数尺，……”这圆之数尺的“铜盘”，是锣见之于文字的最早记载。北宋《乐书》中提及铜锣在中原出现时说：“后魏自宣武以后，始好胡音。洎于迁都，……打沙锣。”时当公元515年之后，将敲击一种小锣称作打沙锣。古代，锣常用于礼仪和战争，曾称为“金”。故有“鸣锣开道”和“鸣金收兵”之说。到了宋代，锣在民间音乐形式“鼓板”中被应用。

元代，除各少数民族的迎赛神社常常鸣锣外，它还是杂剧的主要伴奏乐器。《兰采和杂剧》中就有：“持着些……锣、板和鼓……”之句。在《元史·礼乐志》中开始载有云（即今之云锣），并记述了其形制和演奏方法，它除在宫廷宴乐使用外，也在民间流行，充分说明当时锣的制造和演奏已具有一定的水平。元代以后，随着戏曲艺术的发展，为锣的运用开辟了广阔的天地。明、清以来，各种形制的锣广泛用于戏曲音乐、舞蹈音乐和传统鼓吹乐、吹打乐、锣鼓乐中。锣在昆曲伴奏中占有重要地位，据清代李斗《扬州画舫录》载，当时戏曲歌舞中就用到了云锣、小锣、汤锣和大锣等。我国的大锣还西传欧洲，在1791年，法国作曲家戈赛克开始将大锣用于管弦乐作品中。在我国广大城乡，锣还曾是肩担贸易小贩和耍猴者沿街招揽生意的工具，以锣的特有音调代替叫卖、称之为“唤头”。20世纪以来，锣已被各少数民族和汉族广泛用于民间娱乐、节庆活动、地方戏曲和民间音乐中，参加各种乐队演奏。

锣由锣体、锣架（锣绳）、锣棰三部分组成。锣体铜制，因用“响铜”制成，故也有“响器”之称。结构较简单，锣体呈一圆盘形，四周以本身边框固定，用锣棰敲击中央部分振动发音。一般中央部分略凸，称为脐、光或堂，是发音的主要部分，脐的大小、厚薄与锣的面积比例，决定着音调的高低，也有中央部分平坦无脐或突起成半圆的球状，这些都构成了锣的主要特征。锣脐与锣边之间称为锣面、“二位”或“内、外八字”，在锣边一侧钻有两个锣孔，以穿系锣绳，便于提携或悬挂锣架。

长期以来，经过各族人民不断的精心创造，由于应用的地区和场合的不同，在我国形成了品种繁多、各具异彩的锣。据形制特征可分为平型锣、脐型锣和乳型锣三类；按发音高低可分为低音锣、中音锣和高音锣三类；按演奏形式又可分为单面锣和组合锣两类。在这些锣中，小的直径仅有几厘米，大的直径达一米五以上。不仅它们的造型不同，而且音色和效果也各有特点。目前较常用的锣，可简单地分为大锣、小锣、掌锣和云锣四类。大锣发音较低，锣边钻孔系绳，左手提起或挂于架上，右手执棰击奏；小锣发音较高，锣面呈坡形，锣脐分大、中、小三种，有高音、中音和低音之分，锣边无孔，不系锣绳，以左手食指关节处提锣内缘，右手执锣板击奏；掌锣是锣中最小的一种，锣面平坦无脐，形如盘状，置于左手掌中，右手执锣板击奏；云锣是锣中可演奏旋律的乐器，由十面小锣组成，用绳系于木架上，左手执架柄，右手用锣棰击奏。20世纪60年代以来，这种组合型铜锣发展很快，出现了套、排、编、琴、二十九音云锣、三十六音和三十八音云锣等新品种。

中国的打击乐器根据制作材料的不同，分为金属、竹木和其它三种。锣属于金属类的打击乐器。锣是用铜冶炼而成的，它的结构比较简单，锣身呈一个圆形的弧面，四周是以锣身的边框固定，演奏者用木棰敲击锣身正面的中央部分，产生振动而发音。

最早使用铜锣的是居住在中国西南地区的少数民族。到了公元前二世纪左右，随着各民族文化交往的日益加强，铜锣逐渐向中国内地流传。那时候，铜锣在战争中应用比较广泛，古代的军事首领们经常用铜锣来指挥军队作战。中国古代的军事术语“鸣金收兵”中的“金”就是古代铜锣的别称。

长期以来，由于应用的地区和场合的不同，形成了各具类型的锣约30余种，其中常用的有大锣和小锣两种。

大锣是铜锣类乐器当中体积最大的一种，直径在30厘米到100厘米不等。它的特点是发音宽宏，深沉而雄厚，音色柔和，余音比较长；在大型乐队中，大锣往往起到渲染气氛和增强节奏的作用，而在戏剧中则用以增强气氛和突出人物性格等。

小锣分为高音、中音和低音三种，直径在21至22.5厘米之间，小锣是一种用途很广的伴奏乐器，尤其被中国的戏剧京剧、评剧、梆子戏、花鼓戏等地方戏曲，以及曲艺、话剧、吹打乐队和民间舞蹈广泛采用。

3.云锣

云锣，是蒙古、满、纳西、白、彝、藏、汉等族使用的敲击体鸣乐器。古名云辙，民间称九音锣。藏族称丁冬、丁当。是锣类乐器中能奏出曲调的乐器。常用于民间音乐、地方戏曲和寺庙音乐中。流行于内蒙古、云南、西藏和汉族广大地区。

云锣，又名云璈。打击乐器。唐宋两代的诗词中已有演奏云璈的描述。宋苏汉臣所绘《货郎图》、山西永乐宫元代壁画和三清殿斗拱间的装饰画中均绘有云锣。历代云锣所用小锣十至十四面。早期云锣多用于道教生活，其后流传于民间。

我们的祖先很早就将音高不同的小铜锣编排起来，用于音乐实践中。宋代画家苏汉臣的《货郎图》中，一货郎身挂数件乐器，其中有一件为十面云锣，可知早在宋代民间已有云锣流传和使用了。六百多年前的元代，云锣不仅在民间流行，并且在宫廷宴乐中使用，当时称为云墩，《元史·礼乐志》“宴乐之器”中有：“云墩，制以铜，为小锣十三，同一木架，下有长柄，左手持，而右手以小槌击之。”这也是见于文献的最早记载。元代云锣还用于宗教音乐中，如在山西芮县永乐镇的永乐宫元代壁画《奏乐图》和三清殿斗拱间的装饰画中，均画有演奏云锣的图像，宫中壁画反映的是道教生活，表明云锣早期已用于道教音乐。元代的史籍和壁画看来，就有十、十三和十四音云锣。清代前期，云锣曾发展到二十四音，《扬州画舫录》记载着在福建地区曾流行过十四音云锣。据《清史稿》载，云锣在清代宫廷音乐中已广泛用于御前仪仗乐、丹陛大乐、中和清乐、导引乐、铙歌及铙歌清乐、凯歌、庆神欢乐、赐宴乐等。清代曾有《云锣谱》传世，由著名京剧表演艺术家梅兰芳先生收藏，梅先生在《太真外传》一出戏中用过云锣。《云锣谱》后由梅先生赠予好友宋先生。该《谱》详尽地介绍了云锣的音律和每面云锣的规格尺寸。

云锣由锣体、锣架和锣棰组成。锣体铜制圆形，锣面凸起，平坦无脐或稍有弧度，锣边与众不同，除垂直于锣面外，并与锣面呈平行向外伸延，有一圈平面锣边。在平面锣边上钻有三或四个锣孔，穿以丝线，按其音位排列悬挂于锣架木格中。传统云锣多由十面小锣组成，平面锣边直径9.7厘米—11厘米，锣面凸起1.3厘米—1.7厘米，锣面直径7厘米—8.5厘米，根据音的高低，十面小锣的大小厚薄略有不同。锣架木制，高76厘米、宽50厘米，分成三扇，左右两扇各分三格，中间一扇分成四格，每格宽13.4厘米、高12.8厘米，三扇都插在一个木柄上，使之成为一个整体。锣棰木制，柄长33厘米左右，一端置木制棰头。也有竹片制柄，牛角制头的锣棰。演奏时，多用左手持锣架木柄或将木柄抵在桌子上，右手持单棰敲击，这种奏法花点较少；也可不持木柄，将锣架放于桌面上，上部垫高成为斜面，或斜靠于墙、支架于地面上，双手各执一棰敲击，这种奏法花点较多。云锣的音位排列，因地区和乐种的不同而有异，音域分别为g1～b2、a1～d3。北京智化寺“京音乐”所用云锣正调的音位排列与清代《律吕正义后编》（成书于1764年）所载十面云锣音位排列相符，是较为古老的排列法。北京智化寺“京音乐”十面云锣音位排列：宫二六二户。

云锣在我国各地广为流传，主要用于历史比较悠久的鼓吹乐、吹打乐和佛教、道教音乐中。在苏南吹打、十番鼓、十番锣鼓、福州十番、河北吹歌、山东鼓吹、山西鼓乐。

传统云锣多由十面小锣组成。锣面无脐，边缘被垂直于锣面的锣沿所固定，锣边钻有小孔，用绳系于装着木格的特制木架上，因最上方的一面小锣（名“高工锣”）不常用，故民间又称“九音锣”。北京智化寺“京音乐”所用云锣正调的排列与清代《律吕正义后编》（成书于公元1764年）所载云锣音位相符，是较古老的排列法。“十番鼓”所用云锣的音位是民间较流行的排列法。演奏形式有两种，一种是左手持木架柄或将柄抵在桌上，右手用单棰（竹片制把，牛角制头）敲击，这种奏法花点较少，另一种是卸下木架柄，将三扇木格上端垫高，斜置于桌面上，双手持棰敲击。在“苏南吹打”，“十番锣鼓”等器乐合奏中，云锣多奏旋律的骨干音，有很强的色彩性。“西安鼓乐”则用两架云锣，分别装在特制的底座上，面对面依一定角度立置于桌上，由一人执棰敲击，成为独具特色的双云锣演奏。本世纪六十年代以来，音乐工作者和乐器研制者不断对传统云锣进行改革。1963年，济南部队前卫文工团赵行如同山东周村鲁东乐器厂合作，在民间九音锣基础上，参照山东曲阜孔庙编钟形式，首先制成二十九音云锣，音域g～f3。北京民族乐器厂制作的三十六音云锣，音域#c～c3。沈阳军区文工团田德忠和鲁东乐器厂合作，在二十九音云锣基础上，制出三十八音云锣，音域c1～c4。此外，还有十五、二十六和三十七音云锣。

改革云锣所用铜的合金成分与传统响铜有别，其音质更纯正结实。演奏时使用软硬两种锣棰，每种两支一副，由一人左右手各执一棰站立演奏。软棰用软橡胶制成或用较小的京锣棰，发音柔和、优美；硬棰用牛角或硬橡胶制成，发音强烈、明亮，常在高音区使用，演奏快速旋律很有光彩。奏法有单击、双击、滚击、轻击、重击或大跳等手法，可奏双音、琶音，双手各执两棰同时分击，可奏出四音和弦。改革云锣既可演奏旋律，也可为乐曲作各种节奏型伴奏，如作华彩乐段独奏，可获得强烈而辉煌的音响效果。其四音和弦，声如宏钟，庄严雄伟。乐曲有《水库凯歌》、《旭日东升》、《渔舟凯歌》、《钢水奔流》等。

4.排鼓

排鼓是鼓类乐器的新品种。出现于20世纪60年代初，由中央广播民族乐团蔡惠泉、杨竞明等根据民间常用的中型堂鼓和腰鼓改革制作而成，以后又不断有所改进。

排鼓由五个大小不同、发音有别的鼓组成一套。鼓身高29至33.3厘米，上口面直径16.7至37厘米，下口面直径11.7至37厘米。每个鼓的两面鼓框外径相同而内径不一，可发出音高不同的两个音来，故五个鼓有十个音。每个鼓的两面都装有调音设备，调音幅度可达四或五度，可根据实际需要定音。鼓身固定在一个可以升降的特制鼓架上，鼓架上端为“U”形架，鼓身置于架中可以翻转进行音高选择。

排鼓发音激烈、跳荡，高音坚实有力，中、低音宽厚宏亮，尤擅于表现热烈欢腾的情绪。在乐曲《山寨的节日》、《海上锣鼓》、《龙船锣鼓》中，均有排鼓的独奏乐段。

吉林省歌舞剧院于延河与苏州民族乐器三厂合作，研制成由十三面鼓组成的排鼓，鼓身用玻璃钢制作，鼓和架为插口式结合，结构新颖，已用于舞台演出。

5.铜鼓

铜鼓，是彝、苗、瑶、侗、壮、布依、毛南、水、黎、白、土家、纳西、仡佬、佤、傣等族和克木人、（亻革）人的敲击体鸣乐器。苗语称妞、涅，侗语称每甲、甲多，布依语称主、根，佤语称土洛、格花，克木语称彦。流行于滇、黔、川、粤、桂、湘、海南等省区。

关于铜鼓的记载，自汉以来常见。西南少数民族地区盛行铜鼓，所以保存下来的铜鼓较多。铜鼓全部铜铸，一般的铜鼓鼓面直径约五十公分，高约三十公分（个别的较大）。鼓腔中空，无底。两侧有铜环耳。鼓面和敲身都刻有精致的花纹。铜鼓按不同形制和花纹，分为八个类型：万家坝型、石寨山型、冷水冲型、遵义型、麻江型、北流型、灵山型、西盟型。广西北流出土一面铜鼓，高67.5、面径166厘米，重300公斤。是现今世界最大的铜鼓。全国各地收藏的铜鼓已达1400面，分散在中南、西南各地民间还有200余面。中国是世界上发现铜鼓数量最多、铸造和使用铜鼓时代最早、历史最长的地区。铜鼓在历史上留作为军鼓，《通典》、《文献通考》、《太平御览》等，都把铜鼓列入乐部。在古代，少数民族贵族统治者，曾以占有铜鼓的多少，作为代表自己统治权力大小的象征。但少数民族的广大人民，把铜鼓作为乐器，至今广西的壮族、贵州的苗族等，都流传铜鼓舞。舞蹈时把铜鼓悬挂起来，一人用鼓槌敲击鼓而，一人手执木桶对准鼓底，以增加共鸣，声音浑厚深沉，能传远处。舞者（一般是集体）围着铜鼓，随着鼓点节奏起舞。

铜鼓是由用作炊具的铜釜（类似锅）演进而成的，流传下来的铜鼓，年代远自春秋初期至清末不等。用青铜铸造，大小不一，最大者鼓面直径100厘米以上，最小者仅10余厘米，重量自数十斤至数百斤。形式多样，工艺精湛。鼓面有浮雕图案，中心为太阳纹，边缘有蛙、龟、牛、马等立体装饰，鼓身也有花纹环绕，丰富多彩。原为统治权力的象征，用以号召部众进行战争，并作为祭祀、赏赐、进贡的重器。明清以来已成为我国南方少数民族使用的传统乐器。它是中华民族文化宝库中之珍品，也是东方文化中的一朵奇葩。

1975年，云南考古工作者在楚雄彝族自治州万家坝古墓群，出土了我国最原始的铜鼓。“鼓身似釜，而且大部分表面有烟痕”。经用碳十四测定，确认这是在公元前8世纪的春秋之初，我国西南古代濮族人民铸造和使用的世界上最早的圆墩形单面铜鼓。铜鼓不但源于铜釜，而且当时尚处于乐器与炊器混用的初期阶段。到了公元前7世纪左右，有些铜釜专门作为乐器使用，并经过不断改进才成了铜鼓。几个世纪以后，铜鼓由发祥地洱海地区逐渐东移到滇池地区。在公元前3世纪至公元前1世纪的战国末期及汉代，滇人将其发展为形制稳定、图饰丰富的铜鼓。然后传到百越族中骆越人生活的红河三角洲地区，又东传百越族后裔生活的两广南部地区，再传到黔、湘西，向北传到川南。

关于铜鼓，范晔的《后汉书·马援传》中有：“援好骑，善别名马，于交趾得骆越铜鼓。”这是对铜鼓的最早记载。晋人裴渊在《广州记》中写道：“俚僚铸铜为鼓，鼓唯高大为贵，面阔丈余。”房玄龄《晋书·南史》：“广州夷人，宝贵铜鼓。”当时的广州地域很大，包括今两广绝大部分。骆越系秦汉以前百越民族中的一个部族，即今之壮族。隋唐以来的文献中，更多见到两广、滇、黔、川和湘西等地有关铜鼓的记载。《隋书·地理志》：“自岭以南，二十余郡……并铸铜为大鼓，初成，悬于庭中，置酒以招同类。”唐代杜佑《通典》：“铜鼓，铸铜为之，虚其一面，覆而击其上。”提到只有一个鼓面。唐代刘恂在《岭表录异》中描写铜鼓形象时写道：“蛮夷之乐有铜鼓焉，形如腰鼓，一头有面，鼓圆二尺许，面与身连，全用铜铸，其身遍有虫鱼、花草之状，通体均匀，厚二分以外，炉铸之妙，实为奇巧，击之响亮，不下鸣鼍。”南宋诗人范成大《桂海虞衡志》：“其制如坐墩，而空其下，满鼓皆细花纹，极工致，四角有小蟾蜍。”

在我国南方各民族中，除流传使用的铜鼓外，大部分都来自地下埋藏。从公元9世纪起，就已经有铜鼓出土。《岭表录异》中曾记录了最早的两则出土史实。范成大《桂海虞衡志》中有：“铜鼓，古蛮人所用，南边土中时有掘得者。”周去非的《岭外代答》中也有：“广西土中铜鼓，耕者屡得之。”在两广和贵州等许多地方，因掘获铜鼓而将山川、村寨冠以铜鼓之名者不计其数，最常见的为铜鼓山、铜鼓岭、铜鼓溪、铜鼓滩和铜鼓村等。明万历戍午年（1618年）端阳，广西桂平有人在浔江打渔，网获铜鼓一面，同日还从土中掘得一面。八年之后，此事被浔州教官乐明盛写成《双获铜鼓记》存于《浔州府志》。112年后，又在浔江同一地方捞得一鼓。因两次得鼓而获铜鼓滩之名，并引不少诗人慕名探胜。胡南藩在《铜鼓滩》中写道：“铜鼓何年铸？曾闻跃此滩，渔人抬不得，神物出应滩。”清代金鉷《铜鼓记》：“雍正八年春，粤西北流县农民获铜鼓一。”《叙州府志》：“宜宾县，横江乡，水洞坝，嘉庆三年，土人掘获，今置城北师来山元祖庙。”铜鼓载于正史、笔记小说和诗词歌赋中的不下百余种，尤以明清以来南方各省的地方志为最，记录了铜鼓的发现、使用、流传和有关的风俗民情，成为今日研究铜鼓的可贵资料。

铜鼓是一种平面曲腰、中空无底的敲击体鸣乐器，因通身用青铜铸成而得名。造型典雅，音响别具风韵。它由面、胸、腰、足、耳五部分组成。鼓面圆而平，是敲击发音的部分，下接鼓身，连接部分略外凸，形成球状弧度为胸。腰部略细，内收如束腰。往下鼓身又扩大，呈喇叭口部分为足。鼓身两侧各有两个半环形的耳。通身皆有华丽而精美的纹饰，鼓面主体为太阳纹，即中心有呈放射状的光芒，一般以12芒最为普遍，8、10芒次之，并有4、5、6、7、11、14、16、32芒的。太阳纹周围，有许多层称“弦”的同心线条，弦数多少不等，弦与弦之间由宽窄不等的图案组成，称为晕圈。鼓身四周的表面，也有多数平行的晕圈，晕圈中铸出的纹饰图案绚丽多彩，有虫鱼、鸟兽、花卉、舟船和人物等，工致纤巧，别具风采。

我国古代铜鼓，按其历史、分布地域、形制和饰纹等的不同，分为万家坝、石寨山、冷水冲、遵义、麻江、北流、灵山、西盟等八种类型。

6.大鼓

结构组成：由鼓身、鼓皮、鼓圈、鼓卡和鼓棰等部分组成。

使用材质：鼓身：木质或轻金属材料；鼓皮：多用牛皮；鼓圈和鼓卡：目前多用铝合金制成。鼓棰：短而粗的木棰，一端包以皮条、布料或绒毡，呈球状。

乐器特色：属于双面膜鸣乐器，无固定音高，但可控制发音的强弱变化。用鼓棰敲击发音，随用力的变化来表现不同的音乐情绪。其音色低沉响亮，雄壮有力，用于模仿雷声和炮声时恰如其分。

现代大鼓起源于古代土耳其，因此又称大军鼓，中世纪时传入欧洲。是军乐队、管弦乐队和交响乐队中最重要的打击乐器，几乎不作独奏，而是参与合奏或衬托乐队和声的伴奏乐器，但大鼓的地位非常重要，它不仅使乐队的低音声部更加充实、丰满，而且为整个乐队带来一种气势，增添了活力。

7.堂鼓

堂鼓属打击乐器。它的起源很早，据传说最早的鼓是皮面，用草扎成的棰子敲击，主要为祭神之用。后来人们在生产劳动和军事活动中创造了各式各样的鼓，使鼓的品种也多了起来。鼓在歌舞、戏曲艺术中是必不可少的一种伴奏乐器，有时它还起着指挥的作用。在某些器乐合奏中，鼓也占有相当重要的地位。它除了用于伴奏合奏外，有些鼓已发展成为独奏乐器，据说唐代就已出现了着名的独奏鼓手。而今，在某些器乐曲中也有了鼓的独奏乐段，如南方的十番鼓、北方陕西的鼓乐等。今天流传的鼓，种类繁多，各具特色，同时有着丰富的表现力。

堂鼓又称月鼓，属打击乐器。以木为框，两面蒙牛皮。演奏时，将鼓放在木架上，用双木槌敲击。

堂鼓的鼓面较大，从鼓心到鼓边可发出不同的音高，其音色也不同。一般鼓心的音较低沉，愈向鼓边则声音愈高。击奏时，音量能从很弱到很强，力度变化也很大，对情绪及气氛的渲染能起较大的作用。是现代民间器乐合奏及戏曲音乐中常用的乐器之一。

相传，北宋崇宁年间（1102～1106），江西庐陵有一个名叫胡安道的，在朝廷做刑部秋官。此人机智善谋，审案公正，铁面无私，赏罚分明，故有第二个包公的美称。微宗皇帝龙颜大悦，就将宫廷的一面铜鼓赐给了他。这个铜鼓十分精致，鼓两面刻着花纹，鼓边（铸）有乳头小点，还有四只提耳。铜鼓有七寸多高，磨盘一样大小，重二十五斤，轻轻一击，声如琴瑟，猛一重击，声如洪钟。人们都说这是一件吉祥器物，加上这个铜鼓经过皇上加封，所以它就更是一件宝物了。

后来，胡安道年老卸职，回到家乡，把这个铜鼓也带回家乡。全族的人听到这个喜讯后，大礼迎接把铜鼓挂在宗祠里，顿时满堂金碧辉煌，光彩夺目。这样一来，可惊动了三村九姓，前来观看的人络绎不绝，胡氏宗祠被挤得水泄不通，好不热闹。

胡安道说：这是一件宝物，“宝不露白”，不能随便挂在祠堂里，万一坏人盗去，岂不成了“无妄之灾”。大家一听，变为言之有理，就同意将这个铜鼓收藏起来，后来，邻村见铜鼓被藏起来了，既见不到鼓样，也听不到鼓声，他们就仿照铜鼓的样式，做了一个牛皮鼓，形状一模一样，敲起来声音洪亮悦耳，于是就把它挂在祠堂里做为堂鼓，如遇急难之事，堂鼓一敲，全村的人都聚拢起来。后来慢慢演变，越用越广，逢年过节，婚丧庆典，擂鼓三通，气氛浓烈。舞龙灯，打狮灯，也擂鼓助兴，成为民间不可缺少的一种乐器，一直沿用至今。

8.手鼓

手鼓，朝鲜族、满族混合击膜鸣乐器。流行于辽宁、吉林、黑龙江等省，尤以吉林省延边朝鲜族自治州最为盛行。

鼓身扁圆形，鼓框木制，有的用多层板条烘烤弯曲定形而成，鼓口直径19.5厘米、鼓边高3.5厘米～4厘米，两面均蒙以牛皮或羊皮。将皮面预先缝在大于鼓口的圆铁圈上，铁圈用粗铅丝制作，直径21.5厘米，然后在两铁圈中穿以绳索，拉紧铁圈而使鼓皮绷紧。鼓框一侧设有短木柄，柄长9厘米、柄径2.6厘米。手鼓鼓面光素无饰，鼓框和短柄均涂以红漆。鼓棰木制，棰长26厘米，棰柄稍粗。

演奏时，奏者左手持握鼓柄，将手鼓竖举于胸前，用右手拍击。也可将鼓横置，右手执鼓棰敲击，发音响亮，无固定音高。常用于朝鲜族民间歌舞和满族民间杂技伴奏。舞者表演时，常边击边舞，敲击部位、节奏多变，舞蹈动作难度大，并多有朝鲜族大锣、大金、小金、杖鼓和镲配合伴奏。手鼓既是歌舞、杂技的伴奏乐器，又是舞蹈的舞具。

9.铃鼓

铃鼓，维吾尔、朝鲜、乌孜别克、塔吉克、汉等族的打击乐器。维吾尔语称纳格曼达卜（意为歌唱用的手鼓）。朝鲜语称平高。流行于新疆、辽宁、吉林、黑龙江等省区。

结构组成：由鼓框（一圈鼓框上开有若干长条型孔，每个孔中安装有一对小钹；有的铃鼓还在一圈鼓框上悬挂几个铜铃）和鼓皮两部分组成。

使用材质：鼓框：一般为木质结构；小钹：铜制；鼓皮：多用羊皮制成。

乐器特色：属单皮膜鸣乐器，直接用手敲击发声，无固定音高。铃鼓具有简易、轻便的特点，适合于民间舞蹈，普遍应用于世界各地。演奏时一只手提鼓身，另一只手敲击鼓面，可同时发出鼓声和钹声（甚至铃声），常用来烘托热烈的气氛，表达一种欢乐的情绪。音色清脆、明亮，还可发出急速而美妙的震音，真可谓“载歌载舞”。

演奏时，多用左手持鼓，以右手手指或手掌击奏。摇动鼓身，可使小钹同时作响。多用于民间器乐合奏、歌唱或舞蹈伴奏。塔吉克族的达夫，多成对使用，并由两位女子演奏，一人奏基本鼓点，另一人加花装饰，这是塔吉克族多年来留下的传统风俗。

10.八角鼓

八角鼓，又称单鼓。满族、白族、汉族拍击膜鸣乐器。因鼓身呈八角形而得名。流行于北京、天津、河北、河南、山东、内蒙古、辽宁、吉林、黑龙江和云南省大理、剑川等地。

八角鼓，是古代满族人民用于自娱的一种伴奏乐器。亦说它是由满族八旗的八位首领各献一块最好的木料镶嵌而成，它的八个边象征着满族八旗的团结。八木相拼而得八角，所以叫作八角鼓。

满族是一个古老的游牧民族，早在2000多年前就生息在我国东北长白山、黑龙江之间的广大地区；今天，又扩及河北、山东、内蒙古等省、区和北京、西安等城市。勇敢剽悍的满族人民，创造了丰富的音乐文化。民歌题材广泛，形式多样。宗教祭祀歌舞，历史悠久，气氛热烈。民间乐器几乎全部是萨满祭祀时用的响器，唯有八角鼓用于演唱伴奏和歌舞表演。

明代中叶以后，八角鼓开始流传北京。明代沈榜《宛署杂记》中记载：“刘雄八角鼓绝：刘初善击鼓，轻重疾徐，随人意作声，或以杂丝竹管弦之间，节奏曲合，更能助其清响云”。当时的八角鼓演奏技艺水平很高，刘雄被誉为都城八绝之一。随着1644年清王朝在北京定都，大批满人入关，在清乾隆年间（公元1736年～1795年），八角鼓已作为鼓书、单弦等曲艺的伴奏乐器，并有专业艺人演唱，曾盛行于宫廷和北京、天津、东北各地。清代中叶，北京的八角鼓曲种沿运河南下传入山东，在聊城、临清、济宁等地，又演变成为“山东八角鼓”。

鼓体较扁而小，鼓面呈八角形，鼓框用八块乌木、紫檀木、红木、花梨木和骨片拼粘而成。规格尺寸有异，常见者鼓面对角长16.5厘米～19厘米，鼓框高4.8厘米～5.5厘米，单面蒙以蟒皮、驴皮或马皮，以小鳞蟒皮为佳。四周边缘亦镶嵌骨片作为装饰。在鼓的七面边框木板中间，均开有海棠花瓣形的透孔，中间用铜钉各穿一对铜制小钹。另一面框板上装有一个小铜环，系以鹅黄色或大红色丝绳花结，下垂两束丝制鹅黄色或大红色长穗为饰，表示谷生两穗，象征丰收。外观小巧玲珑，制作精细，除可作为乐器演奏外，还有着较高的艺术欣赏价值。

演奏时，将鼓面竖置，以左手拇指、食指、中指伸在鼓框内，无名指、小指托鼓，右手各指弹击鼓面而发音，音色清脆，优美动听。演奏技巧丰富，过去有“挝鼓十法”“击鼓五法”之说，现在常用的有坐、弹、垫、轮、搓、磕、分弹、簸等。民间有口诀曰：“怀中抱月不许偏，四平八稳忌耸肩。摇鼓腕抖臂别动，打垫轮搓应合弦。”演唱中只用坐法，每拍一响，簸（摇）法常用于曲调的托腔部分，弹、垫、轮、搓、磕等技法用在岔曲和音乐的前奏、间奏部分。并可用左手拇指、食指弹击鼓皮的背面。尤其是弹击鼓面与摇震鼓身相结合发出的音响，更具特色。

八角鼓早期用于古代满族曲艺“八角鼓”中，本世纪50年代，这种曲艺在曲牌的基础上发展为“满戏”。如今，八角鼓主要用于北京、天津、东北地区及河北各地的说唱音乐“鼓书”和“单弦”（也称“单弦牌子曲”或“八角鼓”）中，由演唱者本人手持八角鼓敲击节奏，另由伴奏者弹三弦。

八角鼓除满族、汉族使用外，还流传于云南省大理、剑川等白族人民聚居地区。白族的八角鼓，又称金钱鼓，有八角和六角形两种。演奏时，左手举鼓，右手掌击，用于民间歌舞伴奏。

北京中国艺术研究院音乐研究所中国乐器博物馆收藏八角鼓多面，其中一面已被载入《中国乐器图鉴》大型画册中。

11.太平鼓

太平鼓，是满、蒙古、汉等族常用的膜鸣乐器。因单面蒙皮又称单皮鼓，广泛流行于东北、内蒙古、陕西、甘肃、河北、安徽等省区。

太平鼓历史较悠久，唐代已有，宋代谓之打断，明代民间称为太平鼓。相传，单皮鼓最早是满族猎民的围猎用具，出猎时边击边围，获猎后击鼓歌舞。清人何耳《燕台竹枝词》载有：“铁环振响鼓蓬蓬，跳舞成群岁渐终。见说太平都有象，衢歌声与壤歌同。”

满族萨满祭祀用的太平鼓，鼓框用铁条弯成，鼓面呈椭圆形，长径48厘米，短径38厘米，鼓框高1.5厘米，单面蒙以马皮、驴皮或羊皮。鼓柄长20厘米，柄下端的大铁环直径16厘米以上，大环中串以直径6厘米的小铁环。鼓槌称鼓鞭，用竹制成，鞭长44厘米，鞭尾系以红绸巾为饰。

汉族民间流传的太平鼓，鼓面呈桃形、扁圆形或团扇形，鼓面宽20厘米—32厘米，鼓框高1厘米～1.5厘米，鼓柄长10厘米～15厘米，柄端缀以铁环或小铜钹。鼓面蒙以羊皮或多层高丽纸。鼓框缀彩球为饰。鼓鞭长34厘米。鼓柄和鼓鞭下端均系以红缨穗或红绸巾。

演奏时，左手持柄举鼓，上下左右摇动，右手执鼓鞭敲击鼓面，可击鼓心、鼓边、鼓框或鼓背。太平鼓多用于舞蹈伴奏，常配合舞蹈动作敲击，边敲边舞。表演形式有单人、双人和集体等多种，常在农历正月新春或元宵佳节的喜庆活动中表演，是群众性的文娱活动。太平鼓既是乐器，也是舞具。咚咚的鼓声、飘舞的红缨，更增添了节日气氛。

北京中国艺术研究院音乐研究所中国乐器博物馆收藏着一面珍贵的太平鼓。鼓框呈团扇形，面径40厘米，蒙以羊皮，下接铁制鼓柄，柄长10厘米，外缠藤皮，柄下大铁环直径16厘米，内串直径3厘米小铁环18枚。鼓鞭长44厘米。鼓框周围缀有5枚彩色绒球为饰，外表雅致而美观。

12.象脚鼓

象脚鼓是傣族古老的民族乐器。明朝人钱古训写的《百夷传》一书说：傣族“以羊皮为三、五长鼓，以手拍之”。这里说的“三、五长鼓”正是指的象脚鼓，其长度有三尺至五尺的意思。可见在明代以前，傣族就已经有了象脚鼓。

关于象脚鼓的来历，在傣族民间流着一个非常有趣的故事。说的是很久以前，傣族地区年年洪水为患，人们不得安居乐业，后来才知，是一条蛟龙作孽。大家都恨死了这条蛟龙，有一个勇敢的傣族青年，立志为民除害。他在乡亲们的帮助下，终于杀死了蛟龙。在庆祝胜利的时候，人们为了表示对孽龙的憎恨，对幸福生活的憧憬，就剥下蛟龙皮，仿照象征吉祥如意的白象的脚，作成了象脚鼓。从此，象脚鼓的咚咚声，响彻傣家村寨，表达出傣族人民的欢乐心情。在傣族人民的心目中，百兽中的大象和百鸟中的孔雀都被看成是吉祥的象征。因此，每当象脚鼓敲响之时，男女老幼都欢快地跳起舞来。

现在，傣族人民制作的象脚鼓，鼓身细长，鼓面不再用蟒蛇皮，而是用羊皮作成。鼓身用轻质木材，一段完整的圆木挖空树心而成。整个鼓身涂上鲜艳的彩色，并用孔雀翎毛装饰，非常美丽。鼓身上系黄色或其他彩色绸带，挂在击鼓人的左肩。击鼓人夹鼓于左胁下，双手击鼓面。击鼓前，要用糯米饭滋润鼓面，使鼓声哄鸣悦耳。牋？击鼓人边敲鼓边舞蹈，鼓声时紧时缓，节奏明快。击鼓人是整个舞蹈的组织者和指挥着。人们随着鼓声欢乐舞蹈，舞姿婆娑，变化万千。有的击鼓技巧特别出众者，还能以鼓代“言”，用象脚鼓和另一鼓手以鼓“谈话”。

象脚鼓用一整段木材（或几块木料拼粘）制作，两端较粗，中腰细长，通体中空。上端是杯形的共鸣体，鼓面蒙以牛皮、羊皮、马皮或虎皮，鼓皮四周用细牛皮条勒紧，拴系于鼓腔下部，并可调节其张紧度。鼓身外表涂漆，鼓腰和鼓的下半部，多雕绘出具有民族特色。

的装饰图案，有的还在鼓身上系有花绸带和彩球象脚鼓有大、中、小三种。大鼓是象脚鼓中最高大的一种，傣语称“光亚”，一般在130～160厘米，最高的达190厘米，鼓面直径30厘米左右。中鼓傣语称“光吞”，是象脚鼓中用途最广的一种，鼓高60～95厘米，鼓面直径23～28厘米，鼓底直径23～31厘米。中腰最细处直径11～15厘米，常用于象脚鼓舞或节日庆祝。小鼓外形有如矮脚怀状，高仅30～40厘米，应用不如大、中型鼓广泛。

象脚鼓傣语称“光憨咬”，“光”为鼓，“憨”为尾，咬为“长”，直译为“长尾巴鼓”，因其形制似象腿，所以又称“象脚鼓”。从象脚鼓的外形来看，鼓身修长，头大、腰细、尾端喇叭形，可分为鼓胸（共鸣腔）、鼓腰（传音孔道）和鼓足（鼓尾）三部分。傣族称象脚鼓为“熬滚”，意为人的影子。象脚鼓就如美丽的傣族妇女一般，穿着紧腰、窄袖短衣，下着筒裙，显露出修长苗条的身材。从象脚鼓的外形我们看到傣族妇女的服饰特点和象脚鼓的外形制造上也有一些审美观上的联系。

象脚鼓鼓身常有图饰，图形多为孔雀，有时象脚鼓在舞动中还插上几根孔雀羽毛，而孔雀是傣族人最珍视和喜爱的鸟类，它代表着吉祥如意，表现了傣族人对美好生活的向往和追求。同样，象脚鼓造型似大象的足，而大象在傣族人的心中象征五谷丰登，生活美好。从象脚鼓中看到了孔雀和大象，无不表明出傣族人民的美好愿望。

象脚鼓在傣族人民节庆当中扮演着重要的角色。傣族主要节日有关门节、开门节、泼水节，在傣历新年节时也举行泼水，划龙船，放高升等活动，在这些盛大节日和集会中，少不了傣族人舞蹈表演，嘎光、象脚鼓舞、孔雀舞在所有傣族舞蹈中最具典型性、代表性和广泛性。

13.铜鼓

古代乐器

铜鼓在古代常用于战争中指挥军队进退，也常用于宴会、乐舞中。商至战国的铜鼓目前见到的只有两例：一例是一件横置的两面鼓，鼓面铸成类似鳄鱼皮的花纹，鼓身铸双鸟，是商代器；另一例有两件，筒状，底中空，是春秋时期的秦器。大量铜鼓出于西南少数民族地区，时代多相当于汉或以后。《后汉书·马援传》有关于骆越铜鼓的记载。铜鼓都为青铜铸，大小不一，最大的直径在一百厘米以上，最小的仅十余厘米，重量自数十斤至数百斤不等。鼓面有浮雕图案，中心为月光形，边缘为蟾蜍等。鼓身全部有花纹围绕。

民族乐器

铜鼓，一种流行于广西、广东、云南、贵州、四川、湖南等少数民族地区的打击乐器。铜鼓全部铜铸，一般的铜鼓鼓面直径约五十公分，高约三十公分（个别的较大）。鼓腔中空，无底。两侧有铜环耳。鼓面和敲身都刻有精致的花纹。铜鼓按不同形制和花纹，分为八个类型：万家坝型、石寨山型、冷水冲型、遵义型、麻江型、北流型、灵山型、西盟型。广西北流出土一面铜鼓，高67.5、面径166厘米，重300公斤。是现今世界最大的铜鼓。全国各地收藏的铜鼓已达1400面，分散在中南、西南各地民间还有200余面。中国是世界上发现铜鼓数量最多、铸造和使用铜鼓时代最早、历史最长的地区。在古代，少数民族贵族统治者，曾以占有铜鼓的多少，作为代表自己统治权力大小的象征。

演奏方法

但少数民族的广大人民，把铜鼓作为乐器，至今广西河池的瑶族、贵州的苗族等，都流传铜鼓舞。舞蹈时把铜鼓悬挂起来，一人用鼓槌敲击鼓而，一人手执木桶对准鼓底，以增加共鸣，声音浑厚深沉，能传远处。舞者（一般是集体）围着铜鼓，随着鼓点节奏起舞。

铜鼓花纹

铜鼓制作工艺考究，用以铜为主要成分的铜、锡、铝合金等铸造。面、胸、腰、足、耳五部分浑然一体。鼓身上段为胸，中段是腰，下段是足，腰间有两对鼓耳。铜鼓大小、轻重不一，鼓面多铸有太阳纹、翎眼纹、云纹、乳钉纹、栉纹、游旗纹等纹饰。按照名史家黄现璠所撰《铜鼓及其花纹的新探索》一文中所言，铜鼓的花纹，反映如下几个意思：

（一）反映对自然现象的崇拜。壮族人民从事农业生产中，对于阴阳雨雪的变化，知道与太阳有密切关系，但不了解这种自然现象的发生原因，产生了“万物有灵”的观念。对太阳极为崇拜，壮族民间传说中还有“太阳与月亮的传说”。解放前有的壮乡还挂着“日月牌”。故鼓面正中必画以太阳，反映了农业生产必需阳光。

（二）反映对雨水的渴望。铜鼓上的连续回旋形构造，方形的叫雷纹，圆形的叫云纹，这是壮族先民在农业耕种中对求雨的反映。它早巳出现在新石器时代出土的陶器上，甲骨文中可看出它的演变，商周时代把它加以发展，装饰在铜器上，铜鼓用它作花纹图案，反映了壮族先民一向从事农业生产，其中雷纹影响最大，为求雨多建雷庙，解放前南宁亭子立有雷庙，古时壮人还有定六月二十四日为雷公诞的。

（三）作为图腾崇拜的反映，鼓面饰有四至八只蛙，有的大蛙负小蛙，有的大蛙中还有数只小蛙。这是古人对蛙的崇拜。因“蛙鸣即铜鼓（鼓）精”、“鼓声宏者为上”，龟蛙能知天时，故视为神物。铜鼓为壮族先民的重器，鼓面饰蛙就是图腾崇拜的象征。东兰县解放前每年还举行“埋蛙婆”的盛典之俗。至于翔鹭纹、十二生肖、钱纹等，都与农业人生产有密切关系的自然现象和生物有关。

（四）反映了壮族人民的历史传说。如竹节纹，《华阳国志》卷四《南中志》说：“有竹王者，兴于遁水，有一女子浣于水滨，有三节大竹流入女子足间，推之不肯去，闻有儿声，取持归破之，得一男儿，长养有才武，遂雄夷狄（《水经注》作‘遂雄夷濮’），氏以竹为姓。”铜鼓面上刻有竹节纹，是很自然的事。在古代僚人和近代仫佬族中，还保存竹王的传说和崇拜。

（五）反映壮族先民的生活和环境。《旧唐书·地理志》说：邕州……宣化，州所治……灌水在县北，本胖柯河，俗呼郁状江，即骆越水也。亦名温水，古骆越地也。”按温水即南盘江。南盘江与红水河相接，因此，温水就是胖柯河，唐代叫骆越水。划船纹跟濮族住于濮水有关。其他如水波纹，亦跟濮水有联系。

此外，鼓面中的立体骑马纹，古代壮族人也有骑马之习惯。明称广西为陆梁之地，宜于骑马，产马也多。作为铜鼓花纹以反叫反映壮族人民战斗的骁勇。

一、权力和财富的象征

据《兴文县志》记载，明王朝的军队万历年间镇压了川南行悬棺葬的民族——都掌蛮以后，获“铜鼓九十三面”，都掌人首顾阿大泣日：“鼓声宏者为上，可易千牛，次者七八百，得鼓二三，便可僭号称王，鼓山颠，群蛮毕集，今已矣。鼓失而蛮运终矣。”《太平寰宇记》载北宋时期居住两广一带的少数民族“俚僚贵铜鼓，以高大唯贵。……鸣此鼓集众，到者如之。有是鼓者，极为豪雄。”

二、与铜鼓有关的习俗

铜鼓多在欢乐和喜庆的场面中出现，但过去在苗族和瑶族的丧葬活动中敲击铜鼓却是必不可少的宗教仪式。生活在我国广西北部山区的瑶族同胞至今在送葬之前还几天几夜连续不断地敲击铜鼓：铜鼓声音宏亮、深沉，鼓声可以把死人离开人间的不幸消息传到很远的村寨，以便他的亲友赶来参加葬礼。敲击铜鼓亦可召唤鬼神前来护祐死者的灵魂，使他平安到达另一个世界。

敲击铜鼓伴随歌舞，常常与祈年禳灾等宗教祭祀活动密切相关。我国历代诗人墨客对南方少数民族敲击铜鼓，载歌载舞赛神的情景有许多生动、形象的描绘。如唐代诗人温庭筠在《河渎神》中咏道：“铜鼓赛神来。满庭幡盖徘徊。水村江浦过风雷，楚山如画烟开。离别橹声空萧索，玉容惆帐妆薄。青麦燕飞落落，卷帘愁对珠阁。”

五代词人孙光宪在一首《菩萨蛮》中写道：“木棉花映丛祠小，越禽声里春光晓。铜鼓与蛮歌。南人祈赛多。客帆风正急，茜袖偎樯立。板浦几回头，烟波无限愁。”

诗词中有明媚旖旎的南国春光，又有在大好春色中，少数民族敲击铜鼓，伴随阵阵鼓声和粗犷的歌声，舞蹈赛神的热烈场面。

在科学极不发达的古代，社会生产力水平很低，我国南方少数民族“俗信妖巫，击铜鼓以祈祷”和“击铜鼓沙锣以祀鬼神”的现象十分普遍。这种宗教祭祀活动在西南边远山区，尤其是长江两岸及两广一带特别盛行。我国古代诗人一再把铜鼓赛江神的奇异民族风情载入他们的诗篇，唐朝诗人许浑在《送南客归有怀》中吟道：“绿水暖青菇，湘潭万里春。瓦樽迎海客，铜鼓赛江神。避雨松枫岸，看云杨柳津。长安一杯酒，座上有归人。”

14.八音鼓

乐器简介

八音鼓，又称八仙鼓。是壮族、仡佬族棰击膜鸣乐器。因在民间器乐合奏八音乐队中使用而得名。壮语称种依，意为较小的鼓。

流行地区

流行于广西壮族自治区桂西隆林各族自治县、西林县和黔桂边界等地。

形制结构

壮族的种依，鼓身呈扁圆形，用杂木制作，以用一段木棉树为佳，掏空原木内腔而成。规格大小不一，鼓面直径13.5厘米～26厘米、鼓框高5.7厘米～11厘米、框壁厚1.3厘米～1.5厘米，两端蒙以牛皮、羊皮或薄木板为面。木面者，板厚不超过0.4厘米；皮面者，鼓皮周边用竹钉固定绷紧。在鼓框一侧缀有一个小铁环，环上拴系彩色布条或鼓绳，另一侧钻有一个直径1厘米的音孔。

仡佬族的八音乐队称八仙乐队，故八音鼓在仡佬族称八仙鼓。这是一种带柄的小手鼓，鼓身圆形，有大小不同规格，鼓面直径13厘米～25厘米、鼓框高5厘米～10厘米，鼓框木制，两面蒙以牛皮、羊皮或其它兽皮，鼓框一侧置有用粗铅丝制成的鼓柄。鼓身外表涂以红漆并绘有描金纹饰。

演奏方法

演奏时，左手提鼓绳、布条或持鼓柄上举，右手执小木棰敲击。演奏方法有单击和滚奏等，音色柔和。主要用于民间器乐合奏八音（又称八仙）和壮剧伴奏中。每支八音乐队、八仙乐队或壮剧伴奏乐队，都要使用一面八音鼓，是壮族、仡佬族节日、婚娶等喜庆场合中离不开的节奏性乐器，常作合奏击节之用。

15.建鼓

乐器简介

建鼓，古称足鼓、晋鼓、楹鼓、植鼓、悬鼓。蒙古、满、汉等族棰击膜鸣乐器。曾为历代宫廷所用。流行于内蒙古、辽宁、吉林、青海等省区的喇嘛寺院及汉族广大地区。

历史悠久

历史悠久，三千年前的商代至西周之际已有此鼓，是我国出现最早的鼓种之一，战国时代已广泛应用。《国语·吴语》中有：“载常（常：旗名，画日月于其端。）建鼓，挟经秉枹（经：兵书，枹：鼓棰。），万人以为方阵。”韦昭注：“鼓，晋鼓也，《周礼》：‘将军执晋鼓’。建，谓为楹而树之。”《礼记·明堂位》载：“殷楹鼓”。注曰：“楹，贯之以柱也。”战国时期铜器上镂刻的花纹图案和山东沂南汉代画像石中均有敲击建鼓的图像。汉代建鼓多以流苏羽葆为饰。汉代张衡《东京赋》：“鼓路鼓，树羽幢幢。”羽葆以翟尾（野鸡尾毛）做成，羽葆中间的幢上有流苏，用丝帛之类制成，可随风飘扬。《隋书·音乐志》载：“建鼓，夏后氏加足，谓之足鼓。殷人柱贯之，谓之楹鼓。周人悬之，谓之悬鼓。近代相承，植而贯之，谓之建鼓，盖殷所作也。”《旧唐书》与《隋书》所记相同。建鼓在壁画中较为少见，敦煌石窟唐代156窟壁画中有建鼓图像，但奏法完全不同，是一人背鼓在前面走，随后一人双手执鼓棰边走边奏，曾用于出行仪仗队和天宫伎乐中。此法至今仍在甘肃省河西广大地区的民间社火活动中沿用。明清两代宫廷一直使用建鼓。在明代中和韶乐和清皇朝祭司乐中，建鼓均为开典领奏乐器。沈阳故宫博物院也将此鼓收藏于历代宫廷乐器中。

出土文物

1978年，湖北随县擂鼓墩曾侯乙墓出土了百余件战国时期古乐器，其中有一面建鼓，这是目前所知我国年代最早的建鼓实物，距今已有二千四百年历史。鼓框木制，鼓身长约100厘米，两面蒙皮，鼓面直径80厘米，鼓身中间垂直贯穿一根直径7厘米的木柱，并牢固植于一个青铜盘龙鼓座上。鼓座高50厘米、直径80厘米，由数十条青铜雕龙相互纠结盘绕而成，其中有十六条大龙对称缠绕，在每条大龙的头、身、尾部均攀附数条小龙，龙身上嵌绿松石，制作技艺无比精美。这面建鼓根据实物复原，植于原青铜鼓座中，现藏于湖北省博物馆。

形制结构

建鼓的鼓身长而圆，鼓体较大，中间稍粗，两端略细，两面蒙皮，用两棰击鼓一面，音量洪大，传播甚远。我国今日流传的许多大鼓，都起源于建鼓。到了清代，宫廷中使用的建鼓，工艺精致，鼓面直径73.7厘米，通体饰以金漆，鼓面绘以彩色双龙和彩色云纹图案，鼓座已衍变为十字形木制脚架，四脚之上均雕有兽饰，木柱的上端，盖以皇冠木架，架的四角垂以长长丝穗，木柱顶端立有一支金色飞禽为饰。

演奏方法

内蒙古自治区喇嘛寺院中的建鼓，鼓身木制，鼓体短而圆，鼓长20厘米，两端鼓面直径30厘米。室内演奏时，将直贯鼓身的木柱插入木座，双手执棰击奏；室外演奏时，左手持握木柱，右手执单棰击奏，发音清脆明亮，用于寺院法事场合。

现存状况

1990年，江苏省苏州民族乐器三厂制成世界上最大的楹鼓。鼓身呈腰鼓状，鼓长350厘米、腰径250厘米、两端鼓面直径134厘米，它比现存美国的世界上最大之鼓还长100厘米。它是根据山东曲阜文化工作者王明星整理的《礼记·明堂位》、《周礼》、《乐律全书》等文献中殷楹鼓的有关资料制作的，安置在曲阜孔庙大成殿前，已用于同年的山东省国际孔子文化节箫韶乐舞演出中。

16.竹鼓

乐器简介

竹鼓，又称竹筒鼓、升筒鼓。佤、布朗、傣、汉等族棰击膜鸣乐器。在祖国西南边陲的阿佤山区，几乎家家都有竹鼓，供儿童敲击娱乐。广泛流行于云南省沧源、耿马、西盟、孟连、澜沧、德宏等地。

竹鼓历史

最早的竹鼓，是用大龙竹筒做成的竹制体鸣乐器，后来才蒙以猪膀胱、青蛙皮或蛇皮。德宏傣族，称竹鼓为猪尿泡鼓。澜沧布朗族，称竹鼓为土鼓或地鼓，它的使用与风俗活动有密切关系。过去，凡遇久旱不雨之年，根据民族传统风俗，全寨要举行宗教祈雨祭祀活动，多在寨外山坡大青树下，挖一深30厘米的圆坑，将竹鼓置于坑内，坑前置桌供以鸡、酒、糯米饭等食品，一位德高望重的老人在坑前边念祈祷词边执小棍击敲。本世纪70年代末，经过沧源佤族自治县音乐工作者的改造发展，在鼓腔下端延展出鼓腰与鼓足，使之能立地演奏。

形制结构

鼓身竹制，用一根长约100厘米、直径10厘米～11.5厘米的三节大龙竹筒制作，竹筒中间去节，两端通透。用上端的一节作为鼓腔，一般长20厘米～30厘米、竹壁厚0.8厘米～1厘米，鼓面蒙以羊皮，鼓腔以下的一节竹筒挖成空条状，中间用竹篾片绑扎成蜂腰状鼓腰，并将最下面的一节制出三条腿，鼓身通体施以彩绘。大小不同的数面竹鼓组成一套。形制美观大方，富有地方特色。

演奏方法

演奏时，奏者既可将竹鼓立于地上，双手执短木棰敲击鼓面，也可用左手将竹鼓抱在腰间，鼓面朝前，右手执棰击奏。竹鼓无固定音高，发音高亢清脆，常用于民间舞蹈伴奏。在佤族《竹鼓舞》中，男女青年边奏边舞，很有特色。它既是舞蹈的伴奏乐器，也是舞者的道具。

17.长鼓

长鼓分两种，一种是朝鲜族长鼓。另一种是瑶族长鼓。朝鲜长鼓主要流行于吉林省延边朝鲜族自治州及其它朝鲜族聚居地区，又名伏鼓。起源于古代的细腰鼓；瑶族长鼓于宋代已流传，多以燕脂木制作，工艺精细，主要用于舞蹈伴奏。

朝鲜长鼓

朝鲜族长鼓，又称杖鼓、两杖鼓。流行于吉林省延边朝鲜族自治州及其他朝鲜族聚居地区。

长鼓为古代细腰鼓的变体。隋唐时期已用于宫廷九、十部乐中。宋代《乐书》：“杖鼓、腰鼓、汉魏用之。大者以瓦，小者以木类，皆广首纤腹。”沈括《梦溪笔谈》：“唐之杖鼓，本谓之‘两杖鼓’，两头皆用杖。今日杖鼓，一头以手拊之”。元代记载尤详，《元史·礼乐志》：“杖鼓，制以木为匡，细腰，以皮冒之，上施五彩绣带，右击以杖，左拍以手”。

鼓身木制，呈圆筒形，两端粗而中空，中段细而实。全长70～80厘米，鼓面直径约40厘米。两端鼓腔大小不一，蒙皮也有别。粗的一端蒙牛皮、马皮或猪皮，细的一端蒙鹿皮、白色鱼皮或狗皮，皮膜以铁圈为框，由皮条或绳索绷紧并可调节张度。鼓身外涂红漆。因鼓腔大小和蒙皮薄厚有别，可发出两种不同音色，粗端为柔和深沉的低音，细端为清脆明亮的高音，一般为四度或五度音程关系，并可根据需要调节音高。

演奏时，坐势，置鼓于架上；立势，将鼓挂于奏者身前，右手执鼓棰敲击细端鼓面，鼓棰用细竹条做成，长40厘米左右，棰头稍大；左手拇指放在粗端鼓框边，用其余四指拍击。演奏技巧丰富，左手有单鼓点、单花点、双花点和闷鼓点四种，右手有单鼓点、单花点、双花点、滚奏、震奏等多种。演奏者往往是不10至20岁的年轻姑娘。

瑶族长鼓

瑶族长鼓，流传于瑶族地区的细腰鼓，主要用于舞蹈伴奏。早在12世纪的宋代，瑶族人民已能制作长鼓。但不相送、不出售，并且寨寨都有。古时称为“铙鼓”或“铳鼓”。明清两代仍以铙鼓为名，至今有的瑶寨还将长鼓叫作铙鼓。

瑶族长鼓制作精细，外形美观，多以燕脂木制作，鼓身呈一长筒形，长83厘米左右，系用一整块木料车旋而成，中腰较细而实，两端稍粗面空，蒙以羊皮或山兔皮。通体彩绘着云头、日月、龙凤、花草或鸟兽等图饰，油漆色调鲜明，极富民族风格，有的还在鼓的两端和腰间系着8个小铜铃。

在瑶族的民间舞蹈中，《长鼓舞》是最为著名的。舞蹈者将鼓斜挂腰侧，双手拍击，或左手执鼓中部，用右手拍击，边击边舞，长鼓既是伴奏的乐器，又是舞蹈的道具。在瑶族村寨，每年逢10月16日这天，人们便会如醉如痴地跳起长鼓舞。

长鼓瑶语称“播公”，其历史悠久。南宋绍兴二年（1132）五月三日颁发的《十二姓瑶人进山榜文》载：“天子殿前，国王长衫大袖，长腰木鼓，斑衣赤领，琵琶吹唱。”据此已有800多年历史。传说瑶族始祖盘瓠上山打猎，与一野牛搏斗时跌落悬崖，死在一棵树权上。人们便挖空树心，剥下牛皮蒙成长鼓，日夜敲打以祭盘王。

长鼓按其形状分小、中、大三种。小长鼓亦称短鼓，长约70—90厘米，鼓腰直径为4—6厘米，两端鼓面直径为8—10厘米；中长鼓亦称长腰鼓或黄泥鼓，长约110～150厘米，鼓腰直径约15～20厘米，两端鼓面直径约25～30厘米；大长鼓亦称赛鼓，长约180～240厘米，鼓腰直径约20～25厘米，两端鼓面直径约30～50厘米。无论哪种长鼓，均由木质松软的树作材料，牛、羊皮蒙鼓面，涂上油漆，绘上龙凤图案。

长鼓的击鼓动作有72套，大多是表现生产、生活内容，如建房造屋、犁田种地、摹仿禽兽动作等，形象生动，富有生活气息。击鼓有文打武打之分。文打动作柔和缓慢，武打粗犷豪放；有2人对打、4人对打，也可大群人围成圆圈打，气氛热烈，鼓声洪亮。演奏者大多是壮年男子，现也有女子敲打。

瑶族打长鼓大多在农历三月三、六月六、八月十五、十月十六日举行。尤以十月十六日瑶族“盘王节”最为盛行。“还盘王愿”三年一小愿，十二年一大愿；小愿打长鼓三天三夜，大愿则打七天七夜。中华人民共和国成立以前，此类活动由同姓宗族组织进行。中华人民共和国成立后，则以村为单位组织，而且不限于上述节日，国庆节、春节或庆贺丰收时，均可打长鼓。

18.圆鼓

乐器简介

圆鼓，是满族、朝鲜族混合击膜鸣乐器。满语称铜肯，又称抬鼓。朝鲜族又称扁鼓、民鼓。流行于辽宁、吉林、黑龙江等省，尤以吉林省延边朝鲜族自治州盛行。

圆鼓历史

圆鼓原为满族萨满教祭祀活动中使用的伴奏乐器。《满族祭神祭天典礼》中有：“其鼓别有手鼓、架鼓，俱系主家自击。紧缓一以萨吗（满）鼓声为应。”历史较为久远。

形制特征

满族的圆鼓，形如短桶状，鼓框木制，两端蒙以马皮或驴皮为面，皮面边缘穿有等距小孔，用皮绳或麻绳交插穿入小孔中，勒紧皮面使其固定于鼓框两端，鼓皮张力可调。鼓面直径30厘米、鼓框高25厘米。

朝鲜族的圆鼓，外形呈扁圆形，故有扁鼓之称。鼓框木制，两面蒙以牛皮或羊皮，先将皮面缝于圆形藤圈之上，用绳索交插穿入两藤圈中，勒紧绳索使两端鼓面绷紧，余绳缠绕于鼓框中部，鼓皮张力可松紧，音高可调。鼓面直径30厘米～45厘米、鼓框高15厘米～20厘米，鼓框涂以红漆，描绘金色花卉图案，并使用红色线绳勒紧鼓皮。

北京中国艺术研究院音乐研究所中国乐器博物馆收藏的朝鲜族圆鼓、鼓框用多层板烘烤弯曲定形而成，鼓框直径37厘米、鼓框高17厘米、框壁厚1厘米，两端蒙以牛皮，皮面缝在两个直径42厘米藤圈上，用红线绳穿入藤圈勒紧使鼓皮绷紧。鼓身涂以红漆，制作工艺精细。此鼓已被载入《中国乐器图鉴》大型画册中。

演奏方法

演奏时，满族民间多将圆鼓置于两膝间，以手指或手掌击奏。萨满表演时，则由人肩抬圆鼓或将鼓置于木架上演奏；朝鲜族民间多在圆鼓框上缠捆红布带，将鼓竖挂于胸前，左手拍击左边鼓面，右手执木棰敲击右边鼓面或鼓边。发音柔和响亮，无固定音高。演奏风格与杖鼓近似，节奏变化较多。演奏者情绪激动时，上下飞动鼓棰，表情幽默、活泼。也可将圆鼓置于左脚背上，以伸屈左脚控制击鼓部位，左手扶鼓，右手拍击或执棰击奏。常用于民间器乐合奏或歌舞伴奏。朝鲜族的圆鼓，经常与杖鼓、筒箫一起合奏，并在民间乐队中居于领奏地位，除用于演奏外，它还是民间舞蹈的道具，表演时奏者边击边舞。圆鼓已成为节日、假日和喜庆场合离不开的节奏性乐器。

19.定音鼓

定音鼓简介

乐器名称：定音鼓

定音鼓来由：此字源自于意大利语，这是由于定音鼓绝少单独击奏。

结构组成：由鼓身、鼓皮、定音系统和鼓棰等部分组成。

使用材质：鼓身：金属结构；鼓皮：牛、羊、驴皮均可，或使用合成材料。鼓棰：短木棰。根据演奏需要决定是否在一端包以弹性材料。

定音鼓乐器特色

乐器特色：定音鼓属单皮膜鸣乐器，造价昂贵。定音鼓可发出固定频率（即音高）的声音，并能够在五度音程范围内改变音高。音色柔和、丰满，音量可控制，不同的力度可表现不同的音乐内容，有时甚至可以直接演奏出旋律。演奏方法分为单奏和滚奏两种，单奏多用于节拍性伴奏，滚奏则可以模仿雷声，且效果逼真。定音鼓作为色彩性打击乐器，其丰富的表现力远非普通打击乐器所能比拟。

定音鼓在规格上分为大、中、小三种，在交响乐队中通常设置三到四个，由一名乐手演奏，可达到鼓声本身的和声效果。从表面上看，定音鼓几乎算是最易演奏的乐器了，但实际上鼓手需要相当大的自信和时间感才能成功地驾驭它。鼓手经常要默默地静坐若干时间，随后数着章节，在非介入不可的当口发出振聋发聩的一击，稍有差错便会人尽皆知。

定音鼓历史

一、早期历史（西元1600年之前）

定音鼓的前身是古阿拉伯的纳嘎拉鼓，约13世纪后期传入欧洲，15世纪在中东用于军乐队。回教徒和土耳其人用它和小号当为征召大家集合的讯号。第一个被引入西欧的定音鼓是在中世纪被库鲁萨德斯所带进入的。这些定音鼓都无法调音。一直到15世纪末，在西方文化中定音鼓还是一个非常新奇的乐器。亨利八世是第一个使用定音鼓于英国骑兵的军乐中。约在同时期，詹姆二世也将定音鼓放在马被上纳入乐团中使用。

二、巴洛克时期（1600～1750）

17世纪初期，定音鼓还不被使用于一般宫廷音乐中。只是做做即兴的效果，也没有在纸上记谱。通常只是作伴奏和加强节奏感之用。在17世纪末，定音鼓也被接受为乐团的一部份。且在一些重要且著名的巴洛克作曲家，如巴哈、韩得尔及菩塞尔的作曲中已占有一席之地。然而在这个时期，定音鼓主要用在巴洛克交响乐团中，有如同管乐器的后备支援者，作用于支撑铜管乐器的背景。因为在那时期，高音都必须先固定好。所以一般而说，当时的定音鼓演奏时的音程多为4或5度。

三、古典时期（1750～1825）

在古典时期，打击乐器的使用越来越普遍。定音鼓早期是无法调音的，而这时的定音鼓可以转动每跟螺栓来改变声音的高低。但此过程却是慢且棘手的。因此，想再一个鼓上迅速改变音高是难以做到的。到了古典末期，定音鼓的构造也改变成绳紧型的定音鼓了。很多有名的作曲家使用了定音鼓于他们的主要作品中，包括有海顿、贝多芬、白辽士。尤其是白辽士，在他的幻想交响曲，定音鼓担任了非常重要的角色。贝多芬也将定音鼓当为独奏乐器。尝试使用非正统的调音音程（如减五度、小六度等）。

四、从浪漫时期到现在（1825～2000）

在1821年，定音鼓构造的最大突破—机械式踏板的设计。用脚的动作简单的完成调音的工作。此项突破使定音鼓的表现更具变化性。浪漫派、印象派及现代的作曲家更善加利用了这项突破。有了如此灵活的踏板，在一套包含4或5个定音鼓的曲子中，可以在短时间内改变很多不同的音高。如巴尔托克的协奏曲就再短短的九小节内改变了多于十个的不同音高。

在今天，定音鼓更是现代乐团中不可或缺的乐器。他们的用途就又更广泛了。如背景效果、节奏的加强及独奏的表现，一直是交响乐队中打击乐声部的固定乐器，是重要的色彩性伴奏乐器，也适于其他各类乐队。

定音鼓鼓锤及演奏技巧

定音鼓的鼓槌系木制，顶端包以毛毡等材料，制成各种软硬、大小不同的鼓槌。鼓槌对奏出的音质有很大的关系。

槌头大的鼓槌可用于演奏丰满、洪亮的声音；中等槌头的鼓槌适合于演奏强度适中，偏于轻快的音乐；小槌头的鼓槌宜用于各种特别精缀的奏法。演奏员可根据需要选用合适的鼓槌。

定音鼓一般用两根鼓槌交替击鼓（也有同时击两鼓来奏和弦的），基本奏法有两种：1.单奏，2.滚奏。无论在一个或几个定音鼓上所奏的任何节奏型都是用单奏法奏出的。滚奏是两根鼓槌用同样的力度连续快速交替的单奏组成。定音鼓能奏出极轻的pppp直到震耳欲聋的ffff等一系列巨大的力度变化。为了能奏出音符的准确时值，常用2、3、4指轻按鼓面来制住多余的声音，但是在演奏一系列短促的音时，无法使用这种手法，可在鼓面上放一小块毛毡来达到制音的效果。

20.小鼓

小鼓的流行

小鼓，是壮、侗、彝、土家等族棰击膜鸣乐器。流行于广西、贵州、云南、湖北、湖南等省区。

各民族的小鼓，因流行地域和使用场合的不同，在形制上也有区别，它们多用于民族传统节日、婚丧喜庆场合、民间器乐合奏和戏曲伴奏。

壮族的小鼓

壮族的小鼓，流行于广西壮族自治区桂西各地。鼓框用杉木或杂木板拼合而成，呈扁圆形，鼓腰略成拱形，两面蒙以牛皮，皮面四周用单排大帽铜钉固定，鼓面直径30厘米、鼓高22厘米。鼓框外表涂以红漆，鼓腰周围置三个铜制鼓环（图）。演奏时，将鼓置于鼓架或木凳上，双手各执一木制鼓棰击奏，发音短促，音色清脆，常用于八音乐队合奏或为壮剧伴奏，是离不开的节奏乐器。也用于民族节日庆祝或民间婚丧喜庆等场合中。

侗族的小鼓

侗族的小鼓，流行于贵州省黔东南苗族侗族自治州黎平、榕江、从江等地。鼓框用杉木板拼合而成，呈扁圆形，鼓腰向外微拱，两面蒙以牛皮，皮面周边用三排铜钉固定，鼓面直径22厘米、鼓高6厘米。鼓框外表无漆饰，在鼓的一侧钉置一段皮带，上串一个小绳圈。演奏时，左手提携皮带或绳圈，右手执棰敲击，是侗族民间乐队中主要的节奏乐器。它常和唢呐、小锣和钹等乐器一起合奏，用于六月六踩歌堂和民间婚丧喜庆等活动。

彝族的小鼓

彝族的小鼓，又称团鼓。流行于云南省楚雄彝族自治州大姚、姚安、南华等地。鼓框用一整段松木或核桃木挖空制成，呈扁圆形，两端蒙以羊皮为面，皮的四周边缘用大帽铁钉固定。鼓面直径22厘米、鼓高11厘米。鼓框两侧置小鼓环、系鼓绳。鼓棰木制，棰长18厘米，棰头包布。演奏时，奏者坐奏，将鼓置于两腿间，双手执棰击奏，是民间吹打乐队中的节奏乐器，它常和唢呐、锣、镲等乐器一起合奏。用于民族传统节日和民间婚丧喜庆等场合。

土家族的小鼓

土家族的小鼓，又称棋子鼓。流行于湖北省鄂西土家族苗族自治州和湖南省湘西土家族苗族自治州。鼓框用一整段梧桐木或松木挖空制成。呈扁圆形。单面或双面蒙以牛皮或羊皮，皮边四周用鼓钉固定。规格不一，单面蒙皮的鼓，鼓面直径27厘米、鼓高15厘米；双面蒙皮的鼓，鼓面直径35厘米、鼓高18厘米，鼓框两侧各置一鼓环，两环间以鼓带相连。鼓棰木制，棰长20厘米，呈直棒形。演奏时，奏者将鼓带挂于颈项，使鼓面平置腹前，两手各执一棰击奏。为使行进中演奏方便，还在鼓框外侧围以较长竹片，并将竹片两端夹于奏者腰部两侧，使鼓身稳定不动。用于土家族传统民族节日和民间婚丧喜庆等场合，它常与钩锣、溜子锣、冬子锣、头钹、二钹等乐器一起组成打击乐合奏，称花锣鼓，如再加一支唢呐演奏，则称吹锣鼓。棋子鼓在以上两种合奏中，都居于领奏地位，是土家族重要的节奏乐器。

21.串铃

乐器简介

串铃，藏族、瑶族摇击体鸣乐器。藏语称厄尕，意为铃，瑶族称母柱。流行于西藏、四川、云南、贵州、青海、甘肃等省区。

形制特征

串铃原为骡马驴狗等家畜颈上所系饰物与响器。是在一条布带或皮带上缀挂二十余个金属小铃而成。小铃用铜、铁冷压或铸制为两个半球形，后合成球状体。规格大小不一，直径2厘米～6厘米。铃外一侧设有环形耳用以系挂，另一侧有一细长开口为出音孔，铃内装有一粒铁制小珠。小铃的形状除球形的以外，尚有椭圆形、葫芦形、桃形等多种，出音孔除一字形开口外，尚有弧形、人字形等几种。

演奏方法

演奏时，奏者或坐或立，藏族多双手执布带或皮带两端，瑶族则左手执皮带两端，弯成环状，通过绷拉或摇动，使铃中铁珠碰撞铃壁而发音，音色清脆。用于宗教活动和歌舞及藏戏伴奏。在藏族佛教寺院的跳神和歌舞、藏戏演出中，奏者将串铃系于腰间、腿或手臂上，随舞蹈动作而哗哗作响。也有的演奏者将串铃钉缚在一块形如刷子的小木板上，手执板把摇奏或碰击肩、膝等部位演奏，是藏族颇具民族特色的色彩性节奏乐器；在瑶族的祖祭和丧葬活动中，人们一手执母柱，一手拿白绫，先唱孝歌，后振铃起舞。

22.铜铃

古代乐器

铜铃，古代乐器。古属八音之一金类。铃的形状也象钟，但比钟小得多。现在最典型的有N铃，高4.8厘米、宽4.3厘米。据说系安阳出土，大约是商代的。还有成周铃，高10厘米、宽6.6厘米，是西周时代的。它们的形状都是平口，上有桥形纽。由其大小推测它的用途：小铃大约是旗子上的点缀品，大的是乐器。《周礼·春官》上说：“大祭祀鸣铃以应鸡人。”古代除了用它作乐器外，车上、旗上、犬马上都系铃，不过现在已难于区别了。

民族乐器

铜铃，苗族、壮族摇击体鸣乐器。流行于广西壮族自治区桂西的西林、隆林和桂南的邕宁、武鸣等地。

形制特征

用铜制成，外观呈圆球状，规格大小不一。大者直径约5厘米，小者直径约2厘米，铃的上部设有环状耳，用以穿绳系挂，铃的底部有一长条形开口，口长小于铃的直径，口宽随铃而定，铃大则宽、铃小则窄。铃内置有两个比铃口略宽的铁制圆珠。一般常将三至五枚同样大小的铜铃缀系于一圆形圈框或绳带上。

演奏方法

演奏时，手持圈框或绳带摇奏，铃内铁珠碰击铃壁而同时哗哗作响，音色清脆悦耳，气氛热烈。常用于民间歌舞伴奏，是富有地方特色的节奏乐器。

23.木棍琴

乐器简介

木棍琴，是高山族敲击体鸣乐器。阿美部族称阔康。流行于台湾省中部地区。

乐器历史

聚居在台湾省中部平原地区的高山族阿美部族人民，以农耕为业，每当庄稼成熟时节，就会有多种鸟雀前来捉食粟稻。聪颖的阿美部族人民就将枯木棍或枯竹竿吊挂起来敲打，以惊吓和驱逐害鸟。人们敲击木棍的不同部位，发出高低有别的声音，便成了可演奏曲调的体鸣乐器。

乐器结构

木棍琴由发音体、木架和木棰组成。发音体多用硬质木棍制作，每根长120厘米～160厘米、直径8厘米～10厘米，每琴三根。三根木棍的长度和直径均不相同，每根木棍的两端由绳索吊挂于木架上，三根等距平列。每根木棍可发出五度关系的两个音，相邻两根木棍为小三度关系。木棍发音不准时，可用刀子修削木棍，音低时可削短两端，音高时则要削细木棍；也可移动吊挂木棍的绳索进行调整，音低时，绳结向木棍中间移动，音高时，绳结向木棍两端移动。据台湾东海大学吕炳川教授1966年至1977年的实地考察，在阿美部族的奇美村社中，也有竹制的琴，即发音体和琴架均用枯竹竿制作，还有竹木合制的琴，即发音体用木棍、竹竿两种材料，琴架则为木或竹制。木棰用短木棒制成，棰长35厘米～40厘米，直径2.5厘米～3厘米，两根为一副。

演奏方法

演奏时，奏者坐在木架后面，木棍横悬于奏者腿前，两手各执一根木棰敲击，发音为五声音阶。音域a～a1。民间常用于自击自娱或为民歌、舞蹈伴奏。由于社会的不断发展，这种源于惊鸟护粮的乐器，在高山族人民中流传并不普遍，目前只在阿美部族的奇美村社中还保留着这种古老的木棍琴。